Archivo de la categoría: Postproducción

Edición y atención humana, ¿la fórmula matemática del éxito de las películas de Hollywood?

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Gráfico con la fluctuación de la longitud de planos de tres películas de diferentes décadas

Gráfico de la fluctuación de la longitud de planos de tres películas

El profesor de psicología e investigador de la Universidad de Cornell (Ithaca, New York), James Cutting (curiosamente, el apellido combina con su investigación), al frente de un equipo de investigadores, han descubierto que la longitud o duración de los planos de las películas modernas, especialmente del género de acción, responden al mismo patrón matemático que describe la fluctuación en la capacidad de atención humana; así como otros fenómenos naturales como las inundaciones anuales del Nilo (según las descripciones del teórico del caos, Benoit Mandelbrot), las turbulencias aéreas o ciertos patrones musicales.

El patrón matemático fue diseñado por científicos de la Universidad de Texas a princiios de los 90, quienes estudiaron las fluctuaciones de la atención de sujetos que realizaron cientos de tareas. Los investigadores convirtieron entonces los resultados en forma de ondas por medio de la ecuación matemática de Fourier.

Cutting midió la duración o longitud de cada plano de un total de 150 películas taquilleras, estrenadas entre 1935 y 2005 y de varios géneros. Luego convirtió los resultados en ondas por cada película.

Lo que descubrió es que las fluctuaciones de la longitud de los planos se ha ido acercando en nuestros días al patrón conocido como Pink Noise (Ruido Rosa) o, lo que es lo mismo, la fluctuación 1/f. Según esto, la magnitud de las ondas se incrementa en la misma medida en que su frecuencia se reduce, con lo que los períodos de atención (y en este caso, la duración de los planos de las películas modernas) se suceden en intervalos regulares en el tiempo (o a lo largo de un film).

En cristiano: que la duración de los planos de una película, actualmente tienen a fluctuar en intervalos regulares, de la misma forma que la capacidad de atención de los espectadores.

Estos resultados sugieren que progresivamente, las estructuras de las películas de Hollywood se han organizado en paquetes de planos de longitudes similares. Por ejemplo, las secuencias de acción se agrupan en paquetes de planos relativamente cortos; mientras que las secuencias de diálogo (con un montaje alternativo de planos y contraplanos centrados en los interlocutores) tienen a ser agrupaciones de planos largos o de mayor duración. De esta forma, los editores y directores han incrementado gradualmente su control sobre el momentum visual de su narrativa, haciendo que las relaciones entre la longitud de sus planos sea más coherente a lo largo de un período de 70 años.

Cutting estima que obedecer el patrón matemático 1/f, hace que las películas “resuenen con el mismo ritmo de la atención humana”, lo que las hace más emocionante. Su hipótesis es que las películas editadas de esta forma, tienden a tener más éxito, y sus estilos de rodaje y edición, a ser más copiados. El mismo patrón puede ser encontrado en fenómenos físicos, biológicos, culturales y mentales. Para él, esta evolución se ha dado de forma espontánea y natural, no intencional.

En su estudio, el profesor asegura que ciertos films noir (Detour, 1945; Mildred Pierce, 1945; Asphalt Jungle, 1950; Sunset Boulevard, 1950) no responden a la Ley 1/f, lo que sugiere que no siguen un patrón matemático en las relaciones de longitud de sus planos; mientras que algunas exitosas películas de Hitchcock (The 39 Steps, 1935; ForeignCorrespondent, 1940; Rebecca, 1940; Spellbound, 1945; TheTrouble with Harry, 1955; y To Catch a Thief, 1955) sugieren lo contrario.

En cuanto a los géneros, el de acción es el que más se acerca al patrón 1/f, seguido por los géneros de aventura, de animación, de comedia y drama. Sin embargo, algunas exitosas cintas estudiadas que no pertenecen al género de acción, también mostraron un patrón cercano a 1/f: The Perfect Storm, aventura; Pretty Woman, comedia; Rebel Without a Cause, drama; Cenicienta, animación y The 39 Steps, drama.

Como dato curioso, la media de planos de las películas estudiadas es de 1.132. De la muestra del estudio, la cinta con menos planos es Seven Year Itch (231) y la de mayor cantidad es King Kong (la versión reciente de Peter Jackson) con 3 mil 99.

En resumen, el estudio de Cutting sugiere que, en el futuro, los editores y cineastas deberían conscientemente editar sus películas tratando de seguir el patrón 1/f para lograr una mayor empatía con el público y capturar de una forma más efectiva su atención.

Resumen de la investigación | Descargar .PDF

Vía | Koktte

Cómo se convierten en 3D, las películas filmadas en 2D

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Alice, en 3D

Sí, filmar en 3D, o formato estereoscópico, es aún muy caro y, sobre todo, muy complicado. Ya todos hemos escuchado o leído la explicación de James Cameron sobre el delicado equilibrio que debe mantenerse entre la espacialidad y profundidad de campo del 3D y el movimiento de la imagen. Cameron decía que, al filmar Avatar, velaba constantemente por ese equilíbrio: en escenas de mucho movimiento o acción frenética, reducía el efecto espacial. Y viceversa.

No es fácil. Y, al parecer, no mantener ese equilibrio te puede meter en problemas. A veces graves: imagínate una audiencia enferma en la sala de cine, algunos mareados, otros vomitando y uno que otro bizco.

Pero también está el problema del costo de las cámaras, diseñadas especialmente para controlar el grado de profundidad del efecto 3D: a mayor distancia entre ambos lentes —distancia interocular—, mayor profundidad (y mayores probabilidades de marear a la concurrencia). Si ya es difícil y complicado filmar en dos dimensiones en el tercer mundo, no quiero ni imaginar la pesadilla que puede ser agregarle una dimensión extra.

Hay sin embargo una forma de alcanzar resultados parecidos en postproducción, aunque no menos caros y dolorosos. Tim burton ha escogido este camino para su Alice in Wonderland, una decisión criticada por Cameron. La revista electrónica Slate ha publicado una detallada explicación sobre el proceso.

No es tan complicado, tampoco. ¿Recuerdan aquel tutorial sobre cómo animar imágenes fijas que alguna vez publicamos aquí? Pues es parecido: se separan en capas diferentes los diversos objetos de la imagen. Se distancia una capa de la otra para fingir profundidad. Luego, por medio de un software, se simula una segunda cámara (o imagen). En esta segunda cámara, se desplazan los elementos de la imagen lateralmente y se rellena el espacio vacío que deja este desplazamiento, por medio de interpolaciones o clonación.

Es un procedimiento igualmente caro y tan complicado como filmar directamente en 3D. Pero al menos, con tiempo, paciencia y 526 chimpancés debidamente entrenados en After Effects, se pueda lograr.

Vía | Gizmodo

De ‘Where the Wild Things Are’ a ‘The Curious Case of Benjamin Button’

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Magia digital: los rostros de las criaturas salvajes…

Magia digital: los rostros de las criaturas salvajes…

La revista Wired del mes de octubre, le dedicó una reseña a la tecnología que hizo posible los monstruos de Where the Wild Things Are, la última película de Spike Jonze. Aunque habla de cómo operaban las cabezas y los cuerpos robóticos de los personajes, quizás lo más interesante es cómo resolvieron el problema de los rostros.

Dice Jonze:

Inicialmente, yo pensaba que podíamos resolver los rostros con animatronics. Pero entonces, David Fincher me dijo que era la cosa más estúpida que podía hacer jamás —irme horas y horas al bosque, con un montón de trajes y todos esos motores servo y controles remotos. Nosotros estábamos trabajando en sus oficinas en Hollywood y él nos dejaba notas en la puerta, con un dibujo de una Wild Thing con una flecha que apuntaba al cuerpo y decía “traje” y otra flecha que apuntaba a la cabeza con las siglas CG (animación digital).

Al final, Jonze siguió los consejos de Fincher. Un equipo de animadores creo los modelos digitales de los monstruos y Jonze actuó las escenas para que pudieran crear las expresiones de los personajes en postproducción.

Fincher sabía de lo que hablaba. Él fue el encargado de sacar adelante un proyecto que todos en Hollywood consideraban imposible de realizar: The Curious Case de Benjamin Button, la historia de un hombre que, seguro que todos ustedes saben, nace anciano y rejuvenece a medida que crece. Protagonizada por Brad Pitt, la cinta represnetaba para los animadores un reto también considerado imposible: recrear digitalmente el rostro humano.

¿Cómo lo hicieron? Pues el video que encontrarán a continuación, lo explica en detalle. Es la intervención del gurú de los efectos digitales de Digital Domain, Ed Ulbrich, en el último TED.

Por cierto, ahora muchos de los videos del TED tienen subtítulos en español. No se los pierdan.

2012, esta es la forma en la que todo terminará

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Imagen de previsualización de YouTube

Hace me poco miraba un afiche de 2012, el nuevo filme del catastrófico Roland Emmerich, y me preguntaba si habrían sido capaces de reproducir en movimiento la apocalíptica imagen del póster.

Resulta que sí, que lo hicieron.

En el video que encabeza este artículo verán una impresionante secuencia de 5 minutos que retrata la destrucción de Los Ángeles. En el que encontrarán más abajo, verán cómo lo hicieron. Tampoco dejen de visitar el canal de Youtube dedicado a la producción del filme.

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Final Cut Studio, una nueva versión

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El nuevo Final Cut Studio

El nuevo Final Cut Studio

Hay una nueva versión del Final Cut Studio, la suite de postproducción de Apple, en la calle desde hace un par de días. El paquete está repleto de mejoras y nuevas funciones, como nuevos codecs ProRes, flujos de trabajo adaptados a los procesos del cine digital o una integración más fluida entre las diferentes aplicaciones. Se ha reescrito casi por completo la aplicación de codificación Compressor y ahora, cuando se exporta desde el Final Cut Pro, puede uno seguir trabajando –sí, el fin del viejo pasatiempo de mirar absorto la barra de progreso–, han convertido el Cinema Tools en una herramienta imprescindible para trabajar con formatos de alta definición (como los internegativos digitales o el material de la cámara RED). Pero nos quedamos esperando la aplicación para storyboards.

Sin embargo, una de las cosas que más me ha llamado la atención ha sido el iChat Theater.

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Adiós SteadyCam: impresionante software de estabilización de imágenes

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Imagen de previsualización de YouTube

Un equipo de investigadores de la universidad de Wisconsin-Madison y Adobe, presentarán en la conferencia de SIGGRAPH, en agosto próximo, su revolucionario enfoque de la estabilización de imagen vía software. Básicamente, los investigadores han desarrollado un sistema que recrea la tridimensionalidad del recorrido de la cámara, partiendo de puntos de seguimiento en la imagen bidimensional. Los resultados son sencillamente extraordinarios.

Puede sonar complicado, pero no lo es tanto. El video que ilustra este artículo explica de manera sencilla todo el asunto, pero si se quiere profundizar, hay disponible en la red un informe del estudio.

Vía | Mirá!

No-Do, trailer e instructivo ‘making of’

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No-Do es un cuento de terror dirigido por Elio Quiroga, cuya trama tiene un punto de partida interesante, al menos:

No-Do nos propone un cuento terrorífico de fantasmas y secretos que parte de unos hechos reales extraídos de la Historia reciente de España, cuya existencia ha dado lugar a todo tipo de especulaciones y rumores. Se trata de los “No-Dos secretos”, unas filmaciones realizadas confidencialmente por el Régimen Franquista para la Iglesia Católica en los años 40 y 50 documentando fenómenos milagrosos, apariciones marianas, prodigios y sucesos parapsicológicos.

Yo, la verdad, no tenía noticias de estos “No-Dos”.

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Para cineastas pobres: controlador para corrección de color

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Control Surface Color Correction

Mouse para corregir color…

Sólo quienes hayan intentado corregir el color de sus películas usando un mouse pueden describir tan hórrida experiencia a cabalidad.

Ya se trate de Apple Color, o Magic Bullet Colorista, con un mouse, no hay manera. Sucede que las aplicaciones de corrección de color no están hechas para ser manejadas con un ratón. Requieren de un controlador más sofisticado, de tres esferas. Y no son baratos.

La razón es que para lograr el tono deseado, el colorista requiere de alcanzar un equilibrio perfecto entre diferentes parámetros. Y, para ello, debe hacer las variaciones de valores al mismo tiempo, en paralelo.

Sin embargo, Studio Daily ha publicado una solución ideal para aquellos cineastas sin el respaldo financiero similar al de Steven Spielberg: un controlador para postproductores pobres.

Se trata de un tutorial sobre cómo controlar una suite de corrección de color con un Kensington Expert Mouse, un mouse de esfera o trackball.

La solución no es perfecta puesto que, al disponer de sólo una esfera, el colorista tendrá que variar los parámetros uno a uno –y no varios al mismo tiempo como Dios manda.

Pero al menos, la tortura será más leve que hacerlo con un mouse normal.

Sundance 2009: TAMPER, la tecnología gestual de Minority Report aplicada a la edición no lineal de imágenes

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En un par de escenas de Minority Report, la distopía futurista de Steven Spielberg basada en el texto de Phillip K. Dick, Tom Cruise hace una investigación documental en los archivos de recuerdos de algunos personajes, relacionados con un crimen que aún no ha sido perpetrado.

Parado ante un monitor de cristal, sus manos enfundadas en guantes, el personaje de Cruise manipula con gestos las imágenes almacenadas en placas de cristal. Cruise nos recuerda a un director de orquesta que trabaja con el tiempo y la memoria, y la música escogida por Spielberg contribuye a enfatizar esa sensación. (Podrán ver ambas escenas en el video que encabeza este artículo).

Recuerdo que al ver la primera escena pensé lo mismo que seguramente ha pensado todo profesional del cine en ese momento:

Ojalá inventaran un sistema así para editar una una película.

En los años siguientes, algunos avances tecnológicos me convencieron de que ese día estaba más cerca de los que yo pensaba:

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Hágalo usted mismo: edite su concierto de Nine Inch Nails

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Reznor y NiN regalan video de sus conciertos en Torrent

¿Por qué siempre pasan este tipo de cosas cuando uno más trabajo tiene y, el poco tiempo libre que le queda, debe dedicarlo a su blog?

Resulta que Nine Inch Nails, uno de las bandas favoritas de quien esto escribe, ha puesto a disposición de medio mundo, nada menos y nada más que más de 400 gigabites de material bruto, video, de sus conciertos durante la gira Lights in the Sky (sí, la que los trajo a Caracas y que y me perdí).

Según dice Trent Reznor, líder de la banda, en su página oficial, el material habría sido filmado por fanáticos, burlando medidas de seguridad.

La verdad es que internet es una cajita de sorpresas por estos días… Un misterioso grupo clandestino de alguna forma se las apañaron para filmar una cantidad importante de imágenes en alta definición de tres de nuestras presentaciones en la última gira. Tal parece que no tuvimos la mejor seguridad ya que la calidad de las imágenes es estupenda. Si algunos fans encontraran los enlaces de estas grabaciones, acaso pudieran hacer algo excelente. Si les preguntan, yo no les he dicho nada.

El material, HD, está circulando en las redes P2P del protocolo Torrent.

Si alguno de ustedes se anima, no dejen de avisar, para postear su trabajo por aquí.

Aquí les dejo los enlaces para descargar los archivos torrent.

Lights in the Sky, torrents | Portland | Sacramento | Victoria |

Apple iMovie 09, aún sin timeline

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El nuevo Apple iMovie 09 de iLife

Y lo volvieron a hacer.

Hace poco más de una década, iMovie, el software de edición no lineal, gratuito y casero de Apple, fue una de las herramientas que encendieron la mecha de la revolución del cine digital. Aunque básico y limitado, no impidió que se convirtiera en una de las herramientas más populares de edición. Hubo incluso quien lo usara para editar un largometraje completo. Por ejemplo, Jonathan Caouette, autor del ensayo autobiográfico Tarnation.

Pero en 2006, o 2007, ya no recuerdo bien, con el advenimiento de ese fenómeno llamado YouTube, los desarrolladores de Apple lo reescribieron por completo. La idea era hacer de iMovie una herramienta para videoaficionados y usuarios de YouTube. Y, por alguna razón desconocida (y desconcertante), decidieron eliminar el timeline.

Desde entonces, no hubo manera de usarlo.

Como decía Tarkovski, la materia prima del cine es el tiempo. La edición no es más que la manipulación del tiempo cinematográfico para alcanzar un determinado efecto dramático, narrativo o estético. De allí el tan necesario concepto de una línea de tiempo continua, o timeline, en la edición no lineal: el lienzo donde se manipula el tiempo. En inglés, picture es pintura, pero también película.

Una aplicación de edición no lineal no tiene mucho sentido sin un timeline. Y eso es, precisamente, de lo que carece iMovie.

Ayer fue la última Keynote de Apple en la MacWorld. Fue además, una presentación sin Steve Jobs. En lugar del evangelista de Apple estuvo Philip Schiller, gerente de mercadeo de la compañía de la manzana. Muchos se esperaban algo especial. Cuando Schiller comenzó a hablar de iMovie, tuve la esperanza de que le hubieran devuelto el timeline.

Pero no. Aunque el software tiene sus mejoras con respecto a su versión anterior, el timeline al parecer no es una de ellas. En todo caso, el timeline tal y como lo conocemos. Según puede apreciarse en el demo del software, el nuevo timeline es una línea discontinua, o varias filas ordenadas unas debajo de las otras.

Como en la versión anterior, en el nuevo iMovie se le da más importancia a la biblioteca de video que al timeline, lo contrario de casi o todas las aplicaciones de edición no lineal o de composición gráfica. Da la impresión de ser un software de edición diseñado con la misma idea de una aplicación para catalogar y procesar fotografías, tipo iPhoto o Aperture.

La interface pareciera tener también un montón de comandos escondidos y menús emergentes. Incluso, la pista de audio está oculta. No sé si todo esto sea del todo funcional. Supongo que la única manera de saberlo es probar el software. Espero hacerlo pronto.

iMovie es parte de la suite de Apple, iLife.

Así se cortó The X-Files, I want to believe

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Días atrás, Apple publicó en su website un ilustrativo artículo sobre el proceso de postproducción de The X-Files: I Want to Believe, el segundo filme de Chris Carter basado en su teleserie homónima.

Filmado en 35mm y video de alta definición, con cámaras Panavision, Genesis y P2; el filme fue montado en Final Cut Pro, por el veterano Richard Harris, ganador del Oscar al mejor montaje por su trabajo en Titanic, en Malibú, California, mientras en paralelo, el rodaje transcurría en Vancouver, Canadá.
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Instrucciones para hacer una máquina de lluvia

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Hay rodajes que se suspenden por lluvia. Otros, se suspende por falta de lluvia. O de máquina de lluvia.

Si éste último es tu caso, no permitas que eso te vuelva a suceder: estas son las instrucciones para hacer una máquina de lluvia que no desbordará tu presupuesto.

Ahora, si lo tuyo es la post, quizás este artículo te pueda interesar más.

White Red Panic o el resultado de filmar “en cueros”

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White Red Panic (HD) from Ayz Waraich on Vimeo.

Semanas atrás, Stu Maschwitz publicó en su blog un post titulado Go Naked. No, no tenía fotos de mujeres desnudas. Con lo de “ir desnudo”, el autor de The Rebel Guide, se refería a hacer cine despojándose de todo lujo, accesorio o herramienta cuya carencia a veces nos impide poner manos a la obra.
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