Las extraordinarias películas caseras de Roddy McDowall

Jane Fonda hace lo imposible por parecer fea… Infructuosamente.

Jane Fonda hace lo imposible por parecer fea… Infructuosamente.

Por cosas como esta, vale la pena bloguear.

Se trata de una colección de películas caseras realizadas por el actor inglés Roddy McDowall en el verano de 1965. Bien expuestas, imagen estable y vibrantes colores, las tomas están plagadas de gente insoportablemente joven, increíblemente guapa: una enloquecedora Natalie Wood, una sexy, pícara y rubia Jane Fonda, la terriblemente bella y dulce Julia Andrews, Paul Newman, quien según David Mamet era el hombre más buenmozo del mundo, Rock Hudson, Lee Remick, Kirk Douglas, Lauren Bacall, Ben Gazzara.

La extraordinaria colección pertenece a los documentalistas Luke Sacher y Carole Langer. Según aseguran en su canal de YouTube, Mcdowall en persona les regaló los materiales.

A continuación añadimos algunos, pero vale la pena que se den una vuelta por el canal de YouTube y vean todos y cada uno de estos clips.

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Vía | The Wow Report

El concepto de realización de Lucas y los cambios a Stars Wars: el encuadre entendido como un lienzo

El "¡nooooo!" de la discordia

El "¡nooooo!" de la discordia

Acaso nada tan devastador para un director que la sensación de punto final, definitivo, que sobreviene al terminar una película.

Si algunos comparan el inicio de rodaje al despegue de un avión de pasajeros, donde pasado cierto punto ya no hay marcha atrás; el punto final es lo más parecido a la muerte del proceso creativo: allí yace la obra, en su lata de aluminio, con todas sus virtudes y defectos y ya no hay nada que hacer, sino resignarse, aceptarlo. Es lo que hay.

Pero con del desarrollo del cine digital, lo que era un punto final ha devenido en punto y seguido. O acaso, una coma. Una pausa en el proceso creativo. Y el visionario George Lucas lo pronosticaba hace casi una década y media.

En una entrevista publicada por Wired en 1997, Lucas describía su particular visión sobre la realización cinematográfica, más cercana a la pintura o la escultura, que al cine:

Es muy difícil planear desde el principio lo que va a suceder al final. Es obvio que la vida real influye, las personalidades, y el proceso de hacerlo secuencialmente te obliga a tomar ciertos tipos de decisiones de una manera determinada. En lugar de hacer la película en una secuencia de línea de montaje, un proceso en el cual una persona hace una cosa y pasa el producto a la siguiente; lo estoy convirtiendo más en el proceso de un pintor o un escultor. Trabajo en la película un rato, doy un paso atrás, miro, añado un detalle más; vuelvo a alejarme, a observar y después añado otro poco. Es, básicamente, ir creando por capas. Realizar un film por capas significa escribir, dirigir y editar al mismo tiempo. Es mucho más parecido al proceso de escribir una historia.

Puede que esta forma de realización le haya llevado a retocar una y otra vez su saga de La Guerra de las Galaxias, para exasperación de miles de fanáticos en el camino, como acaba de ocurrir con la edición en Blu Ray de la serie.

Como un pintor insatisfecho, son incontables los cambios que Lucas ha introducido en su obra, desde el disparo de Han Solo al más reciente “¡nooooooo!” de El Retorno del Jedi:

Un duelo políticamente correcto, Greedo dispara primero

Un duelo políticamente correcto, Greedo dispara primero

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Ni Yoda se ha salvado de las revisiones: en la edición en Blu Ray, el títere de Frank Oz ha sido reemplazado por un personaje digital.

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En The Secret History of Star Wars, Michael Kaminski ha escrito una pormenorizada crónica del proceso de creación y expansión interminable del universo creativo de George Lucas. Su sitio en la red también reboza de información sobre los cambios y retoques.

Para tener una somera idea del proceso de transformación de la serie, The Geek Twins han realizado una infografía que recoge los cambios más importantes y evidentes:

Línea temporal con los cambios a Stars Wars

Línea temporal con los cambios a Stars Wars

Cambios y polémicas aparte, el estreno de la serie en Blu Ray es una excelente noticia para sus fanáticos. A continuación, un corto, pero extraordinario, corto promocional:

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Paradise Lost, los “Tres de West Memphis” recuperan su libertad

Paradise Lost: paraíso recuperado
Paradise Lost: paraíso recuperado

Semanas atrás, Jeissy Trompiz, me habló acerca de Paradise Lost, un documental sobre el espantoso asesinato de tres niños de 8 años y la condena, probablemente injusta, de tres jóvenes aficionados a vestir de negro, escuchar a Metallica, estudiar sobre el ocultismo y leer a Stephen King. Los sucesos había tenido lugar en 1993, en West Memphis, Arkansas, una comunidad ultra religiosa y conservadora.

A mí me sonaba el trabajo, pero no estaba seguro de qué me hablaba, hasta el viernes vi que Paradise Lost encabezaba la lista de lo más buscado del día en Google.

Una inspección posterior me permitió descubrir el por qué: ese día, después de 18 años de prisión, Jason Baldwin, Damien Echols y Jessie Misskelly, los acusados, habían sido liberados gracias a un tecnicismo legal que pone a salvo a sus acusadores de cualquier demanda civil.

Paradise Lost: The Child Murders at Robin Hood Hills, estrenado en 1996, el primer documental de Joe Berliner y Bruce Sinofsky tenía en un principio diferentes motivaciones. Los realizadores le habían hecho llegar a Sheila Nevins, ejecutiva de HBO, una artículo sobre el caso con la intención de animar a la cadena a producir un documental sobre la juventud descarriada.

Berliner y Sinofsky lo explican en una entrevista con Deadline Hollywood:

Basándonos en el artículo, queríamos contar una historia de jóvenes descontentos. ¿Cómo podían existir jóvenes tan viles capaces de hacerle una cosa así a tres inocentes criaturas. Luego nos reunimos con Damián y vimos lo que estaba pasando.

Rápidamente nos dimos cuenta de que estábamos en medio de un caso increíble de justicia mal aplicada. Era una mezcla letal. La prensa local encontró que era mucho más fácil contar una historia de sectas satánicas y adoración al diablo que hacer periodismo duro, y en una parte del país dominada a golpes de Biblia, los fiscales pintaron un cuadro de pánico satánico. Esto llevó a la condena.

También ayudó mucho la personalidad, arrogante y narcisista, del joven Damien Echols, señalado de ser el principal sospechoso.

Damien de alguna manera era su peor enemigo. Era una especie de un adolescente narcisista que disfrutaba de la atención, porque no creía que fuera posible que pudiera ser condenado.

Él era un extraño que hubiera sido normal en Nueva York o Los Ángeles, pero en esta comunidad religiosa fundamentalista, vestirse de negro y escuchando heavy metal lo convirtió en un bicho raro. Era en realidad un niño súper inteligente que bailaba una melodía diferente y se internó en un camino equivocado.

A pesar de todo, el estreno del filme, que recoge en detalle las incidencias de un juicio que parece plagado de irregularidades, llamó la atención internacional.

La película recibió críticas entusiastas, pero nunca saltó de la página de entretenimiento a la editorial. Pero eso fue justo cuando el Internet se comenzó a utilizar como una herramienta primitiva medios de comunicación social, y surgió un movimiento internacional de apoyo.

Eddie Vedder, vocalista de Pearl Jam, el actor Johnny Depp y Natalie Maines, de Dixie Chicks, pronto se unieron a la causa. Metallica había accedido a prestar su música para la película. Más tarde también se involucrarían el realizador neozelandés Peter Jackson y su esposa y productora Fran Walsh.

La razón por la que la gente como Vedder y Depp prestaron su apoyo a Damien, y la razón por la que Metallica nos prestó su música para la película fue que ellos también se sintieron como los monstruos, los forasteros, los raros en la escuela secundaria.

No obstante, la película no arrojó los resultados esperados.

La idea de que en las circunstancias adecuada cualquier persona de este tipo pueda ser ser condenada a muerte es sencillamente terrible. No hay excusa para lo que sucedió en este caso.

Cuando alguien recibe una condena a muerte, tiene que estar más allá de toda duda razonable. Este era un caso débil. Pensamos que la primera película iba a cambiar las cosas, y luego hicimos una segunda, seguros de que haría estallar el caso. Sin embargo, las ruedas de la justicia se movían despacio, mientras que estos chicos se pudrían en la cárcel.

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El segundo documental, Paradise Lost: Revelations, filmando entre 1998 y 1999, se enfrentó a un obstáculo singular: el éxito de la primera cinta. A los realizadores se les vetó el acceso a la sala del tribunal de apelaciones, a pesar de que su documental se convirtió en una herramienta de la defensa, los abogados de ambos lados evitaron dar declaraciones y los familiares de las víctimas se negaron a aparecer en cámara.

Todos excepto uno: John Mark Byers, padrastro del niño Christopher, una de las víctimas.

Byers prácticamente se roba el film. Fundamentalista cristiano, es al mismo tiempo dueño de un carácter explosivo, violento. Gárrulo y perturbado, mitómano consumado, se pasea por el film repartiendo amenazas de muerte contra los jóvenes condenados. Pero su comportamiento es tan errático e histriónico que al final termina despertando sospechas.

Curiosamente, el viernes mostró su apoyo a los jóvenes ante los medios presentes en el tribunal.

Ellos son inocentes, ellos no mataron a mi hijo.

Los llamados “Tres de West Memphis” salieron en libertad cuando se examinaron nuevamente evidencias de DNA y los resultados probaron que no había nada que ligara a los acusados con la escena el crimen. Todo lo contrario, el DNA parece apuntar a Terry Hobbs, padrastro de otra de las víctimas y a un amigo suyo. La policía no había considerado a Hobbs como sospechoso.

Pero los jóvenes han tenido que acogerse a una argucia legal que los obligaba a declararse culpables para salir en libertad. De esto modo, el caso se cierra.

El desenlace llega 16 años después del estreno del primer film y a sólo un mes de la premiere de la tercera parte, Paradise Lost: Purgatory, en el venidero festival de Toronto. Berliner y Sinofsky se encuentra ahora corriendo para incluir el nuevo final en su tercera película.

Siempre lamenté el hecho de tener que seguir haciendo secuelas de esta horrible historia de la vida real. Tenemos el tiempo justo para incluir lo que ocurre en el final de la película, y es increíble es la sensación de saber tu trabajo tuvo impacto. Pensamos que lo correcto es detener la serie aquí.

No queremos que suene arrogante, como si nosotros mismos nos diéramos palmaditas en la espalda. Este es el resultado de la ayuda de mucha gente. Pero Damien dice en El paraíso perdido 3, que literalmente habría muerto si no fuera por estas películas. Agotados sus recursos, nadie iba a venir a su defensa y no habría habido fondos para investigar las nuevas pruebas que ayudaron a retrasar su pena de muerte.

Bruce y yo nos sentimos agradecidos de haber servido de guardianes de una historia que tenía que ser contada. Pero también creemos que el cine mantiene con vida a estos muchachos, junto a gente como Vedder y Depp.

No todo el mundo, desde luego está contento con el resultado. Uno de ellos es Steve Branch, padre de una de las víctimas:

Con algunas estrellas de cine, y con un poco más de dinero, cualquiera que haya matado a alguien puede salir libre.

Y Hollywood parece haber tomado nota y no ha perdido tiempo para anunciar un proyecto de ficción basado en el caso y que sería dirigido por Atom Egoyan.

Paradise Lost: Purgatory | Teaser

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VíaIndieWireStudio Daily

Pearl Jam XX, trailer del documental de Cameron Crowe sobre la banda

PJ celebra 20 años de existencia con un documental

PJ celebra 20 años de existencia con un documental

¿Ya vieron el trailer de Pearl Jam XX, el documental de Cameron Crowe?

Pearl Jam XX es la crónica de los años previos a la formación de la banda, el caos que se originó poco después de su ascenso al estrellato, su paso hacia atrás del centro del escenario, y la creación de un círculo de confianza que le rodea y sustenta su cultura por el trabajo. Contado a través de grandes temas musicales, vivos colores y sonido impactante, la película está realizada con más de 1.200 horas de raras grabaciones e imágenes nunca vistas. Pearl Jam XX es el retrato definitivo de Pearl Jam: parte película de concierto, parte testimonial con información de primera mano y testimonio de la fuerzas musical sin concesiones de los artistas.

Peal Jam XX | Trailer

Nicanor O’Donell, el antihéroe cubano de Eduardo del Llano, sale de escena en el hilarante cortometraje “Exit”

Exit, cómico retrato del dolor del artista cubano

Exit, cómico retrato del dolor del artista cubano

Ya hemos hablado aquí en BlogaCine del trabajo independiente de Eduardo del Llano y de su personaje-fetiche, Nicanor O’Donell. Para quienes llegan tarde, Eduardo del Llano es un escritor, humorista, director de teatro y de cine cubano que se dio a conocer en el resto del mundo gracias a sus cortometrajes protagonizador por O’Donell. Suerte de antihéroe, Nicanor es el cubano común y corriente que de repente se ve devorado por los absurdos cotidianos propios de la realidad revolucionaria y burocrática de la isla.

Aunque el personaje data de finales de los años 80 —supe de su existencia cuando yo estudiaba en la EICTV, en pleno Periodo Especial—, adquirió fama mundial cuando el cortometraje Monte Rouge, el primero de la saga, se difundió en la red. Dentro de Cuba, el trabajo ya circulaba en pen drives, discos duros portátiles, y DVDs y CDs quemados. Y los siguientes cortometrajes tomarían idéntica ruta de distribución. Gracias al desarrollo y abaratamiento de las herramientas de producción digital, Eduardo del Llano y su grupo producirían nueve cortos más. El último, el que pone fin a la saga, se titula Exit, y pueden verlo al final de estas líneas.

Si en Monte Rouge del Llano enfilaba su humor corrosivo contra los “segurosos” de la Isla; y en Brainstorm, contra el periodismo complaciente; en Exit todo el vitriolo se dirige hacia los propios artistas cubanos y, desde luego, hacia los artistas extranjeros que no dudan en alabar realidades tercermundistas que jamás permitirían en sus países desarrollados. Del Llano, a través de O’Donell, le pega duro y fuerte a la necesidad de figuración de sus colegas y a la falta de escrúpulos de los artistas europeos a la hora de explotarla. Creo que es uno de los trabajos más ácidos y despiadados de Eduardo del Llano. También, uno de los más profundos pues indaga en los límites éticos del arte.

Y es que en Exit, Nicanor es contratado por un artista francés interesado en retratar el dolor de los artistas cubanos. Su trabajo consistirá en partirle la cara a puñetazos a los artistas. Pero será muy bien remunerado: cinco euros por artista. Al final, nada más y nada menos que quinientos euros. Lo suficiente para calmar el apetito insaciable de su mujer.

Claro, también es quizás el corto más gracioso. La secuencia final, la del pintor primitivo interpretado por el pana Osvaldo Doimeadiós, uno de los mejores comediantes y actores cubanos, literalmente me hizo escupir el café contra el monitor. Exit está protagonizado por Luis Alberto García, Enrique Molina, Néstor Jiménez, y las encantadoras Annia Bú y Miriel Cejas.

Una última cosa: Exit, definitivamente, no es seguro para la oficina (NSFW). Que no haya menores de edad a tu alrededor cuando lo vayas a ver. Hay palabras y frases que se les grabarán en sus tiernas e impresionables mentes de forma inmediata e indeleble y que sólo saldrán a relucir en sus boquitas cuando haya extraños a tu alrededor.

Exit | Ver

Cortometraje “Hoy no se hace pastel de chucho” se exhibe en cines venezolanos

Corto conservacionista llega a los cines de Venezuela

Corto conservacionista llega a los cines de Venezuela

Ha sido una semana bastante ajetreada. Y por los vientos que soplan, la que recién se inicia, lo será aún más (así que, Wilssa, no te vayas todavía). La producción del documental en el que estamos enfrascados entró en unos cuantos días complicados. En medio del rodaje, llegó la noticia de la preselección de Tres Bellezas para su financiamiento por el CNAC (les debo el enlace a la noticia, pues parece que ha sido hackeada).

Entre tanto, a las salas de cine de venezuela, ha llegado el cortometraje criollo Hoy no se hace pastel de chucho, pequeño film animado, de corte ecologista, dirigido por Braulio Rodríguez y producido por Hekura Films.

Dice la nota de prensa:

El Chucho, una mantarraya propia del oriente venezolano y famosa por el plato típico de esta región, saltará de los mares a la gran pantalla en estas vacaciones, para ser el protagonista junto a un pescador llamado Félix del cortometraje animado “Hoy no se hace pastel de Chucho”, de Braulio Rodríguez.

Bajo la producción de Hekura Films en conjunto a la casa post-productora Chaguaramo, “Hoy no se hace pastel de Chucho”, cuenta la historia de un pescador que al encontrarse con la mantarraya trata de capturarla, emprendiendo una persecución que se ve frustrada dramáticamente. Esta animación nace de la necesidad de hacer un llamado conservacionista a la población de cómo la contaminación afecta el equilibrio de las especies y ecosistemas marinos, y por ende, de los paisajes de nuestras costas venezolanas.

La banda sonora a cargo de Taurus Studio y la música compuesta por Alonso Toro, brindan una mágica conexión con las raíces autóctonas de la región.

Comenta Braulio Rodríguez acerca de la producción de la película:

El proceso de hacer una película animada es muy complejo. Es por ello, que decidimos hacer un producto de calidad pero de corta duración, centrándonos en una buena historia que contar. Esto, además, nos da la libertad de continuar la serie de Félix y Chucho, en un corto plazo.

“Hoy no se hace pastel de Chucho” fue seleccionado por el Short Films Corner del Festival de Cannes 2011. Igualmente, recién ha sido seleccionado para el Festival de Montreal. En alianza con Fox, está siendo proyectado en las salas de cine del país como preámbulo a la película X-Men, First Class.

Aardman bate record con Gulp: la animación cuadro a cuadro más grande del mundo (realizada con teléfono N8 de Nokia)

Gulp, animación "bigger than life"

Gulp, animación "bigger than life"

La gente de Aardman, responsables de las animaciones cuadro a cuadro más populares de las últimas dos décadas —Wallace and Gromit, Chicken Run— acaban de hacer un impresionante cortometraje animado: con tres teléfonos Nokia N8 montados en una inmensa grúa han registrado la animación creada sobre la arena de una playa.

Nada más la superficie de la animación ocupa poco más de un kilómetro cuadrado. Lo mejor de todo es que han incluido el mar como parte de la animación.

Uno no advierte la envergadura de todo el asunto hasta que descubre que el personaje principal, el pescador, es en realidad un actor de carne y hueso. No creo que exista otro lugar en el mundo tan divertido para trabajar como Aardman.

Gulp | Cortometraje

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Gulp | Detrás de cámaras

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La captura de movimiento en Rise of the Planet of the Apes

Serkis en la piel de César

Serkis en la piel de César

La técnica del Motion Capture [captura de movimiento] es el nuevo coco de cierta crítica cinematográfica antediluviana, troglodita, tecnofóbica, cuyos principales representantes ven ella el comienzo del fin del cine tal y como lo conocemos.

En realidad, el Motion Capture se viene usando profusamente en el cine contemporáneo, como una refinada técnica de animación. Últimamente ha sido usada en la trilogía de El Señor de los Anillos y King Kong (la neozelandesa Weta, con Peter Jackson al frente, es pionera en el campo) y, desde luego, Avatar. Por no mencionar algunos otros usos no tan evidentes, como en The Curious Case of Benjamin Button o The Social Network.

El ejemplo más reciente y notorio del uso de la técnica es Rise of the Planet of the Apes, de Rupert Wyatt. Protagonizada por James Franco y James Lithgow, el film es una crónica de la rebelión de los simios que se origina cuando una experimento para buscar la cura del Alzheimer se sale de control. En el siguiente video, Andy Serkis, famoso por su interpretación —vía motion capture— de Golum y el simio Kong, habla de su trabajo al encarnar a Cesar, el chimpacé líder de la revolución simiesca.

Who’s afraid of Mr. Greedy, una joyita de la animación

Who's afraid of Mr. Greedy

Who's afraid of Mr. Greedy

Gobelins, l’école de l’image, es una de las escuelas de animación más prestigiosas de Europa. Y acaso del mundo.

De allí salen verdaderas joyas de la animación. Sí, como Las Trillizas —no la Tripletas, ¿hasta cuándo le cambian el nombre?— de Belleville.

O como el corto que aquí les mostramos, Who’s afraid of Mr. Greedy. Tesis de grado de Simon Boucachard, Jean Baptiste Cumont, Sylvain Fabre, Guillaume Fesquet, Adeline Grange, Maxime Mary y Julien Rossire, se adentra en terrenos surrealistas y expresionistas para contarnos una historia absurda, salpicada de humor negro. Negrísimo.

Aplicados los muchachos, debieron sacar muy buenas notas.

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Sin Ti Contigo, documental ganador del premio Feisal en Guadalajara, se exhibe esta noche

Sin Ti Contigo, de Tuki Jencquel

Sin Ti Contigo, de Tuki Jencquel

Hoy martes 19 de julio (de 2011), a las 8:00pm, en el Trasnocho Cultural, se presentará el documental Sin Ti Contigo, de “Tuki” Jencquel. Ganador del premio Feisal en el último Festival Internacional de Cine de Guadalajara, el documental explora la relación entre Bernard Chappard y su hija Daniela, fotógrafa desaparecida por complicaciones relacionadas con el SIDA. La función será a beneficio de la Fundación Chappard, dedicada a la labor de crear conciencia en torno a la enfermedad.

“Sin Ti Contigo” es un mediometraje documental en el que Bernard Chappard, un excéntrico francés de 80 años, conversa con su hija Daniela, que murió a causa de sida en 1996.

Es una confesión de lo que realmente fue la relación con su hija, de los sentimientos y pensamientos que tuvo durante los años que estuvo enferma y de cómo la muerte de Daniela cambia su vida para siempre, de su nueva vida.

“Sin Ti Contigo” es el reencuentro de un padre rebelde con su hija fallecida. Un reencuentro que comienza con la muerte, pero termina con la vida.

Bernard Chappard y Daniela

Bernard Chappard y Daniela

Según Jencquel, también es una historia sobre el sentimiento de culpa:

Es un sentimiento que puede mover muchas cosas y que sirve de hilo conductor en esta película, el cual toca temas como la paternidad, el sida y la responsabilidad.

Jencquel estudió cine en la universidad de Nueva York y luego trabaja como 1er asistente de dirección para reconocidos directores de comerciales en Londres, Paris y Hamburgo. Director de dos cortometrajes, “Ayer Empieza Mañana” ( Premio del Jurado San Juan Cinemafest, Mejor Guión Premios Municipales de Caracas) y “Sed en los Pies” (estrenado en el Festival de Cannes, Mejor Guión, Mejor Dirección, Mejor Actor, Mejor Fotografía, y Mejor Corto de Ficción en los Premios Municipales de Caracas).

Trabajó como 1er asistente de dirección en “Secrets of The Tribe”, un largometraje documental de José Padilla (director de “Tropa de Elite”) En Venezuela dirige comerciales y se gana el Gran Prix de la Asociación Nacional de Anunciantes (Premios Anda 2007) con un comercial Unicef “Pelota”. Actualmente vuelve con su primer documental “Sin Ti Contigo” una producción cargada de sentimientos y emociones.

Bernard Chappard

Bernard Chappard

Sin Ti Contigo | Ficha Técnica

  • Dirección: Tuki Jencquel
  • Producción Ejecutiva: Braulio Rodríguez, Vanessa Foucault
  • Producción: Vanessa Foucault, Carolina Gil
  • Edición: Guillermo Sebastiani
  • Música: Musical Vox – Alejandro Turola
  • Banda Sonora: Antonio Garrido
  • Animación de Títulos y Fotos: Pablo Iranzo
  • Corrección de color: Eyeletmy “Yeye” Rodríguez

Beta SP – NTSC – Color – 4:3. Duración: 43 mins. Venezuela, 2010

Proyecto Nim, los primeros seis minutos

Project Nim, de James Marsch

Project Nim, de James Marsch

Ciertamente, los 70′s fueron años de experimentos locos. Por ejemplo, el Experimento Stanford. O el Experimento Milgram.

Pero acaso, ninguno tan polémico como el Proyecto Nim. Llevado a cabo por un grupo de estudiosos de la Universidad de Columbia, liderado por el psicólogo Herbert S. Terrace, la idea era refutar la tesis del lingüista Noam Chomsky de que el lenguaje era inherente y exclusivo de los seres humanos. Terrace y sus colaboradores pensaban que, si humanos y simios tenían en común un 98 por ciento de sus características genéticas, un simio criado y educado en un ambiente humano, podría llegar a aprender a comunicarse a través de un lenguaje.

Para probarlo, adoptaron y criaron un chimpancé al que jocosamente bautizaron Nim Chimpsky, una indirecta a Chomsky.

Casi cuatro décadas después, James Marsh, realizador de Man on Wire, recupera el caso para crear una de los mejores documentales, cuando no de las mejores películas, del año: Project Nim, un recuento sobre el experimento y una reflexión sobre la condición humana y animal. Estrenada el pasado fin de semana en los Estados Unidos, aquí les presentamos un clip con sus primeros seis minutos y el trailer.

Project Nim | Clip

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Project Nim | Trailer

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Plot Device, inteligente mercadeo

Plot Device, de Seth Worley

Plot Device, de Seth Worley

Tal vez les suene de algo el nombre de Red Giant. Sí, es la compañía que desarrolla alguno de los plugins que les han sacado las patas del barro más de una vez en estos últimos años: Trapcode, Magic Bullet, Colorista, etc.

Si la conocen bien, entonces sabrán que que Red Giant ha logrado crear a su alrededor una comunidad de entusiastas cineastas independientes, fervientes creyentes y practicantes del cine de bajo presupuesto y las nuevas tecnologías. Acaso uno de los responsables de este fenómeno sea su director creativo, Stu Maschwitz, famoso por ser el autor de The DV Rebel’s Guide, Biblia del cine digital que ya hemos reseñado en estas páginas, o por ser el autor del diseño del Captain Stubling, de RedRockMicro, imprescindible estabilizados para cámaras DSLR.

Resulta que Red Giant acaba de dar a conocer la más reciente versión de su ineludible Magic Bullet Suite. Y para promocionarla han realizado un cortometraje a manera de demo, Plot Device. Lo interesante es que a pesar de ser básicamente una pieza de promoción, publicitaria —puro branding— está concebida y realizada bajo los parámetros de cine de bajo presupuesto que promueve la compañía: con pocos recursos, nada de dinero y con un intenso y creativo uso de las nuevas tecnologías.

Lo que más me llama la atención es la original manera de mostrar, o demostrar, su producto: partiendo de una premisa que sirve de justificación dramática y narrativa. Una perfecta fusión entre promoción, demostración y narración. Valga aclarar que el Magic Bullet es un plugin para sistemas de postproducción, para la corrección de color. Viene con varias configuraciones predeterminadas, para imitar el estilo de varias películas, géneros o directores de fotografía. Desde los colores lavados de una película de Zombies de los 70′s, hasta el look frío y contrastado de una de ciencia ficción reciente, pasando por el policial, las cintas románticas o el blanco y negro clásico.

¿Mi parte preferida del corto? La trama “Wes Anderson”. El detrás de cámaras no es menos interesante. También recomendamos visitar algunos de los videos promocionales de su canal en Vimeo.

Plot Device | Cortometraje


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Plot Device | Detrás de cámaras

Isla de las Flores, de Jorge Furtado, uno de los mejores cortos documentales de la historia

Ilha das Flores, de Jorge Furtado

Ilha das Flores, de Jorge Furtado

Primero fue una documentalista chilena en Morelia.

Días después de mi pitch inicial, me contó que la estructura de mi presentación de alguna manera entraba en contradicción con mi propuesta de realización del documental. En un principio, la estructura narrativa del documental que yo había pichado le recordaba a La isla de las flores, “donde una cosa llevaba a la otra”. Yo no tenía idea de qué me estaba hablando. A ella le extrañó que yo no conociera el corto. Le extrañó mucho. Al parecer, era un corto documental muy, muy, muy famoso. Me recomendó verlo.

Pasó el tiempo. No volví a comunicarme con la documentalista chilena. Olvidé el título del documental que me recomendó. Supuse que se trataba de un documental chileno. Hace algunas semanas, en Fortaleza, camino de regreso al hotel después de las proyecciones, el nombre de Jorge Furtado saltó en una conversación entre Unai Guerra, curador de la muestra de cine vasco que se exhibía en Cine Ceará, y Jon, documentalista vasco. Jon no conocía a Furtado. Yo sabía que era el director de uno de los cortos de la serie South, de The Channel 4. Yo había producido y dirigido Sólo Nosotros y los Dinosaurios para la misma serie. Guerra explicó que Furtado había realizado uno de los mejores documentales de la historia: Ilha das Flores.

Días después, Valéria Dallegrave, periodista y bloguera brasileña, me hizo llegar el enlace al corto, publicado en Youtube.

¿Y saben qué? Tienen razón: es uno de los mejores cortos documentales de la historia del cine, no ya brasileño, sino mundial.

Lo que en principio no es más que la historia de un tomate, desde su origen en una plantación hasta el basurero, por obra y gracia del humor negro, poco a poco se transforma en una cruel y profunda reflexión sobre la condición humana. De la miseria humana, acaso sea más apropiado decir.

Isla de las Flores ganó el Oso de Plata en Berlín, fue elegido el corto del año 90 en Brasil y en 1995, fue incluido por la crítica francesa en la lista de los 100 cortometrajes más importantes del cine. Es el trabajo de un genio, sin lugar a dudas. La verdad es que si alguno de mis trabajos llegara a tener al menos el 1% de la genialidad de este corto, podría bajar tranquilo al sepulcro.

Ilha das Flores | Subtitulad al español

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Morgan Spurlock contra el “product placement”

Spurlock o el emplazamiento de productos

Spurlock o el emplazamiento de productos

Aunque la verdad, ya no estoy muy seguro de si en realidad es a favor.

Me explico. Spurlock ha creado un documental sobre sus intentos de realizar un film sobre el product placement (emplazamiento de productos), la publicidad y el mercadeo en el cine y la televisión. Pero el documental es, en sí mismo, un largo product placement, financiado a punta de product placement y publicidad dentro del film. ¿Se entiende?

Como hizo en Super Size Me, aquel documental donde se hartó de comida chatarra de McDonald’s hasta que, como dice un amigo, “le salieron tetas”, en esta ocasión también ha hecho de sí mismo un conejillo de Indias. En POM Wonderful Presents: The Greatest Movie Ever Sold, se transforma en una especie de publicidad viviente o valla ambulante, para promocionar los productos que financian su película.

Él lo explica mejor que yo en el trailer:

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(Nota: me da la impresión de que además este documental va a ser una clase de pitching de principio a fin…)

Cuenta Spurlock a New York Magazine cuál fue el origen de la idea de su nuevo documental:

Mi inspiración vino de un episodio de Héroes, donde Hayden Panettiere, viene saliendo de su escuela y viene su padre y le dice algo como “cariño, tu mamá y yo estamos muy orgullosos de ti. Tengo algo para ti. Y se mete la mano en el bolsillo. Y la cámara hace un dolly y pasa por el logotipo de Nissan, y luego corte al padre que pone las llaves frente a su cara. La cámara hace foco y ella está como “¡Oh dios mío! ¡Es el Rogue! ¡El Nissan Rogue! No puedo creer que sea el Rogue”.

Yo estaba estupefacto. Asombrado de que eso acabara de suceder. Al día siguiente, aún en shock por lo que había visto, entré a la oficina y empecé a hablar con Jeremy Chilnick, mi compañero de escritura, al respecto. Comenzamos a hablar de todos los terribles emplazamientos de productos que habíamos visto en películas y programas de televisión y todo eso…

En la misma entrevista, Spurlock menciona una de los más horribles emplazamientos de productos de la historia del cine: Mac and me, aquella espantosa E.T. en versión McDonald’s.

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También recuerda You’ve got mail! con Tom Hanks:

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Aunque creo que esa cinta no tiene punto de comparación con otra película de Hanks en cuanto a emplazamientos publicitarios de productos: Náufrago. Aquí, una parodia:

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Últimamente, uno de los peores ejemplos de emplazamientos de productos es el de Love and others drugs. Días atrás lo comentábamos en nuestra sección radial:
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No me queda más que preguntar: ¿cuáles son sus emplazamientos de productos favoritos… O los más detestados?

Los Últimos Cangaceiros, en colores [Cine Ceará 2011]

Moreno y Durvinha, los últimos cançeiros

Moreno y Durvinha, los últimos cançeiros

Puede que alguno de ustedes hayan tenido la misma reacción que yo al ver la fotografía de Moreno y Durvinha que encabeza estas páginas. Yo, prácticamente, quedé pasmado por el color de los últimos cangaceiros. Y es que hasta entonces, en mi memoria visual, todos los cangaceiros eran en blanco y negro. La imagen pertenece al documental del brasileño Wolney de Oliveira, Os Ultimos Cangaceiros.

Durvinha y Moreno ocultaron por más de medio siglo su verdadera identidad hasta de los propios hijos, que crecieron pensando que sus padres se llamaban Jovina Maria da Conceição y José Antonio Souto, nombres falsos sobre los cuales habían reconstruido sus vidas. Ellos formaron parte del grupo de cangaceiros de Lampião, el más famoso y controvertido líder del cangaceirismo. La verdad sólo fue revelada cuando Moreno, con 95 años, decidió compartir con los hijos el peso de los recuerdos y reencontrar parientes vivos, entre ellos su primer hijo.

Capa y sombrero, Antonio das Mortes, matador de Cangaceiros, de Deus y o Diabo na Terra do sol

Capa y sombrero, Antonio das Mortes, matador de Cangaceiros, de Deus y o Diabo na Terra do sol

El “Capitán” Virgulino Ferreira da Silva, Lampião, “rei do cangaço”, fue el más célebre de los cangaceiros que asolaron la caatinga nordestina de principios del siglo pasado. Una época y una región asombrosas, en la que los cangaceiros, demonizados por la prensa como bandoleros despiadados pero idolatrados por el pueblo como benefactores de los pobres, católicos a ultranza y aficionados al buen perfume, a la música y al buen vestir, convivían en eterno conflicto con “coroneles” latifundistas, milagreiros alucinados tipo Antônio Conselheiro, el tristemente célebre protagonista de La Guerra de Canudos (ver La Guerra del Fin del Mundo, de Mario Vargas Llosa), matadores de cangaceiros, sanguinarios y corruptos cuerpos policiales y poetas de cordel, como retratara con no menos alucinamiento Glauber Rocha en su opus magna, Deus e o Diabo na Terra do Sol.

El libanés Benjamin Abrahão, quien emulando a Grierson y a Flaherty, convivió durante meses en el inhóspito sertão con los cangaceiros de Lampião, recogiendo su cotidianidad y hazañas con una cámara Nizo Kiamo de cuerda, escribió con admiración:

Es una belleza ese bando de Lampião, su independencia de acción tiene la nobleza de los grandes guerreros. No son asalariados del crimen. Matar, para ellos, es una cuestión de honra, en esta tierra de injusticias

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….

Luego de estrenar su documental, en el clímax de la represión gubernamental contra el cangaço, Abrahão moría en misteriosas circunstancias de 42 puñaladas. Su documental sería incautado por la policía y gran parte se perdería para siempre por culpa de la humedad en algún archivo policial. Dos meses después del asesinato del documentalista, en una emboscada caerían Lampião, su compañera Maria Bonita y sus cangaceiros más cercanos. Sus cuerpos fueron decapitados y sus cabezas exhibidas en un altar de horrores a manera de escarmiento.

El suceso sería inmortalizado en una imagen que sintetiza todo el horror y la violencia de la época, conocida popularmente como Cabeças Cortadas:

Altar de Lampião: abajo en el centro, el famoso "rei do cangaço"; arriba, su mujer, María Bonita

Altar de Lampião: abajo en el centro, el famoso "rei do cangaço"; arriba, su mujer, María Bonita

De manera oficial, el cangaceirismo acabaría con la muerte de Corisco, cabra de confianza de Limpião emboscado por la policia, y el apresamiento de su mujer, Dadá, en 1940. Muchos cangaceiros, calladamente depusieron sus armas, abandonaron sus grupos y se internaron en la inmensidad del árido sertão. Unos pocos lograrían reconstruir sus vidas bajo nuevas identidades. Dadá, la mujer de Corisco, fallecería en 1994. A pesar de la insistencia de periodistas y estudiosos del fenómeno, nunca develó sus secretos, zajando toda discusión con una frase lapidaria:

A gente não cospe no prato de quem nos deu comida…

El cine se encargaría entonces de mantener viva la memoria del cangaceirismo. El film O Cangaceiro, de Lima Barreto, ganador del premio a la mejor película de aventuras en el Festival de Cannes de 1953, contribuiría a poner en el panorama cinematográfico internacional al cine brasileño.

Corisco (Othon Bastos), cangaceiro icónico de Deus e o Diabo na Terra do Sol

Corisco (Othon Bastos), cangaceiro icónico de Deus e o Diabo na Terra do Sol

Al mismo tiempo, cimentaría un particular género cinematográfico local: el Nordestern, suerte de western a la brasileña. No obstante, sería el cineasta bahiano Glauber Rocha el encargado de fijar en el inconsciente colectivo cinematográfico mundial la poderosa imagen en blanco y negro del cangaceiro Corisco, interpretado memorablemente por Othon Bastos, en Deus e o Diabo na Terra do Sol. Realizada con paupérrimos recursos —recuerden la particular filosofía cinematográfica del bahiano: “una cámara en la mano, una idea en la cabeza”—, el film se valió de las convenciones del nordestern para subvertir el subgénero y sentar las bases de la llamada La estética del hambre, uno de los fundamentos del Cinema Novo.

Los hoy casi centenarios Durvinha y Moreno, protagonistas del documental Os Ultimos Cagaceiros, son dos de los sobrevivientes —acaso los últimos— del legendario movimiento de insurrectos. El documental será exhibido en función especial en la próxima e inminente edición 2011 del Festival de Cine Ceará. Dios mediante, BlogaCine estará allí, en Fortaleza, Brasil, para contar las incidencias del evento como hace dos años, en vivo, en directo y en tiempo real, a través de nuestra página, nuestro Twitter y Facebook.

Mientras tanto, pueden revisar la página de festival, que se actualiza a diario con información fresca.

Lampião, se busca

Lampião, se busca

Postdata: Aunque estoy seguro de haber visto O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro (Antonio das Mortes), el siguiente acercamiento de Rocha al tema, no recuerdo ni uno solo de sus fotogramas en color. Puede que sea la fuerza de las imágenes de Deus e o Diabo…, o cabe la posibilidad de que igualmente la haya visto en blanco y negro: en Cuba, por cuestiones del bloqueo, muchas cintas extranjeras, en colores, solían exhibidas en copias en blanco y negro no autorizadas, realizadas apresuradamente en los días del festival de cine. De allí la extraña aclaratoria en muchos carteles de películas y marquesinas de cines cubanos, bajo el título: “Film cubano en colores”. Puede que haya visto O Dragão da Maldade en una de esas copias.

Bibliografia | Cangaço, O Nordestern no Cinema Brasileiro, de María do Rosário Caetano.

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