Publicada en

Lo Imposible, trailer de la nueva película de Bayona

Naomi Watts hace lo imposible en lo nuevo de Bayona

Según El País de España, es la película española más esperada del año. Se trata de Lo Imposible, el bueno film de Juan Antonio Bayona, quien regresa así a la gran pantalla después de su exitosa El Orfanato. Protagonizado por Ewan McGregor, Naomi Watts, Marta Etura y Geraldine Chaplin, la película cuenta los esfuerzos de una familia para reunirse después del devastador tsunami del Pacífico en 2004.

Pero, según Bayona, es mucho más que una historia de supervivencia:

No se trata tan solo de una historia de supervivencia, sino que además plantea para quién quieres sobrevivir y de qué manera. Hay algo poderosísimo en esta historia que trasciende la tragedia para hablar de la condición humana. Estoy ansioso por mostrarle al público que el cine español puede hacer lo imposible y más.

Publicada en

Alex de la Iglesia: “Alguien con intereses enturbia la relación entre el cine y su público”

Alex de la Iglesia

Alex de la Iglesia
Alex de la Iglesia
Alex de la Iglesia habló con El País de España sobre su film más reciente, La Chispa de la Vida. No obstante, me parece interesante citar un fragmento donde sugiere que la ruptura entre el cine español y su público ha sido planificada.

¿Cómo ve el cine de hoy, o sea, la relación de la gente con el cine?

El cine es como la sociedad, solo que visto a través de un espejo grotesco. Una de las cosas que más me entristecen es que alguien con un interés concreto económico y político haya enturbiado la relación entre cine y público. Eso ha sido algo trabajado. Nosotros hemos hecho mucho por estropearlo todo, ¿eh?, metemos la pata cada día, yo la meto, somos excesivos, absurdos, pero nuestra relación con el público es imposible de perder, trabajamos para él.

Pero ¿habla en abstracto, o de alguien en concreto?

En abstracto no, hay gente, hay grupos, corporaciones mediáticas interesadas en que no se haga cine y que el dinero se invierta en televisión, en energía eólica o en qué sé yo. Ahora que no soy presidente de la Academia lo puedo contar.

Pues ahora que no es presidente, diga: ¿ha rumiado frustración, arrepentimiento?

Debo decir que sigo pensando lo mismo. Dejé de trabajar en la Academia por un desacuerdo sobre la ley [Sinde] y sobre cómo se estaba tramitando y sigo en desacuerdo. Tiene que haber una ley, pero no esta, sino otra, hecha con el consenso de todos los afectados. Aparte de eso, los dos mejores años de mi vida fueron los que pasé en la Academia.

No se equivoca. Además, el fenómeno es global. Contra el cine en general y contra las cinematografías regionales. Hay muchas razones, desde las económicas hasta las políticas. De modo que la próxima que vez que leas en Internet uno de esos libelos contra el cine tan de moda hoy en día, y te llame la atención su agresividad, su violencia, su exagerado resentimiento contra un arte que, a fin de cuentas, no es otra cosa que arte y entretenimiento, detente un momento a reflexionar sobre las verdaderas intenciones de su autor. Piensa a quién, en última instancia, beneficia.

La Chispa de la Vida | Trailer

Publicada en

Guernica, adiós a las armas: José Luis Alcaine devela el misterio de la obra de Picasso

Mujer angustiada, en el film y en el cuadro
Mujer angustiada, en el film y en el cuadro

¿Se inspiró Pablo Picasso en una secuencia de la adaptación cinematográfica de Adiós a las armas para crear el Guernica?

Según el veterano director de fotografía José Luis Alcaine probablemente sí. Así lo explica en una entrevista:

Yo había visto Adiós a las armas a finales de los años sesenta, en el cineclub de TV2. Pero fue años después, cuando volví a verla en vídeo en mi casa y salté ante la secuencia de la carretera: ¡era el Guernica!

Mano de moribundo
Mano de moribundo

La secuencia en cuestión narra el éxodo nocturno de varios personajes, entre ellos, el protagonista, por una carretera que es bombardeada.

Empecé a darle vueltas entonces, era el año 2006. En 2007 rodé cinco películas y aparqué la idea. No tenía tiempo para nada. Pero desde entonces solo he trabajado en La piel que habito. Así, pude encontrar el momento para sacar la secuencia fotograma a fotograma y estudiarla.

La secuencia de la carretera es extraña: tiene mucha influencia del cine soviético, con encadenados por todas partes. Es una película de Hollywood con un momento expresionista que nada tiene que ver con el resto del metraje. Un collage que tiene mucho de montaje cinematográfico, de planos y primeros planos.

La madre y el niño
La madre y el niño

La adaptación de la novela antibélica de Ernest Hemingway fue dirigida por Frank Borzage y estrenada en 1932.

El sistema de distribución de entonces hacía que las películas estuvieran hasta seis años en sala. Evidentemente, Picasso la había visto, no solo por su amistad con Hemingway -les presentó Gertrude Stein- sino porque entonces se iba muchísimo al cine, era el gran entretenimiento y también la manera de documentarse ante la realidad. Además, la película fue muy polémica en su día por el final feliz. No se la pudo perder.

Pero, además, el cuadro tiene un claro movimiento de derecha a izquierda, igual que los personajes de la película, siempre en el eje de derecha a izquierda.

Oca, en la película y en la pintura
Oca, en la película y en la pintura

Alcaine desarrolla su hipótesis en un extenso y revelador artículo publicado por la revista Cameraman. Las comparaciones entre los fotogramas de la secuencia y los detalles del cuadro de Picasso resultan casi incontestables, impresionantes. Así mismo, la comparación entre la composición de la obra y la composición de Las Meninas de Velásquez, de donde Picasso habría extraído el inquietante Toro de su cuadro:

Esa figura me hizo saltar una noche de la cama y correr al ordenador, era el último cabo suelto de mi teoría. ¿A quién mira el toro? Nos mira a nosotros. Me desvelé. Puse a su lado Las Meninas y vi la misma mirada de Velázquez. El toro, como han apuntado algunos, jamás podría ser Franco. El toro es un animal noble y el propio Picasso ya se había representado alguna vez a sí mismo como ese animal. Él se pone en el mismo plano que Velázquez en Las Meninas, un cuadro, que como nos ocurre a todos los que estamos obsesionados con las imágenes, también le obsesionaba.

Mujer
Mujer

A continuación, el film completo. Encontrarán la secuencia del exodo y bombardeo nocturno alrededor del minuto 53:50.

Adiós a las armas | Frank Borzage

Vía | El País de España

Publicada en

Extraterrestre, primer trailer de lo nuevo de Nacho Vigalondo

Desde que fuera nominado al Oscar con su cortometraje 7:35 de la mañana, el realizador español Nacho Vigalondo se fue convirtiendo en un cineasta de culto en la red.

Vigalondo, extraterrestre
Vigalondo, extraterrestre
Tres años después terminó de alcanzar ese status con su ópera prima, Los Cronocrímenes, una cinta de ciencia ficción de bajo presupuesto sobre viajes y paradojas temporales, género y temas inusuales en el cine español.

Poco después, cuando aún bregaba con el tema de la distribución de su película, se topó en Youtube con un video viral que mostraba el sobrevuelo de un OVNI sobre alguna isla caribeña. El video, desde luego, era falso pero le dio la idea para su próximo largometraje.

Hoy, finalmente, puede mostrar el primer trailer de Extraterrestre, una cinta que parece combinar la comedia romántica con los encuentros cercanos del tercer tipo.

Extraterrestre | Trailer

Publicada en

Asalto al cine, Angustia, terror en las salas venezolanas

Angustia, de Bigas Luna o el miedo del cinéfilo a perder un ojo (o dos)
Angustia, de Bigas Luna o el miedo del cinéfilo a perder un ojo (o dos)
Aún me cuesta salir del asombro por la coincidencia. Hace apenas semanas estuve conversando con Iria Gómez Concheiro, joven realizadora mexicana, sobre su película Asalto al Cine. En el film, un grupo de jóvenes sin mucho oficio ni ocupación, se dejan arrastrar por la idea ociosa de asaltar un cine.

A Iria se le ocurrió la idea cuando leyó un titular noticioso: Un asalto de película. La noticia hablaba de un asalto colectivo que se había cometido en una sala de cine del D.F. Buena parte de su película es la descripción minuciosa de la elaboración del plan y, posteriormente, su ejecución. El asalto a la sala de cine está rodado con eficiencia, con una planificación tan detallada y exacta como el crimen que cuenta.

Le contaba a la realizadora en esa oportunidad que había escuchado de historias similares en Venezuela. De asaltas a cines. Sobre todo, a salas de cine con accesos y salidas directas a la calle. Pero que nunca había leído nada sobre el particular en los diarios.

Corte a:

Dos semanas después…

La noticia está en todos los diarios venezolanos:

El rumor de los robos efectuados en las salas de cines del país había sido para los criminólogos, hasta hace una semana, una leyenda urbana. La prueba pública y real de la materialización del mito fue el atraco masivo perpetuado en la sala 2 del Cinex del centro comercial Concresa, en el que casi 70 personas fueron despojadas de sus pertenencias.

La leo y no puedo dejar de pensar en la cinta de Gómez Concheiro. En sus cuatro protagonistas. Y en el pavor a la sala oscura que se ha desatado en la capital.

La película de Iria está contada desde el punto de vista del cuarteto protagonista de jóvenes desarraigados, por lo que las simpatías del espectador está con ellos (al menos, las mías, pero la vi cuando lo de los asaltos a los cines sólo era un rumor). No es es caso de otra película que hace de la sala de cine el escenario del terror. Se titula Angustia. Data de 1987 y fue escrita y dirigida por el catalán Bigas Luna.

En Angustia, un enfermero de una clínica oftalmológica, edípico, con ceguera progresiva y aficionado a coleccionar ojos —el terror máximo de todo cinéfilo: perder un ojo, o dos—, es enviado por su posesiva y castradora madre (Zelda Rubinstein, la medium de Poltergeist) a sembrar el terror en una sala de cine. Pero la historia no se detiene allí. Angustia tiene la estructura de un juego de Matrioskas y dentro de la película, hay otra película —acaso más aterradora— que esconde otra película.

Tan laberíntica estructura dramática-narrativa se le ocurrió a Bigas Lunas, según cuenta una nota de El País de España, en una conferencia sobre el cine de Alfred Hithcock, del filósofo Eugenio Trías. A Bigas Luna le había fascinado el análisis del filósofo sobre la tridimensionalidad de la obra de Hitchcock. Muy especialmente de La Ventana Indiscreta:

…que sitúa la mente del espectador en una historia que a su vez descubre otra historia que está ocurriendo en la casa de enfrente. Hitchcock encontró, pues, la profundidad de la pantalla, la tercera dimensión.

El recurso metalingüístico, autoreferencial, tiene un poderoso efecto emocional en el espectador de carne y hueso. Desorientado por lo que parece la imagen multiplicada de dos espejos enfrentados, tranquilamente lo que ocurre en la pantalla podría estar sucediendo en la sala en la que se encuentra. O algo peor. Genial idea la de Bigas Lunas: una película de terror que transcurre en salas de cine idénticas en las que se encuentra los espectadores.

El diario español cita La Antología Crítica del Cine Español, de Andrés Peláez:

Un asesino psicópata acosa a los espectadores de una sala de cine mientras éstos atienden hipnóticamente al fascinante relato que sucede en la pantalla, ajenos al horror que les rodea. Asistimos al entrecruzamiento de miradas, a la multiplicación de los puntos de vista, a la representación del ojo desorientado, a la pérdida de su centralidad según la entendía el clasicismo: la espiral, el vértigo…

Sólo puede uno imaginar lo que se sentiría ver alguna de esas dos cintas en una sala caraqueña en las actuales circunstancias, cuando parece real y cercana posibilidad de que un joven, acaso primo de uno de los protagonistas de Asalto al Cine, te ponga el cañón de su Glock en la sien para despojarte de tu BlackBerry. O cuando bien pudiera suceder que un enfermero enloquecido te saque el ojo de la cara que te queda (porque el primero ya te lo quitaron en la taquilla al pagar la entrada).

Publicada en

Premios Goya 2011, los resultados, los ganadores

Ángeles González-Sinde y Alex de la Iglesia, buenas compañías

Ángeles González-Sinde y Alex de la Iglesia, buenas compañías
Ángeles González-Sinde y Alex de la Iglesia, buenas compañías
Al momento de comenzar escribir esto, vemos en TVE algunas imágenes de la antesala de los premios Goya 2011, acaso una de las ceremonias más controvertidas de la historia de la Academia de Cine española, justo cuando el premio cumple 25 años. La razón tiene nombre y apellido: Ley Sinde, una ley adelantada por el gobierno de Rodríguez Zapatero para combatir la piratería de contenidos en línea. La propuesta de la ministra de cultura española, la actriz y guionista Ángeles González-Sinde ha polarizado la Internet ibérica.

Por el lado de los defensores se alinean las sociedades de gestión de derechos de autor (léase, la odiada y todopoderosa SGAE) y, por carambola, lo que han dado en llamar “los creadores”: músicos y cineastas, principalmente. El lado de los “internautas” agrupa principalmente a usuarios de la red que defienden su derecho a bajarse contenidos de terceros, aglutinados en torno a empresarios de la red, gurús cibernéticos diversos y blogueros prominentes.

La polémica ha tenido dos primeras bajas. En pimero, el presidente mismo de la Academia, Alex de la Iglesia, quien entregará su cargo después de la ceremonia. La segunda, una baja indirecta: el cineasta cantábrico Nacho Vigalondo.

Mientras tanto, fuera del teatro, el capítulo español de Anonymous escenifica una protesta contra la Ley con manifestantes que usan máscaras de Guy Fawkes, su firma. Interrogada a su llegada al teatro sobre qué le diría a los manifestantes, la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde ha declarado que el cine es un esfuerzo colectivo, en el que hay que invertir mucho dinero, que genera muchos puestos de trabajo, y que por esa razón, su difusión en un medio tan importante como Internet, es ineludible.

Aún faltan unos cuantos minutos para que inicie la ceremonia. A medida que se vayan conociendo los premios, iremos actualizando esta entrada.

Y los ganadores del Goya 2011 son…

  • Mejor Actor de Reparto, Karra Elejalde por También la lluvia, de Icíar Bollain.
  • Mejor canción original, Que el soneto nos tome por sorpresa, de Jorge Drexler, de la película Lope.
  • Mejor Música Original, Alberto Iglesias por También la lluvia.
  • Mejor Sonido, Buried, de Rodrigo Cortés.
  • Mejor Cortometraje de Ficción, Una caja de botones, de María Reyes González.
  • Mejor Cortometraje Documental, Memorias de un cine de provincias, de Ramón Margareto.
  • Mejor Largo Documental, Bicicleta, cuchara, manzana, de Carlos Bosch.
  • Mejor Maquillaje y Peluquería, Balada Triste de Trompeta, de Alex de la Iglesia.
  • Actriz Revelación, Marina Comas, Pa Negre.
  • Mejor Dirección Artística, Pa Negre, de Agustí Villaronga.
  • Mejor Diseño de Vestuario, Lope.
  • Mejor Actriz de Reparto, Laia Marull, Pa Negre.
  • Mejor Diseño de Producción, También la Lluvia.
  • Mejor Guión Original, Buried, Chris Sparling.
  • Mejor Guión Adaptado, Pa Negre, Agustí Villaronga.
  • Mejor Dirección Novel, David Pinillos, por Bon Appétit.
  • Mejores Efectos Especiales, Balada Triste de Trompeta.
  • Mejor Dirección de Fotografía, Pa Negre.
  • Mejor Actor, Javier Bardem, por Biutiful.
  • Mejor Cortometraje de Animación, La Bruxa, de Pedro Solís García.
  • Mejor Largometraje Animado, Chico y Rita, de Fernando Trueba.
  • Mejor Montaje, Buried.
  • Goya honorífico, Mario Camus.
  • Mejor Película Europea, El Discurso del Rey, de Tom Hooper.
  • Mejor Película Hispanoamericana, La Vida de los Peces, de Matías Bize.
  • Actor Revelación, Francesc Colomer, por Pa Negre.
  • Mejor Actriz, Nora Navas, por Pa Negre.
  • Mejor dirección, Agustí Villaronga, por Pa Negre.
  • Mejor Película, Pa Negre, de Agustí Villaronga.

Premios Goya 2011 | Discurso de despedida de Alex de la Iglesia

Premios Goya 2011 | El espontáneo

Publicada en

Buried, el poder dramático de la iluminación

Buried
Buried
Buried

En su libro sobre el cine digital, el realizador Mike Figgis (Leaving Las Vegas) afirma que, dado el desarrollo tecnológico de los últimos años, el video digital y los sistemas de postproducción caseros, no tiene sentido seguir haciendo cine de la forma tradicional, que poco o nada a variado desde la década de los 30 del siglo pasado, con grandes equipos de rodaje que, como un ejércitos de ocupación, arrasan todo a su paso.

Más adelante, el también inventor del Fig Rig —imprescindible herramienta para el cine digital, al menos, para mí— al ver gente hablando por celular en una disco particularmente oscura, se pregunta por qué no usar la luz de la pantalla de un teléfono como única fuente de iluminación de alguna escena.

Ryan Reynolds, enterrado
Ryan Reynolds, enterrado
Resulta que ayer vi esa película, después de varios intentos. No es dirigida por Figgis, sino por el español Rodrigo Cortés. Se titula Buried (Enterrado) y está protagonizada por Ryan Reynolds. Traté de ver esta película varias veces y, sencillamente, no aguanté la sensación de claustrofia que transmite desde sus primeros minutos y a lo largo de todo el metraje (como dice jocosamente un amigo mío: es como pagar para saber cómo se debe sentir una resonancia magnética de 90 minutos).

Anoche fue la vencida. Buried describe la angustiosa experiencia (la peor pesadilla para cualquier ser humano) de ser enterrado vivo. En esta caso, de un contratista (el eufemismo para mercenario) estadounidense, secuestrado por insurgentes iraquíes.

Enterrado, de Rodrigo Cortés
Enterrado, de Rodrigo Cortés

El film es todo un reto de dirección y actuación: la cámara acompaña todo el tiempo a Reynolds dentro del ataúd. Son 95 minutos de inmisericorde asfixia.

Filmado en apenas 17 días y con seis ataúdes diferentes (construidos según requerimientos del rodaje), además de una banda sonora prodigiosa, lo que verdaderamente se destaca en Buried es el trabajo de dirección de fotografía

  • Primero, porque como le gustaba a los grandes directores de fotografía del cine, cada fuente de iluminación en Buried está justificada y presente en el encuadre: un encendedor, la pantalla del teléfono celular, una linterna descompuesta, un par de tubos fluorescentes.
  • Segundo, porque todas las fuentes de luz son de diferentes temperaturas: frías, las del teléfono azul y el tubo fluorescente verde; y calientes, las de la vacilante llama del encendedor o la linterna parpadeante.
  • Tercero, porque tanto Cortés como su director de fotografía, Eduard Grau, se valen de la mezclas y los cambios de temperatura de la luz para subrayar los giros dramáticos e la historia. De paso, para imprimirle dinamismo visual a una historia de confinamiento extremo.
  • Cuarto, porque el aprovechamiento dramático no se agota en el mero uso de los cambios en la temperatura de color, sino que las fuentes de luz están usadas dramáticamente: Reynolds no sólo debe ser su propio director de fotografía dentro del ataúd; sino que además debe manipular las fuentes de luz. Y de esta manipulación, surgen también giros dramáticos.

Buried es un buen ejemplo de esa nueva forma de hacer cine por la que aboga Figgis, explotando al máximo los avances técnicos del cine y sacándole todo el provecho dramático posible a la escasez de recursos. Al mismo tiempo, es digno heredero de los grandes filmes de Alfred Hitchcock de una sola locación como Lifeboat, The Rear Window o The Rope.

Buried | Teaser