- No filme, si usted puede vivir sin filmar.
- No filme si quiere decir algo –solo dígalo o escríbalo–. Filme solo si quiere mostrar algo, o si desea que la gente vea algo. Esto afecta tanto la película en su conjunto como cada plano dentro de la película.
- No filme, si ya sabía lo que quería decir antes de filmar. De ese modo solo se convertirá en un profesor. No trate de salvar al mundo. No trate de cambiar el mundo. Es mejor que su película lo cambie a usted. Descubra el mundo y descúbrase a sí mismo mientras filma.
- No filme algo que usted odie. O algo que usted ame. Filme cuando usted no esté seguro de si lo que siente es amor u odio. Las dudas son cruciales para hacer arte. Filme cuanto usted odie y ame al mismo tiempo.
- Usted necesita su cerebro antes y después de filmar. No lo use durante la filmación, solo use su instinto e intuición.
- Trate de no obligar a las personas a repetir una acción o parlamentos. La vida es irrepetible e impredecible. Espere, observe, sienta que tiene que estar dispuesto a través de su propia forma de filmar. Recuerde que las mejores películas son las irrepetibles. Recuerde que las mejores películas están basadas en planos irrepetibles. Recuerde que los mejores planos capturan esos momentos irrepetibles de la vida con un irrepetible modo de filmación.
- Los planos son la base del cine. Recuerde que el cine fue inventado como un único plano –el documental, por cierto, carecía de una historia o bien esa historia se contó justo en ese plano–. Primero que todo, estos planos deben proporcionar a los espectadores esas nuevas impresiones que usted nunca tuvo antes.
- La historia es importante para el documental, pero la percepción es todavía más importante. Piense, en primer lugar, qué sienten los espectadores mientras ven sus planos. Entonces, se formará una estructura dramática de su filme que puede cambiar lo que el espectador siente.
- El documental es el único arte donde cada elemento estético casi siempre tiene aspectos éticos y cada aspecto ético se puede utilizar estéticamente. Trate de seguir siendo humano, especialmente en el montaje. Quizás la gente buena no debería hacer documentales.
- No siga mis reglas. Encuentre su propio reglamento. Siempre hay algo que solo usted puede filmar y nadie más.
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Errol Morris retrata a El Wingador
Cinco veces campeón absoluto del Wing Bowl de Filadelfia, Bill “El Wingador” Simmons atrajo la atención del realizador y documentalista ganador del Oscar, Errol Morris. Resulta ser que Morris es aficionado a los concursos de comilonas y en los setenta había visitado a Eddie “Bozo” Miller, cuyo nombre figuraba entonces en el libro de los Records de Guinnes por haber ingerido 27 pollos asados en una sentada.
Morris no realizó ningún documental sobre Bozo, pero cuando fue contratado para filmar una campaña publicitaria para KFC, supo que se le hahbía presentado una nueva oportunidad. Para un spot de 30 segundos sobre alas de pollo a la parrilla contrató a El Wingador, con quien tenía algo en común.
El Wingador es un hombre comprometido con cierto tipo de excelencia —o, al menos, con un cierto tipo de exceso. Desde luego, yo habría podido seleccionar a otro campeón de comilonas, pero supongo que tengo una afinidad por el pollo. Es evidente que su comida favorita es el pollo —particularmente alas (en inglés, “wings”) de pollo. Yo le pregunté: “¿por qué no perros calientes (hot dogs)?”. Su respuesta, simple y llana, fue: “Hey, mi nombre es ‘El Wingador’, no ‘El Hotdogador’”.
Todo este asunto no deja de ser extremadamente sorprendente para mí. Hace años escribí un cuento satírico —Spaghetti Western— sobre concursos de comilonas que bien podría protagonizar El Wingador. Y yo pensando que se me había ido la mano con la imaginación…
Más allá del Valle de la Silicona, en Variety
Estado
El semanario estadounidense Variety reseña los premios a nuestro documental, Más Allá del Valle de la Silicona, en el DocBuenosAires.
Errol Morris y Stephen King, unidos por la muerte de Kennedy
Hace poco más de una semana vi, en un canal por cable, un documental que desmontaba buena parte de las teorías conspirativas que se tejen en torno a la muerte violenta de John F. Kennedy. Los realizadores se dieron a la tarea de digitalizar en alta definición y restaurar escrupulosamente varios de los films caseros que recogieron el magnicidio: las películas de Zapruder, Nix, Muchmore, Hugues…
Luego, las escudriñaron al detalle, cuadro a cuadro, y reconstruyeron, una y otra vez, desde diferentes puntos de vista, el evento. ¿Resultado? Los teóricos conspirativos perdieron la partida. Aquel magnicidio fue el trabajo de un pistolero solitario, Lee Harvey Oswald.
El trabajo me recordó la meticulosa reconstrucción de un homicidio que realiza el documentalista Errol Morris en su opus magna, The Thin Blue Line. Claro, tomando en cuenta la diferencia de que el primer trabajo estaba destinado a la televisión. He aquí que, días después, The New York Times publica en sus páginas un cortometraje, The Umbrella Man, en el que Morris examina otra teoría conspirativa sobre la muerte de Kennedy que tiene como protagonista al famoso Hombre del Paraguas. En la pieza, Morris recoge el testimonio de Josiah Thompson, autor de Six Seconds In Dallas. En su libro, Thompson afirma que la muerte de Kenney fue el trabajo de tres pistoleros y el cortometraje de Morris muestra un diagrama de una de las armas: el paraguas-pistola.
Según el texto que acompaña al video en el diario newyorkino, se trata de la primera entrega de una serie de cortometrajes sobre el magnicidio que Morris planea desarrollar en el futuro inmediato.
Casi que era de esperarse. La muerte de Kennedy y la abundante evidencia gráfica que recoge el momento desde todos los ángulos, es un material ideal para un documentalista que ha desarrollado toda su obra en torno a la trampas de la imagen y su relación con la realidad. Morris, incluso, ha escrito un libro sobre el tema, Believing Is Seeing: Observations on the Mysteries of Photography.
Con lo de Kennedy, va en serio. Hace poco, también en The New York Times Morris reseñó la nueva novela de Stephen King, 11/22/63. En la novela, un profesor de inglés con una vida personal hecha pedazos, retrocede en el tiempo con la misión de matar a Oswald (o en todo caso, detenerle) y evitar la muerte de Kennedy. Pero en el camino, las dudas le asaltan. ¿Y si Lee Harvey Oswald no fue el magnicida? Uno puede estar seguro que, la investigación que debe desarrollar el protagonista de 11/22/63, fascinó a Morris, pues si en the Thin Blue Line el documentalista trataba de probar la inocencia de un condenado a muerte por un homicidio; en la historia de King, el protagonista debe probar la culpabilidad de Oswald antes de que perpetre el magnicidio.
El Film Zapruder, restaurado y estabilizado (atención: imágenes extremdamente violentas)
Hace unas semanas, Morris entrevistó a King. Y allí nos enteramos de que para alguien experto en urdir complicadas tramas que atrapan a millones de lectores en todo el mundo, tras el magnicidio no hay otra cosa que una cadena de acontecimientos ordinarios que terminaron cambiando el curso de la historia de la nación más poderosa de La Tierra. King asegura estar de acuerdo con la teoría de otro gran novelista americano:
(…) Norman Mailer (…) dice que a la gente les resulta muy difícil creer que pudo haber ocurrido de la manera en que sucedió, ya que sugiere un universo absurdo. Pero ahí está. La línea es bastante concluyente para mí. El rifle que compró por correo —que trató de usar para dispararle al general Edwin Walker. Y esa es el arma que se encontró en el depósito (de libros) con sus huellas digitales impresas. Y luego corrió, le disparó al agente J.D. Tippit, y lo atraparon. Para mí, eso es todo (…) Simplemente sucedió que Oswald estaba en el lugar correcto en el momento indicado (…) El quería dispararle a alguien. Quería ser alguien famoso. Todo está allí. Las piezas encajan fácilmente.
Documenta 2011 anuncia sus ganadores
- Mejor Largometraje Documental Andino / Gran Premio DOCUMENTA 2011: “RETRATOS DE LA AUSENCIA” de Camila Rodríguez Triana / Colombia
- Mejor Cortometraje Documental Andino: “LA FAMILIA DE MARÍA” de Ricardo Armas / Venezuela
- Mejor Ópera Prima Documental Andino: “ABUELOS” de Carla Valencia Dávila / Ecuador
- Mejor Documental Nacional: “LA 4ta GRACIA” de Andrea Carolina López
- Mejor Documental Andino con tema indígena / Premio CLACPI: “TESTIGOS DE UN ETNOCIDIO, MEMORIAS DE RESISTENCIA” de Marta Rodríguez De Silva / Colombia
- Mención especial: “ESCRITO EN LA TIERRA” de Gabriela Alexandra González Fuentes / Venezuela
Veredicto del Jurado
- RETRATOS DE LA AUSENCIA: Se acordó otorgar el gran premio DOCUMENTA 2011 al mejor largometraje documental andino a “Retratos de la ausencia” por ser una película que trata el desarraigo, la ruptura de familias y la nostalgia, producto de la tragedia de la pobreza causada por la guerrilla y el narcotráfico, con una propuesta cinematográfica original, sutil y rigurosa, sin manipulación y con mucha dignidad.
- LA FAMILIA DE MARIA: Se acordó otorgar el premio DOCUMENTA 2011 al mejor cortometraje andino a “La familia de María” por expresar con sencillez, originalidad y al mismo tiempo rigor cinematográfico un mundo emocional y profundamente humano, a partir de la experiencia de la adopción visto a través de la mirada de una niña.
- ABUELOS: Se acordó otorgar el premio DOCUMENTA 2011 a la mejor opera prima andina a “Abuelos” por su estructura narrativa equilibrada y evolutiva que mantiene al espectador atento y conmovido durante todo el relato. Por revelar con franqueza un tema de linaje familiar muy personal que a la vez representa una estampa típica de las sociedades latinoamericanas formadas por el ideal revolucionario y por la magia de las creencias populares.
- LA 4ta GRACIA: Se acordó otorgar el premio DOCUMENTA 2011 al mejor documental venezolano a “La 4ta Gracia” por su acercamiento a un tema crítico de la ciudad hoy día como lo es la indigencia ligada a la droga. Por la mirada humana, pero sin lástima y comprensiva, que la autora concede a los personajes. Por su montaje dinámico que no apela a manipulaciones y nos deja observar una realidad.
- TESTIGOS DE UN ETNOCIDIO, MEMORIAS DE RESISTENCIA: Se acordó otorgar el premio DOCUMENTA 2011 al mejor documental con tema indígena a “Testigos de un etnocidio, memorias de resistencia” por contribuir a difundir el conocimiento de las realidades y las múltiples luchas de los pueblos originarios opuestos a tres frentes armados: la guerrilla, los paramilitares y el ejército regular. Por su montaje ágil sin repeticiones temáticas con un excelente manejo de documentos archivados.
Un fuerte aplauso a todos los ganadores, un fuerte aplauso a los miembros del jurado y un fuerte aplauso para todos ustedes amantes del cine documental y público en general que son los protagonistas de DOCUMENTA 2011.
DOCUMENTA 2011, a partir de hoy
Durante el Festival serán exhibidas dos selecciones paralelas: La selección “MOIS DU FILM DOCUMENTAIRE” realizada en Francia con el patrocinio del Institut Français y la selección oficial de las 5 secciones del concurso andino DOCUMENTA 2011. Esta última en competencia por los premios:
- Gran Premio DOCUMENTA 2011 al mejor largometraje documental andino
- Premio DOCUMENTA 2011 al mejor cortometraje documental andino
- Premio DOCUMENTA 2011 al mejor primer documental andino (Opera prima)
- Premio Tricolor DOCUMENTA 2011 al mejor documental nacional venezolano
- Premio CLACPI DOCUMENTA 2011 al mejor documental indígena andino
Las salas de exhibición del Festival serán: Universidad Central de Venezuela. Sala de Conciertos, Auditorio de Humanidades, Facultad de Ciencias, Facultad de Ingeniería, Facultad de Farmacia, Jardín Botánico, Cinemateca Nacional (sala MBA y sala CELARG), Centro Cultural Chacao, Auditorio del Colegio Francia, Cine Urbano y Plaza Bolívar de El Hatillo, Sala Margot Benacerraf UNEARTE, Escuela de fotografía de ROBERTO MATA, Escuela de cine Documental de Caracas, Escuela Nacional de Cine y Universidad MonteAvila.
Para más información, películas en cartelera y y horarios: Cinefrances.net
Le voyage dans la Lune, de Méliès, vuelve a la vida y en colores
A finales de la década de los 90, fue hallada en Barcelona una joya cinematográfica irrepetible: una copia del primer film de ciencia ficción y primer film narrativo de la historia del cine, Voyage dans la Lune, del ilusionista francés George Méliès. Pero lo que hacía especial, única e irrepetible esta copia eran sus colores: acaso era la última copia coloreada a mano por el mismo Méliès, cuadro a cuadro, que había sobrevivido al paso del tiempo.
Era, sin embargo, un pastiche de químicos y emulsiones en franca descomposición. Se inició entonces una carrera contra el tiempo para salvar tan rara gema. La imposible tarea fue emprendida por el restaurador fílmico francés Serge Bromberg.
Cuando uno tiene una pieza del Santo Grial en la mano, todo lo que puede decir es: “tengo que salvarla”.
Una década y un millón de dólares después, Bromberg lo logra. El resultado será exhibido el próximo viernes en el MoMa, en New York, junto a un documental titulado El Viaje Extraordinario que cuenta el proceso de realización de Le voyage dans la Lune y, al mismo tiempo, el meticuloso proceso de restauración de la copia coloreada.
El histórico evento, curiosamente, coincide con el estreno de Hugo, adaptación del libro infantil de Brian Selznick La Invención de Hugo Cabret, realizada en 3D por Martin Scorsese. En Hugo, que se estrena en buena parte del mundo este 23 de noviembre, Ben Kingley interpreta a un solitario y amargado Méliès quien establece una relación con un niño huérfano llamado Hugo.
Se estima que el próximo año se edite un Blu Ray de la copia restaurada de Le Voyage dans la Lune, con música de Air, y acompañada del documental El Viaje Extraordinario.
Ojalá la editaran mucho, mucho, mucho antes…
Vía | Fast Company
Érase una vez un barco, documental venezolano, en salas de cine
Érase una vez un barco es un emotivo retrato de una especie de artesanos y un oficio en extinción: los carpinteros de ribera y la construcción artesanal de embarcaciones. El film está dirigido por un veterano de nuestra cinematografía, Alfredo Anzola, y es conducido por uno de nuestro humoristas más celebrados, Emilio Lovera.
Tiempo atrás publicamos una nota sobre esta película y su blog, donde citamos la explicación de Anzola sobre la idea original:
Hace más de 30 años, mi amigo Alberto Vera me dijo: “Tú tienes que hacer una película sobre los carpinteros de ribera, que son una especie en vías de extinción”. Afortunadamente, hoy todavía están vivos y siguen existiendo carpinteros de ribera y pescadores. Ellos, con todas las emociones, historias y necesidades de construir un barco, serán los protagonistas de este cuento.
Así que esta historia empieza así: “Erase una vez un barco hecho en Río Caribe por Manuel Sánchez e Isaías, quienes entre el plantado de la quilla y la botadura del barco compartirán sus vidas, sus amigos y hasta sus cervezas con nosotros…” Haciendo esto descubrí que en mi país hay gente haciendo cosas hermosas, con una calidad impresionante, esos son los carpinteros de ribera.
A lo largo del documental, Anzola devela los secretos de un oficio que poco a poco claudica ante el empuje de la industrialización y los materiales sintéticos, un oficio que acaso dentro de poco desaparezca por completo.
Las extraordinarias películas caseras de Roddy McDowall
Se trata de una colección de películas caseras realizadas por el actor inglés Roddy McDowall en el verano de 1965. Bien expuestas, imagen estable y vibrantes colores, las tomas están plagadas de gente insoportablemente joven, increíblemente guapa: una enloquecedora Natalie Wood, una sexy, pícara y rubia Jane Fonda, la terriblemente bella y dulce Julia Andrews, Paul Newman, quien según David Mamet era el hombre más buenmozo del mundo, Rock Hudson, Lee Remick, Kirk Douglas, Lauren Bacall, Ben Gazzara.
La extraordinaria colección pertenece a los documentalistas Luke Sacher y Carole Langer. Según aseguran en su canal de YouTube, Mcdowall en persona les regaló los materiales.
A continuación añadimos algunos, pero vale la pena que se den una vuelta por el canal de YouTube y vean todos y cada uno de estos clips.
Vía | The Wow Report
Paradise Lost, los “Tres de West Memphis” recuperan su libertad
Semanas atrás, Jeissy Trompiz, me habló acerca de Paradise Lost, un documental sobre el espantoso asesinato de tres niños de 8 años y la condena, probablemente injusta, de tres jóvenes aficionados a vestir de negro, escuchar a Metallica, estudiar sobre el ocultismo y leer a Stephen King. Los sucesos había tenido lugar en 1993, en West Memphis, Arkansas, una comunidad ultra religiosa y conservadora.
A mí me sonaba el trabajo, pero no estaba seguro de qué me hablaba, hasta el viernes vi que Paradise Lost encabezaba la lista de lo más buscado del día en Google.
Una inspección posterior me permitió descubrir el por qué: ese día, después de 18 años de prisión, Jason Baldwin, Damien Echols y Jessie Misskelly, los acusados, habían sido liberados gracias a un tecnicismo legal que pone a salvo a sus acusadores de cualquier demanda civil.
Paradise Lost: The Child Murders at Robin Hood Hills, estrenado en 1996, el primer documental de Joe Berliner y Bruce Sinofsky tenía en un principio diferentes motivaciones. Los realizadores le habían hecho llegar a Sheila Nevins, ejecutiva de HBO, una artículo sobre el caso con la intención de animar a la cadena a producir un documental sobre la juventud descarriada.
Berliner y Sinofsky lo explican en una entrevista con Deadline Hollywood:
Basándonos en el artículo, queríamos contar una historia de jóvenes descontentos. ¿Cómo podían existir jóvenes tan viles capaces de hacerle una cosa así a tres inocentes criaturas. Luego nos reunimos con Damián y vimos lo que estaba pasando.
Rápidamente nos dimos cuenta de que estábamos en medio de un caso increíble de justicia mal aplicada. Era una mezcla letal. La prensa local encontró que era mucho más fácil contar una historia de sectas satánicas y adoración al diablo que hacer periodismo duro, y en una parte del país dominada a golpes de Biblia, los fiscales pintaron un cuadro de pánico satánico. Esto llevó a la condena.
También ayudó mucho la personalidad, arrogante y narcisista, del joven Damien Echols, señalado de ser el principal sospechoso.
Damien de alguna manera era su peor enemigo. Era una especie de un adolescente narcisista que disfrutaba de la atención, porque no creía que fuera posible que pudiera ser condenado.
Él era un extraño que hubiera sido normal en Nueva York o Los Ángeles, pero en esta comunidad religiosa fundamentalista, vestirse de negro y escuchando heavy metal lo convirtió en un bicho raro. Era en realidad un niño súper inteligente que bailaba una melodía diferente y se internó en un camino equivocado.
A pesar de todo, el estreno del filme, que recoge en detalle las incidencias de un juicio que parece plagado de irregularidades, llamó la atención internacional.
La película recibió críticas entusiastas, pero nunca saltó de la página de entretenimiento a la editorial. Pero eso fue justo cuando el Internet se comenzó a utilizar como una herramienta primitiva medios de comunicación social, y surgió un movimiento internacional de apoyo.
Eddie Vedder, vocalista de Pearl Jam, el actor Johnny Depp y Natalie Maines, de Dixie Chicks, pronto se unieron a la causa. Metallica había accedido a prestar su música para la película. Más tarde también se involucrarían el realizador neozelandés Peter Jackson y su esposa y productora Fran Walsh.
La razón por la que la gente como Vedder y Depp prestaron su apoyo a Damien, y la razón por la que Metallica nos prestó su música para la película fue que ellos también se sintieron como los monstruos, los forasteros, los raros en la escuela secundaria.
No obstante, la película no arrojó los resultados esperados.
La idea de que en las circunstancias adecuada cualquier persona de este tipo pueda ser ser condenada a muerte es sencillamente terrible. No hay excusa para lo que sucedió en este caso.
Cuando alguien recibe una condena a muerte, tiene que estar más allá de toda duda razonable. Este era un caso débil. Pensamos que la primera película iba a cambiar las cosas, y luego hicimos una segunda, seguros de que haría estallar el caso. Sin embargo, las ruedas de la justicia se movían despacio, mientras que estos chicos se pudrían en la cárcel.
….
El segundo documental, Paradise Lost: Revelations, filmando entre 1998 y 1999, se enfrentó a un obstáculo singular: el éxito de la primera cinta. A los realizadores se les vetó el acceso a la sala del tribunal de apelaciones, a pesar de que su documental se convirtió en una herramienta de la defensa, los abogados de ambos lados evitaron dar declaraciones y los familiares de las víctimas se negaron a aparecer en cámara.
Todos excepto uno: John Mark Byers, padrastro del niño Christopher, una de las víctimas.
Byers prácticamente se roba el film. Fundamentalista cristiano, es al mismo tiempo dueño de un carácter explosivo, violento. Gárrulo y perturbado, mitómano consumado, se pasea por el film repartiendo amenazas de muerte contra los jóvenes condenados. Pero su comportamiento es tan errático e histriónico que al final termina despertando sospechas.
Curiosamente, el viernes mostró su apoyo a los jóvenes ante los medios presentes en el tribunal.
Ellos son inocentes, ellos no mataron a mi hijo.
Los llamados “Tres de West Memphis” salieron en libertad cuando se examinaron nuevamente evidencias de DNA y los resultados probaron que no había nada que ligara a los acusados con la escena el crimen. Todo lo contrario, el DNA parece apuntar a Terry Hobbs, padrastro de otra de las víctimas y a un amigo suyo. La policía no había considerado a Hobbs como sospechoso.
Pero los jóvenes han tenido que acogerse a una argucia legal que los obligaba a declararse culpables para salir en libertad. De esto modo, el caso se cierra.
El desenlace llega 16 años después del estreno del primer film y a sólo un mes de la premiere de la tercera parte, Paradise Lost: Purgatory, en el venidero festival de Toronto. Berliner y Sinofsky se encuentra ahora corriendo para incluir el nuevo final en su tercera película.
Siempre lamenté el hecho de tener que seguir haciendo secuelas de esta horrible historia de la vida real. Tenemos el tiempo justo para incluir lo que ocurre en el final de la película, y es increíble es la sensación de saber tu trabajo tuvo impacto. Pensamos que lo correcto es detener la serie aquí.
No queremos que suene arrogante, como si nosotros mismos nos diéramos palmaditas en la espalda. Este es el resultado de la ayuda de mucha gente. Pero Damien dice en El paraíso perdido 3, que literalmente habría muerto si no fuera por estas películas. Agotados sus recursos, nadie iba a venir a su defensa y no habría habido fondos para investigar las nuevas pruebas que ayudaron a retrasar su pena de muerte.
Bruce y yo nos sentimos agradecidos de haber servido de guardianes de una historia que tenía que ser contada. Pero también creemos que el cine mantiene con vida a estos muchachos, junto a gente como Vedder y Depp.
No todo el mundo, desde luego está contento con el resultado. Uno de ellos es Steve Branch, padre de una de las víctimas:
Con algunas estrellas de cine, y con un poco más de dinero, cualquiera que haya matado a alguien puede salir libre.
Paradise Lost: Purgatory | Teaser
Vía | IndieWire | Studio Daily
Pearl Jam XX, trailer del documental de Cameron Crowe sobre la banda
Pearl Jam XX es la crónica de los años previos a la formación de la banda, el caos que se originó poco después de su ascenso al estrellato, su paso hacia atrás del centro del escenario, y la creación de un círculo de confianza que le rodea y sustenta su cultura por el trabajo. Contado a través de grandes temas musicales, vivos colores y sonido impactante, la película está realizada con más de 1.200 horas de raras grabaciones e imágenes nunca vistas. Pearl Jam XX es el retrato definitivo de Pearl Jam: parte película de concierto, parte testimonial con información de primera mano y testimonio de la fuerzas musical sin concesiones de los artistas.
Peal Jam XX | Trailer
Sin Ti Contigo, documental ganador del premio Feisal en Guadalajara, se exhibe esta noche
Hoy martes 19 de julio (de 2011), a las 8:00pm, en el Trasnocho Cultural, se presentará el documental Sin Ti Contigo, de “Tuki” Jencquel. Ganador del premio Feisal en el último Festival Internacional de Cine de Guadalajara, el documental explora la relación entre Bernard Chappard y su hija Daniela, fotógrafa desaparecida por complicaciones relacionadas con el SIDA. La función será a beneficio de la Fundación Chappard, dedicada a la labor de crear conciencia en torno a la enfermedad.
“Sin Ti Contigo” es un mediometraje documental en el que Bernard Chappard, un excéntrico francés de 80 años, conversa con su hija Daniela, que murió a causa de sida en 1996.
Es una confesión de lo que realmente fue la relación con su hija, de los sentimientos y pensamientos que tuvo durante los años que estuvo enferma y de cómo la muerte de Daniela cambia su vida para siempre, de su nueva vida.
“Sin Ti Contigo” es el reencuentro de un padre rebelde con su hija fallecida. Un reencuentro que comienza con la muerte, pero termina con la vida.
Según Jencquel, también es una historia sobre el sentimiento de culpa:
Es un sentimiento que puede mover muchas cosas y que sirve de hilo conductor en esta película, el cual toca temas como la paternidad, el sida y la responsabilidad.
Jencquel estudió cine en la universidad de Nueva York y luego trabaja como 1er asistente de dirección para reconocidos directores de comerciales en Londres, Paris y Hamburgo. Director de dos cortometrajes, “Ayer Empieza Mañana” ( Premio del Jurado San Juan Cinemafest, Mejor Guión Premios Municipales de Caracas) y “Sed en los Pies” (estrenado en el Festival de Cannes, Mejor Guión, Mejor Dirección, Mejor Actor, Mejor Fotografía, y Mejor Corto de Ficción en los Premios Municipales de Caracas).
Trabajó como 1er asistente de dirección en “Secrets of The Tribe”, un largometraje documental de José Padilla (director de “Tropa de Elite”) En Venezuela dirige comerciales y se gana el Gran Prix de la Asociación Nacional de Anunciantes (Premios Anda 2007) con un comercial Unicef “Pelota”. Actualmente vuelve con su primer documental “Sin Ti Contigo” una producción cargada de sentimientos y emociones.
Sin Ti Contigo | Ficha Técnica
- Dirección: Tuki Jencquel
- Producción Ejecutiva: Braulio Rodríguez, Vanessa Foucault
- Producción: Vanessa Foucault, Carolina Gil
- Edición: Guillermo Sebastiani
- Música: Musical Vox – Alejandro Turola
- Banda Sonora: Antonio Garrido
- Animación de Títulos y Fotos: Pablo Iranzo
- Corrección de color: Eyeletmy “Yeye” Rodríguez
Beta SP – NTSC – Color – 4:3. Duración: 43 mins. Venezuela, 2010
Proyecto Nim, los primeros seis minutos
Ciertamente, los 70′s fueron años de experimentos locos. Por ejemplo, el Experimento Stanford. O el Experimento Milgram.
Pero acaso, ninguno tan polémico como el Proyecto Nim. Llevado a cabo por un grupo de estudiosos de la Universidad de Columbia, liderado por el psicólogo Herbert S. Terrace, la idea era refutar la tesis del lingüista Noam Chomsky de que el lenguaje era inherente y exclusivo de los seres humanos. Terrace y sus colaboradores pensaban que, si humanos y simios tenían en común un 98 por ciento de sus características genéticas, un simio criado y educado en un ambiente humano, podría llegar a aprender a comunicarse a través de un lenguaje.
Para probarlo, adoptaron y criaron un chimpancé al que jocosamente bautizaron Nim Chimpsky, una indirecta a Chomsky.
Casi cuatro décadas después, James Marsh, realizador de Man on Wire, recupera el caso para crear una de los mejores documentales, cuando no de las mejores películas, del año: Project Nim, un recuento sobre el experimento y una reflexión sobre la condición humana y animal. Estrenada el pasado fin de semana en los Estados Unidos, aquí les presentamos un clip con sus primeros seis minutos y el trailer.
Project Nim | Clip
…..
Project Nim | Trailer
Morgan Spurlock contra el “product placement”
Aunque la verdad, ya no estoy muy seguro de si en realidad es a favor.
Me explico. Spurlock ha creado un documental sobre sus intentos de realizar un film sobre el product placement (emplazamiento de productos), la publicidad y el mercadeo en el cine y la televisión. Pero el documental es, en sí mismo, un largo product placement, financiado a punta de product placement y publicidad dentro del film. ¿Se entiende?
Como hizo en Super Size Me, aquel documental donde se hartó de comida chatarra de McDonald’s hasta que, como dice un amigo, “le salieron tetas”, en esta ocasión también ha hecho de sí mismo un conejillo de Indias. En POM Wonderful Presents: The Greatest Movie Ever Sold, se transforma en una especie de publicidad viviente o valla ambulante, para promocionar los productos que financian su película.
Él lo explica mejor que yo en el trailer:

(Nota: me da la impresión de que además este documental va a ser una clase de pitching de principio a fin…)
Cuenta Spurlock a New York Magazine cuál fue el origen de la idea de su nuevo documental:
Mi inspiración vino de un episodio de Héroes, donde Hayden Panettiere, viene saliendo de su escuela y viene su padre y le dice algo como “cariño, tu mamá y yo estamos muy orgullosos de ti. Tengo algo para ti. Y se mete la mano en el bolsillo. Y la cámara hace un dolly y pasa por el logotipo de Nissan, y luego corte al padre que pone las llaves frente a su cara. La cámara hace foco y ella está como “¡Oh dios mío! ¡Es el Rogue! ¡El Nissan Rogue! No puedo creer que sea el Rogue”.
Yo estaba estupefacto. Asombrado de que eso acabara de suceder. Al día siguiente, aún en shock por lo que había visto, entré a la oficina y empecé a hablar con Jeremy Chilnick, mi compañero de escritura, al respecto. Comenzamos a hablar de todos los terribles emplazamientos de productos que habíamos visto en películas y programas de televisión y todo eso…
En la misma entrevista, Spurlock menciona una de los más horribles emplazamientos de productos de la historia del cine: Mac and me, aquella espantosa E.T. en versión McDonald’s.

…
También recuerda You’ve got mail! con Tom Hanks:

…
Aunque creo que esa cinta no tiene punto de comparación con otra película de Hanks en cuanto a emplazamientos publicitarios de productos: Náufrago. Aquí, una parodia:
Últimamente, uno de los peores ejemplos de emplazamientos de productos es el de Love and others drugs. Días atrás lo comentábamos en nuestra sección radial:

…
No me queda más que preguntar: ¿cuáles son sus emplazamientos de productos favoritos… O los más detestados?
Los Últimos Cangaceiros, en colores [Cine Ceará 2011]
Puede que alguno de ustedes hayan tenido la misma reacción que yo al ver la fotografía de Moreno y Durvinha que encabeza estas páginas. Yo, prácticamente, quedé pasmado por el color de los últimos cangaceiros. Y es que hasta entonces, en mi memoria visual, todos los cangaceiros eran en blanco y negro. La imagen pertenece al documental del brasileño Wolney de Oliveira, Os Ultimos Cangaceiros.
El “Capitán” Virgulino Ferreira da Silva, Lampião, “rei do cangaço”, fue el más célebre de los cangaceiros que asolaron la caatinga nordestina de principios del siglo pasado. Una época y una región asombrosas, en la que los cangaceiros, demonizados por la prensa como bandoleros despiadados pero idolatrados por el pueblo como benefactores de los pobres, católicos a ultranza y aficionados al buen perfume, a la música y al buen vestir, convivían en eterno conflicto con “coroneles” latifundistas, milagreiros alucinados tipo Antônio Conselheiro, el tristemente célebre protagonista de La Guerra de Canudos (ver La Guerra del Fin del Mundo, de Mario Vargas Llosa), matadores de cangaceiros, sanguinarios y corruptos cuerpos policiales y poetas de cordel, como retratara con no menos alucinamiento Glauber Rocha en su opus magna, Deus e o Diabo na Terra do Sol.Durvinha y Moreno ocultaron por más de medio siglo su verdadera identidad hasta de los propios hijos, que crecieron pensando que sus padres se llamaban Jovina Maria da Conceição y José Antonio Souto, nombres falsos sobre los cuales habían reconstruido sus vidas. Ellos formaron parte del grupo de cangaceiros de Lampião, el más famoso y controvertido líder del cangaceirismo. La verdad sólo fue revelada cuando Moreno, con 95 años, decidió compartir con los hijos el peso de los recuerdos y reencontrar parientes vivos, entre ellos su primer hijo.
El libanés Benjamin Abrahão, quien emulando a Grierson y a Flaherty, convivió durante meses en el inhóspito sertão con los cangaceiros de Lampião, recogiendo su cotidianidad y hazañas con una cámara Nizo Kiamo de cuerda, escribió con admiración:
Es una belleza ese bando de Lampião, su independencia de acción tiene la nobleza de los grandes guerreros. No son asalariados del crimen. Matar, para ellos, es una cuestión de honra, en esta tierra de injusticias
Luego de estrenar su documental, en el clímax de la represión gubernamental contra el cangaço, Abrahão moría en misteriosas circunstancias de 42 puñaladas. Su documental sería incautado por la policía y gran parte se perdería para siempre por culpa de la humedad en algún archivo policial. Dos meses después del asesinato del documentalista, en una emboscada caerían Lampião, su compañera Maria Bonita y sus cangaceiros más cercanos. Sus cuerpos fueron decapitados y sus cabezas exhibidas en un altar de horrores a manera de escarmiento.
El suceso sería inmortalizado en una imagen que sintetiza todo el horror y la violencia de la época, conocida popularmente como Cabeças Cortadas:
De manera oficial, el cangaceirismo acabaría con la muerte de Corisco, cabra de confianza de Limpião emboscado por la policia, y el apresamiento de su mujer, Dadá, en 1940. Muchos cangaceiros, calladamente depusieron sus armas, abandonaron sus grupos y se internaron en la inmensidad del árido sertão. Unos pocos lograrían reconstruir sus vidas bajo nuevas identidades. Dadá, la mujer de Corisco, fallecería en 1994. A pesar de la insistencia de periodistas y estudiosos del fenómeno, nunca develó sus secretos, zajando toda discusión con una frase lapidaria:
A gente não cospe no prato de quem nos deu comida…
El cine se encargaría entonces de mantener viva la memoria del cangaceirismo. El film O Cangaceiro, de Lima Barreto, ganador del premio a la mejor película de aventuras en el Festival de Cannes de 1953, contribuiría a poner en el panorama cinematográfico internacional al cine brasileño.
Al mismo tiempo, cimentaría un particular género cinematográfico local: el Nordestern, suerte de western a la brasileña. No obstante, sería el cineasta bahiano Glauber Rocha el encargado de fijar en el inconsciente colectivo cinematográfico mundial la poderosa imagen en blanco y negro del cangaceiro Corisco, interpretado memorablemente por Othon Bastos, en Deus e o Diabo na Terra do Sol. Realizada con paupérrimos recursos —recuerden la particular filosofía cinematográfica del bahiano: “una cámara en la mano, una idea en la cabeza”—, el film se valió de las convenciones del nordestern para subvertir el subgénero y sentar las bases de la llamada La estética del hambre, uno de los fundamentos del Cinema Novo.Los hoy casi centenarios Durvinha y Moreno, protagonistas del documental Os Ultimos Cagaceiros, son dos de los sobrevivientes —acaso los últimos— del legendario movimiento de insurrectos. El documental será exhibido en función especial en la próxima e inminente edición 2011 del Festival de Cine Ceará. Dios mediante, BlogaCine estará allí, en Fortaleza, Brasil, para contar las incidencias del evento como hace dos años, en vivo, en directo y en tiempo real, a través de nuestra página, nuestro Twitter y Facebook.
Mientras tanto, pueden revisar la página de festival, que se actualiza a diario con información fresca.
Postdata: Aunque estoy seguro de haber visto O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro (Antonio das Mortes), el siguiente acercamiento de Rocha al tema, no recuerdo ni uno solo de sus fotogramas en color. Puede que sea la fuerza de las imágenes de Deus e o Diabo…, o cabe la posibilidad de que igualmente la haya visto en blanco y negro: en Cuba, por cuestiones del bloqueo, muchas cintas extranjeras, en colores, solían exhibidas en copias en blanco y negro no autorizadas, realizadas apresuradamente en los días del festival de cine. De allí la extraña aclaratoria en muchos carteles de películas y marquesinas de cines cubanos, bajo el título: “Film cubano en colores”. Puede que haya visto O Dragão da Maldade en una de esas copias.Bibliografia | Cangaço, O Nordestern no Cinema Brasileiro, de María do Rosário Caetano.
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