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Cómo escribir un cortometraje de 5 minutos

Escribir un guión, cualquier guión no es fácil. Requiere de una gran capacidad de síntesis y un gran manejo de la economía de lenguaje. Del lenguaje escrito y audiovisual. Si pierdes una escena en un largometraje quizás no se afecte el conjunto, su unidad dramática o coherencia narrativas. Pero perder una secuencia de un cortometraje puede ser fatal. Quizás por esta razón el director de cine español, Carlos Saura, decía que había que hacer muchos largometrajes para poder hacer un buen corto. Sin embargo, no es tarea imposible. En este artículo te explicamos todo lo que tiene que saber acerca de cómo escribir un cortometraje. Además, uno de 5 minutos.

¿Qué es un cortometraje?

Un cortometraje es una película de 50 minutos o menos. El promedio de duración de los cortos suele estar alrededor de los 10 a 20 minutos. Cuando se trata de cortos, mientras más corto, mejor.

Estructura dramática fina de un corto de cinco minutos

En Channel 101, un site dedicado a la exhibición de cortos, he encontrado un interesante tutorial para escribir historias de 5 minutos (que no historias en 5 minutos). Desafortunadamente, la página ha desaparecido. Pero algo he podido rescatar. Dan Harmon, el autor del tutorial, comenzaba con buen pie. Si el tiempo es la materia prima del arte cinematográfico, como apuntara Andrei Tarkovsky en su libro Esculpir en el Tiempo, Harmon estructuraba la historia sobre el límite temporal de los cinco minutos para escribir un cortometraje.

Luego, dividía el guión (de 5 páginas a razón de una página por minuto) en 8 partes de 37,5 segundos cada una:

1. Presentación del personaje. O del protagonista. En una escena breve, pero que lo describiera de forma efectiva y definitiva. Principalmente, a través de una acción. Peor no sólo al personaje, sino también su entorno. Su situación. Su equilibrio. Su vida normal. Ahora, cuando vivimos sometidos a la inmediatez de la red, donde reina el cortometraje como medio principal de comunicación, tu objetivo será atrapar la atención de espectador en los primeros 5 segundos. Sí: cinco. No tienes más. Mira cualquier trailer.
2. Presentación de la situación (el desbalance, need). Algo sucede que desequilibra la vida del personaje. Necesita entonces “algo” para volver a su equilibrio natural. Este desequilibrio puede ser consecuencia de la acción inicial que usamos para presentarlo en primer lugar. Tienes poco tiempo y debes aprovecharlo. Una escena debería servirte para contar varias cosas importantes.
3. Cambio o giro de la situación en la que se encuentra el personaje (go). Tu personaje debe entonces tomar una decisión y hacer algo para remediar ese desequilibrio.
4. Búsqueda o desarrollo, el personaje comienza a tratar de remediar su situación, a satisfacer sus objetivos (search). Usualmente, en esta fase o tramo de la historia, todo lo que haga tu personaje para remediar su situación debería salir mal. Y en vez de salvarlo, lo hunde más en su miseria. Así, espesamos su conflicto dramático y mantenemos el interés de espectador. Una buena manera de lograr este objetivo es tener presente siempre la siguiente pregunta: ¿que haría yo —el espectador— si estuviera en el lugar de mi personaje?
5. La satisfacción del objetivo: el personaje alcanza su meta (find). Entonces, cuando creemos que personaje no puede hundirse más, cuando no puede estar más perdido, cuando su situación no puede ser peor… Sálvalo. Haz que encuentre su tabla de salvación. Pero no todo puede ser coser y cantar. Esa salvación tendrá un precio a pagar. Tu personaje debe tomar una decisión determinante en su vida.
6. El precio a pagar y la redención: el personaje alcanza su objetivo a costa del sacrificio de otras cosas, y ese precio a pagar es lo que le salva (take). Aquí es siempre muy interesante hacer una inversión de expectativas. Haz que ocurra lo contrario a lo que tu público cree que va a suceder.
7. El regreso, el punto más alto del clímax, la escena de oro: el personaje se empina sobre las dificultades y triunfa (Return). Muestra el triunfo de tu personaje. Pero también debes mostrar las secuelas o consecuencias de haber tomado aquella decisión. La decisión que lo salvo.
8. El cambio, el personaje muestra que ya no será el mismo, que ha pasado de tener una actitud pasiva a una actitud activa. Ahora él está a cargo de la situación (change). Porque, desde luego, el viaje de dolor (así sea una comedia; es más, si es una comedia, más doloroso tiene que ser su viaje para que sea más gracioso) dejará sus marcas en el alma de tu personaje. Muestra cuáles son esas marcas. Como en el punto número 6, en el final también resulta efectivo valerse del recurso dramático de la inversión de expectativas. Si aquí ocurre algo inesperado para el espectador, un twist ending, o final inesperado, algo que el espectador no se vio venir, habrás ganado la partida.

Estructura dramática gruesa

Explicado de otra manera, el guionista puede usar 1 minuto 15 segundos para cada uno de los siguientes actos y sus respectivos objetivos para escribir un cortometraje:

1er. Acto

Se presenta un personaje y tratamos de que la audiencia se identifique con él. Esta identificación se alcanza cuando presentamos las circunstancias vitales de nuestro personaje.  Pero su situación cambia, para su desgracia. Ahora él tiene que alcanzar un objetivo, llegar a una meta específica. Aquí se debe provocar en el espectador la pregunta de qué haría si estuviera en el lugar del protagonista.

2do. Acto

El personaje debe lidiar con las nuevas circunstancias. Y encuentra lo que estaba buscando.

3er. Acto

Pero alguien debe pagar el precio de ese hallazgo (en los filmes policiales, es cuando el compañero recibe el balazo dirigido al protagonista). Y entonces el protagonista se da cuenta que debe enfrentar esas circunstancias (el clímax). Finalmente se muestra cómo la situación ha cambiado y la evolución que ha experimentado ese personaje.

Estructura de Hair Love

Por ejemplo, el corto que encabeza este artículo, Love Hair, ganador del Oscar en 2020, tiene una estructura clásica muy bien definida sus apenas seis minutos de duración. El corto le dedica alrededor de sus dos minutos iniciales a presentar los personajes, protagonista (la niña) y antagonista (su cabello) y el conflicto (la niña no puede peinarse sola). Luego, en un primer punto de giro, incluye a su padre. Minuto y medio después, cerca de la mitad, la batalla parece perdida, pero en una última refriega, después de superar sus obstáculos internos, lo vencen.

Finalmente, los realizadores le dedican minuto y medio a la resolución. En una inversión de expectativas, develan el misterio y ejecutan un limpio giro final, que resulta emocionante y cautivador.

Consejos generales sobre cómo escribir un cortometraje

Cuando vayas a escribir un cortometraje, evita en todo momento los lugares comunes que enumera este artículo. 

Por ejemplo:

• El dolly in (o out) combinado con zoom (in o out según sea el caso), usado por Hitchcock en Vértigo (eso lo he hecho en mis trabajo de escuela).<
• Las tramas sobre “almas artísticas torturadas”, es decir, las películas “del artista bloqueado ante su obra”: escultores, pintores, músicos “el 90%, escritores”, que superan su bloqueo artístico gracias a una musa.
• Las secuencias oníricas.
• Las transiciones de tiempo con imágenes aceleradas (esos planos panorámicos donde cae la noche o amanece a gran velocidad).
• El mal audio, combinado con la música ejecutada con instrumentos clichés. Es decir: sintetizadores (más apropiados para el porno), plano solitario, guitarra acústica solitaria, la banda de rock de tu amigo, el lánguido violoncello…
• Los planos “interesantes” cuya función es más egocéntrica (“¡mira lo bueno e ingenioso que soy dirigiendo!”) que dramática, como el “punto de vista de la nevera” (la cámara dentro de la nevera).

O evita lo lugares comunes que enumera Nacho Vigilando en este otro artículo. A continuación, algunos ejemplos:

• No hagas que tus personajes interrumpan una conversación para encender un cigarrillo y dar la primera calada. Puede dar información acerca del carisma del personaje, pero a base de robársela al director.
• Que alguno de tus personajes sea cinéfilo es bastante peliagudo. Si lo es, nada de decorar su casa con posters de La Naranja Mecánica
• Por cierto. Nada de parodiar la escena del espejo de Taxi Driver. Nada. Fuera.
• Un cinéfilo no lo es cada segundo, un artista no es continuamente un artista, un gangster no lo es siempre, una mujer seductora no lo es en todo momento.
• Ningún personaje tiene la necesidad de parecer lo que es. Y a la hora de engañar al espectador, no es necesario que parezca lo contrario.
• No eres un yonki, ni un vagabundo, ni una prostituta. Posiblemente no has conocido jamás a un vagabundo, ni a un yonki ni a una prostituta. No lo olvides a la hora de retratar yonkis, vagabundos y prostitutas.
• ¿Recuerdas el último cortometraje que has visto con el suicidio como tema central? Yo tampoco.

En ambos artículos hay más consejos. Vale la pena leerlo completos. Si vas a realizar un corto de terror (como Lights Out), Jason Blum, el productor de Blumhouse, tiene excelente lista con trucos infalibles para asustar a tu público

Si quieres profundizar un poco más en temas de dramaturgia, este post te explica la diferencia entre el tema, el conflicto y la trama de una historia. Recuerda a la hora de sentarte a escribir un cortometraje: no tendrás tiempo para irte por las ramas. Tienes que aprovecharlo. Aprovechar cada segundo.

El escritor argentino Julio Cortazar, para ilustrar las diferencias entre una novela y un cuento, usaba un combate de boxeo como metáfora. Según él, una novela ganaba por puntos; mientras que un cuento ganaba por nockout. A mí me gusta pensar que un largo es una maratón, mientras que un corto son los 100 metros planos. Eso, pero con varias caídas en el camino. Finalmente, un ejercicio: analiza los cortos que incluimos en este artículo usando la estructura que más arriba explicamos.

Si deseas profundizar aún más en estos temas, te invitamos a descargar nuestra Guía Rápida para Escribir un Corto. Completamente gratis.