Reporte de taquilla del cine venezolano, fin de semana del 24.06.2011

Dudamel, el sonido de los niños, de Alberto Arvelo

Dudamel, el sonido de los niños, de Alberto Arvelo


Desde hace algunas semanas, cada lunes Rodrigo Llamozas [@yosoyrorro], uno de los cerebros tras la empresa de mercadeo cinematográfico Cameo, junto a Ana Valentina Hernández, publica en su perfil de Facebook un iluminador reporte de la taquilla del cine venezolano. Le hemos pedido permiso para compartir tan interesante información con nuestros lectores.

(Por: Rodrigo Llamozas) El fin de semana de puente fue bueno para la taquilla, con cifras que en promedio superaron a las de la semana pasada, pero también tuvo un impacto negativo el día domingo: la gente que regresa a sus casas tras haber salido por el puente no tiene tiempo, ni ganas de ir al cine, por lo que los totales de ese día son inferiores a los del sábado (los domingos compiten con los lunes por ser el mejor día de la semana en cuanto a cantidad de espectadores)

Es importante notar que aún no se han contabilizado los totales del jueves 23 de junio, no porque los exhibidores sean malucos, sino por el mismo puente. Al no trabajar el viernes 24 no se sumaron, y no aparecen en los acumulados de las películas. Con seguridad esta misma semana ya estarán incluidas esas cifras.

Entrando ya en detalle, DUDAMEL, EL SONIDO DE LOS NIÑOS es la cinta nacional de mayor presencia actualmente. No solo por tener la mayor cantidad de copias (15), sino por el rendimiento de las mismas. En su tercer fin de semana fue vista por 7.560 personas, siendo este el total más alto entre sus tres fines de semana desde el estreno (y un crecimiento de casi 28% sobre el fin pasado). El acumulado de la película de Alberto Arvelo ahora está en 30.496 — aunque conociendo que los números del jueves 23 aún no se han contabilizado, debe estar muy cerca de 32.000 espectadores. Al terminar esta semana se debe mantener en la gran mayoría de las salas donde se encuentra, por lo que proyecta a terminar su corrida por encima de TOCAR Y LUCHAR, película con la que inevitablemente hay que hacer la comparación. DUDAMEL debe cerrar el jueves próximo con unos 36.000 espectadores

Aún con fuerza le sigue REVERON, la premiada obra de Diego Rísquez, que acumula 48.894 admisiones, pero como debemos aplicar las mismas condiciones (no hay data del 23), es muy posible que en realidad ya esté por encima de los 50.000, convirtiéndose así en apenas la segunda película Venezolana en lograrlo en 2011 (EL CHICO QUE MIENTE lo hizo cuando apenas tenía 18 días en cartelera, mientras que REVERON lo logró en su día n° 31). Debe terminar la semana con unos 53.500 espectadores, perdiendo apenas un pequeño número de copias, por lo que debe continuar su corrida con cierta tranquilidad, proyectando alcanzar al menos los 65.000 espectadores

ULTIMO CUERPO está entrando su recta final. Se mantiene con mucha fuerza en Puerto Ordaz (CU Orinokia), donde ya logró el promedio de esta semana, garantizando que continuará en esa plaza por octava semana seguida (el total de admitidos de ese cine es más del doble que el de cualquier otro cine donde se haya exhibido la película de Carlos Malavé). A la fecha suma al menos 29.772 espectadores, y probablemente ya esté por encima de los 30.000. Debe salir de cartelera con unos 31.500 aproximadamente

CORTOS INTERRUPTUS entró esta semana en San Cristóbal (CU Sambil), pero viene en franca caída. Suma oficialmente 23.613 espectadores (o unos 24.000 en realidad, tomando en cuenta los faltantes del jueves 23). Se ve difícil que se mantenga en muchos cines después de este jueves, cuando debe estar alcanzando los 25.000 espectadores. Faltándole únicamente Puerto Ordaz por llegar (entre las plazas de mayor tamaño), las probabilidades de que supere las 30.000 admisiones son existentes, pero bajas

DIAS DE PODER creció con respecto al fin de semana pasado (2%), pero mantiene totales muy bajos que no aparentan ser suficientes para cumplir los promedios en los cines donde se encuentra programada, por lo que pareciera inevitable que pierda prácticamente todas las salas donde se encuentra actualmente. Sin embargo, hay varias plazas importantes a donde aún no ha llegado (Puerto Ordaz, San Cristóbal, Porlamar, Maturín), así que aún le quedan varias semanas en la cartelera nacional. Hasta ayer acumulaba 12.670 (seguramente más de 13.000 al contabilizar los faltantes) así que la cinta dirigida por Román Chalbaud todavía mantiene la opción de llegar a 20.000 antes de salir definitivamente de las pantallas

SAMUEL, de César Lucena, no estuvo programada en ningún cine esta semana (o al menos ninguno la reportó aún), pero aún tiene varias ciudades por visitar, así que seguramente este viernes regrese a las carteleras y siga acumulando sobre los 14.472 espectadores que lleva en siete semanas desde su estreno. Aún necesita unos 5.000 espectadores para dar caza a HABANA-HAVANA, la otra película de Cine Atomo (dirigida por Alberto Arvelo)

Estamos en la última semana de junio, y aunque ya se han visto taquilleros estrenos de verano como FAST FIVE (750.000+ espectadores), KUNG FU PANDA 2 (640.000+) y PIRATES OF THE CARIBBEAN: ON STRANGER TIDES (925.000+), recién está arrancando la temporada de blockbusters y los meses de julio y agosto son los dos con mayor cantidad de asistencia al cine en el año, así que aquellas películas que se encuentren en cartelera podrán aprovechar el enorme flujo humano que llena las salas

El próximo estreno de Cine Venezolano sigue siendo UNA MIRADA AL MAR, de Andrea Rios (producida por La Villa del Cine), que tiene fecha de lanzamiento para el 08 de julio…

Dudamel, El Sonido de los Niños | Trailer

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Final Cut Pro X, a la venta ya

Final Cut Pro X entra al maravilloso mundo de los 64-bits

Final Cut Pro X entra al maravilloso mundo de los 64-bits

Por fin ha llegado el momento que, al menos yo estaba esperando: ha salido a la venta el Final Cut Pro X, la nueva versión de la popular herramienta de edición no lineal de Apple.

La razón por la que he esperaba esta aplicación es sencilla: estoy trabajando con cámaras DSLR y si me pongo a transcodificar todo el material a Apple ProRes, me voy a tardar toda una vida antes de llegar a la fase de edición. Final Cut Pro X ofrece edición nativa de H.264 de cámaras DSLR, entre otros apetecibles, apetitosos adelantos (como el de la sincronización automática, el timeline magnético, el aprovechamiento de la arquitectura de 64-bit o la posibilidad de trabajar con material de RED de forma nativa).

Además está la cuestión del precio: “apenas” 299 dólares. No es moco de pavo, pero una buena rebaja si lo comparamos con los mil trescientos palos que costaba la versión anterior. Sí, ya sé que ese era el precio de la suite completa, pero resulta que muchas de las funciones de las otras aplicaciones han sido incluidas en esta versión. Por ejemplo, ya se puede crear un DVD desde el FCPX mismo (¿adiós DVD Studio Pro?). O trabajar con sonido Surround 5.1 (¿Bye, bye, Soundtrack Pro?). O corregir el color (¿Sayonara, Color?):

Por otra parte, el precio de aplicaciones complementarias como Motion 5 y Compressor 4 también han recibido un recorte: “sólo” 49,99 dólares (entrecomillo porque nada que sea en dólares es barato para los venezolanos).

Tanto el nuevo Final Cut Pro X, como Motion 5 y Compressor 4 pueden (y deben) ser descargadas desde la tienta de aplicaciones de Apple.

Nota: ¿por qué el entusiasmo si muchas de estas funcionalidades estaban presentes en Adobe Premiere o Sony Vegas desde hace tiempo? Bueno, tengo casi una década trabajando con la herramienta de Apple. Aprender a utilizar una nueva aplicación a stas alturas, me resulta un tanto forzoso. Ya saben lo que dicen: loro viejo no aprende a hablar.

Nota final: aunque he dicho que estaba esperando este momento, voy a esperar un poquito más, a ver qué dicen los early adopters, antes de decidirme a dar el tarjetazo y acabarme de un sólo mamonazo el cupo de dólares para Internet. Es una sana medida ante todo nuevo lanzamiento de Apple. Uno nunca sabe con lo que te van a salir.

¿Qué está pasando con el cine venezolano? La secuela…

Luigi Sciamanna, Reverón

Luigi Sciamanna, Reverón

¿Lo mejor de las redes sociales? El feedback, la respuesta casi inmediata que uno obtiene de comentaristas, amigos, seguidores, y que permite afilar las ideas, ajustar las opiniones, cambiar de parecer. ¿Lo malo de las redes sociales? Que últimamente este feedback aparece desperdigado, desparramado a lo largo y ancho de la red.

A continuación, reproduzco algunas reacciones al artículo de ayer y al comentario de Rodrigo Llamozas que lo originó todo. Empezando, por Llamozas mismo.

Mil gracias a Carlos Caridad Montero por dejarno un análisis más profundo que lo que “cabe” en un comentario de facebook. Te apoyo en muchas de tus deducciones y pensamientos sobre este caso, pero no entiendo mucho el primer punto que mencionas, sobre el período de exhibición que termina cuando se cumple la cuota obligatoria — eso no tiene ningún sentido para mi y te puedo asegurar que al menos en la empresa en la que trabajé por 4 años nunca se tuvo una posición de “ya estrenamos demasiadas, no me pongas más”.

Más bien era para nosotros preocupante que no tuviéramos suficientes películas para la primera mitad del año, porque los estrenos parecían retrasarse y retrasarse para luego amontonarse en la segunda parte del año…

Sergio Monsalve (respetando su propuesta subversiva de puntuación):

Solo difiero de un punto de Carlanga.Él dice:los medios de comunicación difundían una imagen negativa del cine nacional.Tal como si fuese una campaña o una matriz de opinión dirigida desde algún centro de poder.El colega no le concede el beneficio de la duda o el derecho al periodismo nacional,de haber disentido o marcado distancia de la industria criolla.Por lo demás,siento exagerada su percepción.Nuestra prensa,por lo general,es condescendiente con el cine nacional.De cualquier manera,si hay opinión negativa no será exclusivamente por culpa de un prejuicio de los críticos.

María Gabriela Colmenares:

La imagen negativa del cine venezolano divulgada a partir de los años 70 no fue responsabilidad de los medios. Fue, más bien, producto del horror de la clase media a reconocer en la pantalla un país distinto a ese país emergente, rico y turístico (“Venezuela tuya”) en el que creímos vivir en aquel momento. De allí que lo denominaran “un cine de putas, malandros y groserías”. El público del cine venezolano durante los años 70 y 80 fueron las clases populares.

Sergio tiene razón sobre la condescendencia de buena parte de la prensa nacional con respecto a nuestro cine. Recuerdo que la posición de gente como Rodolfo Izaguirre era paternalista, es decir, hablar bien sobre el cine venezolano para entusiasmar al público a que fuera a verlo. No fue ésta la posición de la gente de Cine al Día, a pesar de su decidido apoyo a la idea de un cine nacional. Pero Cine al Día y Cine-Oja eran publicaciones especializadas de poca difusión, mientras que El Nacional fue y sigue siendo un diario de circulación nacional.

Marlo Alexander Muñoz Vivas:

Dificil de sacar una conclusion, creo que no existe tal cosa llamada “moda del cine venezolano”; si a través de la historia algunas peliculas venezolanas han logrado conectar con el publico y otras no, es simplemente porque tienen ese “algo especial” que hace que ciertas peliculas sea exitos de taquilla. Pero definitivamente si hay que hacer algo para poder impulsar mas las producciones hechas aqui, no se bien que podría ser, no soy experto en publicidad, pero competir contra “Rio” “Piratas del Caribe” y otras peliculas similares siempre sera un problema, eso combinado con el prejuicio de la gente; por ejemplo ayer mi amigo Alejandro Carrillo decía algo muy cierto: “La gente cuando ve una pelicula venezolana dice que es mala como todas y que no vendra a ver mas, pero si sale de ver una pelicula hollywoodense dice que a lo mejor la quinta parte sera buena”.

Aparte de eso no estoy seguro si se hace una promocion adecuada, hace dos semanas fui a ver Cortos Interruptus y solo estabamos en la sala mi esposa y yo, lo mismo le paso a Carrillo viendo Reveron el solo en la sala viendo una propuesta que de seguro sera mas que interesante ¿a que se debe eso? ¿Desconocimiento de la gente? Difícil saberlo.

Willmer Pérez Figuera:

¿Será que estamos haciendo cine pensando mas en los números, las estadísticas, el público, el cine de la industria estadounidense? Será que queremos hacer cine con presupuestos de industria ignorando de manera intencional que no somos una industria y que nos falta mucho para serlo. ¿Será que realmente nos falta la magia? Aunque dudo que la película Reverón, la cual no he visto aún, le falte magia porque si algo tiene Rísquez es magia en sus películas, pero es complejo este tema.

Yo no hago audiovisuales con dinero del CNAC ni de nadie y ahora mercadearé todas mis obras por el sistema pirata, es la manera mas directa de llegar a la gente… La verdad sería interesante formarse en esta materia tan importante como la promoción y distribución del cine nacional que para mi es uno de los mejores cines del mundo solo que ha sido sub valorado… Salud!!!!

Ninoska Dávila Reyes:

El proceso de realización de un filme es complejo y en especial su comercialización en general. Es un proceso de equipos y todo tiene que estar bien engranado. Las estrategias se trabajan para disminuir riesgos y nunca éxito está totalmente garantizado. Hay que saber leer y comprender todas las variables posibles: qué película tengo, qué actores, su historia…. Qué presupuesto tengo y sobre todo, qué estrategia voy a seguir.

La promoción de una película es parte de un todo, pero la verdadera estrella es el producto cinematográfico en sí mismo. De qué sirve una buena promoción si la película no gusta, de qué sirve la promoción si la película tiene una distribución inadecuada. Qué dimensión tiene el filme en relación a copias y en qué salas se exhibe. Para conversar sobre este tema en profundidad hay que estudiar el caso con todas sus aristas para poder llegar a una reflexión que contribuya a otras experiencias. Con respecto al público si existe un prejuicio hacia el cine venezolano.

Patricia Ortega, sobre Reverón:

La suma de variables: problemas de promoción y distribución más analfabetismo audiovisual del espectador traen como consecuencia que los filmes de autor se las vean negras al enfrentar la taquilla. Si es verdad que el trailer no es el mejor y que tuviésemos mejores resultados en el llamado de taquilla si se tuviese el presupuesto como para diseñar y materializar una campaña publicitaria que cautive al público y rompa barreras, pues ¿quién compite con las monumentales imágenes de Piratas del Caribe?

No tenemos bolsillo para eso. Por otra parte, desgraciadamente al parecer nuestro público en su mayoría prefiere la acción, los tiros o los melodramas, todo lo que se salga de lo comercial resulta raro y extraño, la lucha es compleja pues nos enfrentamos a años de desinformación y nuestras nuevas generaciones crecen hipnotizados por el Zapping y los ritmos fugaces, todo aquello que demande una reflexión, un esfuerzo mental es tildado de pajúo, largo o aburrido y no pasa sólo con las películas venezolanas. Echenle un ojo a los festivales de cine de autor, siempre van los mismos pelagatos, es un problema global, no sólo de cine venezolano. Así que sigue la lucha.

Alejandro Carrillo:

Creo que otro factor que tampoco ayuda es estrenar muchas películas venezolanas al mismo tiempo porque el público que está interesado en verlas debe dividirse. Yo soy uno que quiere ver Cortus Interruptus y quise ver Samuel, pero prefería esperar lso estrenos de Ultimo Cuerpo y Reveron porque mi bolsillo no puede pagar 4 idas al cine en 4 semanas. Tampoco me parece acertado hacer estos estrenos en plena temporada de verano hollywoodense, competimos contra una maquinaria publicitaria enorme.

Harry Potter, Jack Sparrow, Kung Fu panda están en todas partes: franelas, gorras, cuadernos, hasta en las baterías está el bendito Río. Y luego pasamos al tema del cartel ¿a que target está dirigido el cartel de Reverón? Creo que la película no se supo vender. A mi los numeros de recaudación de 2011 no me sorprenden se parecen mucho a los de 2009, 2008 y 2007, me sorprendieron mas bien los de 2010, ¿Que generó la burbuja del año pasado? Esa creo que es la pregunta.

¿Qué está pasando con el cine venezolano?

El último Cuerpo, de Carlos Daniel Malavé

El último Cuerpo, de Carlos Daniel Malavé

Rodrigo Llamozas, una de las cabezas de la nueva empresa de promoción cinematográfica Cameo, hace pública una preocupación que desde hace semanas se comenta en el mundo del cine venezolano: el abrupto, pronunciado descenso en la asistencia del público a los cuatro últimos estrenos nacionales (Samuel, El Último Cuerpo, Cortos Interruptus y Reverón).

Aunque en el caso de la cinta de Diego Rísquez acaso sea prematuro hablar de taquilla (no tiene una semana en cartelera), y en el de Samuel quizás no venga a cuento por la naturaleza de la película; la discusión puede resultar pertinente en el caso de El último Cuerpo, de Carlos Malavé: estrenada con 25 copias, dos semanas después está a punto de salir de cartelera de las salas de cine de la capital. La que parecía una apuesta comercial segura, al final resultó que no lo era tanto.

Llamozas pregunta en su perfil de Facebook:

REVERON abrió con unos 4.888 espectadores en su primer fin de semana, número nada alentador. ¿Qué sucedió? ¿Mala promoción? ¿Competencia muy dura? ¿No interesa el tema? ¿Nadie sabe quién era Reverón? ¿No gustó la película? ¿Se acabó la “moda” de ver Cine Venezolano? Se escuchan opiniones.

A continuación, dejaré mis respuestas. Aclaro que son basadas en meras observaciones, no son más que opiniones, empíricas. Simples hipótesis. Tampoco se trata de críticas. Son reflexiones atropelladas, formuladas a la ligera, hechas a la carrera. Pero aquí van.

¿Qué sucedió?

Póster de Amorcito corazón, de Carmen Roa

Me da la impresión de que existe un ciclo anual en los estrenos del cine nacional. Un período que termina cuando los exhibidores cumplen con su cuota obligatoria de estrenos criollos. Las películas que quedan por fuera, o no se estrenan o se estrenan marginalmente. En ese hiato, puede que no haya cintas venezolanas en cartelera por unas cuantas semanas. Cuando no, meses. El período se reinicia a principios del año siguiente. Y es siempre lento. De poca afluencia de público. Quizás muchos no recuerdan que lo que los medios tradicionales llaman “el mejor año del cine nacional”, se inició con Amorcito Corazón, de Carmen Roa y Des-Autorizados, de Elia Schneider, dos películas que obtuvieron poco respaldo del público. Y que, entonces, despertaron preocupaciones similares a las actuales. El ciclo luego alcanzó su pico de asistencia con el estreno de Hermano, La Hora Cero, Cheila.

El ciclo del año pasado concluyó con El Chico que Miente, de Marité Ugás —estrenada cuando La Hora Cero, de Diego Velasco, no salía de cartelera— y el del 2011 se abrió con Samuel, a la que se han sumado, casi enseguida, El Último Cuerpo y Reverón, cuando aún el ciclo de este año apenas calienta motores.

También es una cuestión de timing. Hay películas que deben ser estrenadas cuando deben estrenarse. Las navideñas o de corte familiar, pues en Navidad. La Semana Santa es una buena época del año para lo que los españoles llaman el peplum (o, en todo caso, para nuestro peplum criollo: las películas históricas de la Villa). Y las vacaciones, para las cintas de acción, como El Último Cuerpo. Como quiera que ya el público ve el cine nacional como un hecho colectivo, y que ninguna película es una isla, lo que se impone ahora es el diseño colectivo de nuestros estrenos. Falta que los exhibidores locales lo permitan.

¿Competencia muy dura?

Si algo demostró la temporada vacacional del año pasado, es que el cine venezolano puede medirse de tú a tú con los blockbusters gringos. A tal punto de que quizás este año no haya películas criollas en esa temporada para no hacerle sombra a los estrenos de Hollywood, como sucedió en las vacaciones del año pasado.

¿Se acabó la “moda” de ver Cine Venezolano?

No puede acabarse algo que no ha comenzado. Que no existe. El público venezolano siempre ha visto cine nacional. Cuando no en salas, en TV, en DVD, en quemaítos. La tendencia que quiere una moda del cine nacional, se generó el año pasado cuando los medios tradicionales, ante el empuje de las redes sociales —léase: el empuje de la libre opinión de los espectadores en las redes sociales y medios alternativos—, se vieron obligados a cambiar la imagen negativa que hasta entonces habían vendido de las películas hechas en casa. Tengo la sensación de que el 2010 no fue un mejor año que el 2008, por ejemplo. Pero entonces, aún persistía la imagen negativa del cine nacional en los medios.

A comienzos de este año, publicamos un largo artículo sobre el asunto, sobre el final del prejuicio.

¿Mala promoción?

El Chico que Miente, de Marité Ugás

El Chico que Miente, de Marité Ugás

No sé si mala. Pero en todo caso, confusa. Creo que en estos tiempos de redes sociales, interconexión y flujos de información en tiempo real, hay que vender la película como lo que es, desechar la vieja, obsoleta práctica de tratar de meterle gato por liebre al espectador. De otro modo, a la salida de la película echará mano de su teléfono inteligente y dirá a los cuatro vientos que ha sido engañado.

No digo que en alguno de los estrenos se haya tratado de engañar al espectador. Pero, puede que de forma inconsciente, se hayan enviado señales confusas, contradictorias, prestas a una mala interpretación. Noto una falta de definición. ¿Se trata de una película o de una recopilación de cortos? ¿Es la biografía fílmica de un oscuro periodista de sucesos maracucho o no?

La inmensa mayoría de los espectadores no tiene otra fuente de información sobre una película que su trailer y su afiche. Sólo en esas dos cosas basan su decisión de verla o no. A lo que se suman las redes, ahora. Puede que haya algunos que chequeen Twitter antes de comprar su entrada.

Cuando elaboramos el trailer de El Chico que Miente, en un principio pensé que era una buena idea “aliñar” el asunto para que pareciera la película que no era. Al cabo de dos meses e incontables peleas, prevaleció la idea contraria: vender la película como lo que era. Punto. Cerca de 150 mil espectadores después, no me cabe duda de que fue la mejor decisión. Lección: que tu trailer sea claro, sin ambigüedades, que venda la película que es.

Ya lo he escrito más arriba, ninguna película es una isla —con respecto a otras películas, pro también con respecto al contexto en el que se estrena. Parte del éxito de El Chico que Miente también se le debe al contexto. La película se estrenó justo en medio, o poco después, de una tragedia nacional que comienza a hacerse cotidiana. El Chico llegó en medio de aguaceros, aludes, inundaciones, derrumbes, damnificados que perdían sus hogares, carpas, refugios temporales. Justo el tema que trataba la cinta. Lección: que tu película toque un tema de actualidad. Un tema además que sea un nervio cultural nacional: el problema de la vivienda. Lección: que tu película toque un nervio cultural, pues nunca perderá vigencia. O, al menos, casi nunca.

Allí está el ejemplo de La Hora Cero, una cinta de acción que hurga en uno de nuestro eternos nervios expuestos: la crisis hospitalaria y asistencial venezolana. ¿Resultado? La película más taquillera de la década,

De cara a los medios tradicionales, tu película también debe ser un hecho noticioso. Los periodistas de la fuente, los blogueros y los reseñistas de Facebook, adoran escribir sobre una película que es noticia y nada les aburre tanto como tener que hacer una nota sobre una cinta calichosa. El premio de Hermano en Moscú, la selección de El Chico en Berlín.

La promoción de Samuel quizás demuestre otra de las cosas que no se deben hacer a la hora de promocionar una película: afincarse en el bajo presupuesto. Me da la impresión de que el espectador venezolano percibe ese tipo de campaña de forma negativa. No le gusta pagar un montón de dinero —ir al cine es caro— para ver algo barato. De hecho, creo que lo percibe sin que se lo digan. Puede que eso haya pasado con El Último Cuerpo, cuya factura técnica parecía estar por debajo de la de Las Caras del Diablo, a pesar de tener mayor presupuesto.

Usar el bajo presupuesto como gancho publicitario no garantiza de por sí el éxito. Lo que sí despierta el interés, sobre todo el interés de los medios, es una buena historia como trasfondo del rodaje. Lo que vendió a El Mariachi no fue su exiguo presupuesto, sino que su productor-guionista-director, se prestó como conejillo de indias para conseguir cinco mil dólares para rodar.

¿Nadie sabe quién era Reverón?

Reverón es una película de nicho, dirigida a una generación que vivió al pintor como un hecho cotidiano. Un nicho cuya edad promedio debe estar por encima de los 60 años y que no suele ir con mucha frecuencia al cine.

Puede que hoy nadie sepa quién es o fue, Reverón. Pero eso, que se le critica como su mayor debilidad, puede revertirse fácilmente y convertirse en su mejor virtud. Bastaría el explotar el lado didáctico de la cinta. Todo lo que tiene que hacer el equipo de la cinta, es visitar instituciones educativas e invitar a los estudiantes a ir al cine, a conocer a uno de nuestros más importantes artistas plásticos.

¿No interesa el tema?

En el foro del pasado sábado, Rísquez hizo una exposición de la figura de Reverón que me resultó tremendamente didáctica y atractiva. Estoy seguro que muchos de los asistentes, después de ver la película y escuchar su exposición, quedaron con ganas de investigar sobre la figura del pintor. Y no me queda la menor duda que muchos estudiantes se interesarían por Reverón si Diego hiciese lo mismo en un salón de clases.

Claro que sí. El tema puede interesarle a mucha gente. Sólo habría que ir a buscar ese público allá donde esté.

The Getaway, tema, trama y conflicto, una breve ilustración

The Getaway, desde el afiche se anuncia el conflicto

The Getaway, desde el afiche se anuncia el conflicto

Cada vez que debo explicar la diferencia entre conflicto, puntos de giro, motivaciones, y objetivos de los personajes, trama y tema —todos elementos del drama y, por supuesto, de la escritura de guiones—; uso como ejemplo The GetawayLa Huida, una película que, en sí misma, es razón más que suficiente para comprarse un Blu Ray—, aquella clásica cinta de acción y película de carretera, protagonizada por Steve McQueen y Ali MacGraw, dirigida por Sam Peckinpah y escrita por Walter Hill, sobre la novela de Jim Thompson. Como decimos de este lado del mundo, un trabuco.

 

Atención: puede que a continuación revele algunos detalles importantes de la trama del film. Por otro lado, es imperdonable que no la hayan visto aún.

Don McCoy sale de prisión

Don McCoy sale de prisión

Después de unos excelentes títulos iniciales, que sirven para presentar a los personajes, la trama se inicia cuando Don McCoy (McQueen) es, para su sorpresa, liberado de prisión bajo palabra. Pronto la trama será lanzada en una nueva dirección por un punto de giro: su liberación no es gratis, pues Jack Benyon, el corrupto y bien conectado jefe de la prisión, le obligará a planear y ejecutar el robo de un banco. Comienza entonces a dibujarse el conflicto de McCoy: robo o libertad. Tiene unos objetivos iniciales claros, aunque contradictorios: robar el banco y salir en libertad . Pero se le presenta un primer obstáculo que complica la resolución de su conflicto y aleja sus objetivos: no podrá contar con su gente de confianza para el robo, sino con la del jefe de la prisión. Y McCoy no confía en ellos. La trama avanzará de acuerdo a las decisiones que McCoy tome para resolver su conflicto. Y, en un buen drama, estas decisiones serán siempre las equivocadas: en vez de resolver su conflicto, deberán complicarlo más.

Más adelante, en otro punto de giro de la trama, el conflicto de Don McCoy se hace más profundo, personal, íntimo: descubre Carol (McGraw), su hermosa esposa se ha acostado con Benyon a cambio de su libertad.

Se trata de un gran conflicto que expresa el verdadero tema de la película: las relaciones de pareja. Amor, lealtad y traición expresados de forma contradictoria, conflictiva, dialéctica, pues Carol ha sido desleal a Don precisamente porque lo ama y lo quiere libre.

McGraw, motivación más que suficiente

McGraw, motivación más que suficiente

El conflicto, ya personal e íntimo, corroerá el alma de McCoy buena parte de la trama, pues aunque la ama, ya no confía en Carol. Por otra parte, se hace evidente la aparente motivación de Benyon al liberar a McCoy no es sólo material (el robo), sino también personal: después de aquella revolcada con Carol, ha quedado completa y absolutamente enamorado de ella —¿y quién no se enamoraría perdidamente de Ali McGraw? Si no, pregúntenle a McQueen y a Robert Evans quienes protagonizaron una historia similar en la vida real mientras se filmaba la cinta, pero eso es material para otro post.

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McQueen besa los dedos de MacGraw con la familiaridad de un viejo marido, un pequeño detalle que no sólo muestra su grandeza como actor, sino que delata su naturaleza de hábil seductor

El héroe (McCoy) y el villano (Benyon) de este drama, al final, resulta que tienen las mismas motivaciones: su amor por la enloquecedora y bronceada Carol.

Thompson primero, quien hizo los borradores iniciales del guión, y después Hill complican aún más la trama no sólo para hacer avanzar la acción, sino para seguir expresando el tema del film dialécticamente. Rudy, uno de los hombres de Benyon, y quien persigue a Don en su huida después de que el robo del banco saliera mal, secuestra a una pareja, un veterinario y su esposa (por alguna extraña razón, el detalle de la profesión del secuestrado se me quedó grabado en la mente).

Don McCoy le echa un vistazo a dos poderosas motivaciones

Don McCoy le echa un vistazo a dos poderosas motivaciones

A punta de pistola Rudy obliga a Harold, el aterrado veterinario, a conducir el vehículo e ir tras McCoy. Fran, su mujer, decepcionada ante la actitud pusilánime de su marido, comienza una relación con el masculino y violento Rudy, su secuestrador. En una de las secuencias más incómodas de ver de la historia del cine, Fran y Rudy hacen el amor en la habitación de un motel, mientras Harold, el veterinario, permanece atado en una silla, ante la cama donde se derrumba su hasta entonces feliz matrimonio.

Vemos así, otro ángulo del tema (las relaciones de pareja), expresado de forma dialéctica, dinámica, a través del conflicto. El conflicto personal de McCoy dispara los mecanismos de empatía de los espectadores. Lo que nos mantiene pegados a las butacas y con nuestros ojos fijos en la pantalla, no son sólo las balaceras, las persecusiones y las extraordinarias piruetas automovilísticas de esta cinta, sino quizás una pregunta esencial: ¿qué haríamos nosotros en el lugar de Don? ¿Perdonar a Carol? ¿Abandonarla? ¿Perdonaría una traición cuya motivación fuera el amor? ¿Y qué haríamos en el lugar de Harold? ¿O en el de Carol?

Preguntas tan esenciales como íntimas y cercanas a la experiencia personal de los espectadores comunes y corrientes. Todos hemos sido traicionados alguna vez en al vida, hemos perdonado o condenado traiciones. También hemos traicionado. Y todos tuvimos razones para hacerlo. El conflicto, al expresar un tema a la vez íntimo y universal, puede ser entendido y experimentado por toda clase de espectadores.

McQueen y McGraw, relaciones de parejas

McQueen y McGraw, relaciones de parejas

Tema, trama, conflicto y personajes no pueden verse de forma separada o en estancos independientes. Es un continuum: no hay una frontera donde termina uno y comienza el otro. Un conflicto expresa el tema, pero también determina al personaje y viceversa. El conflicto (o su resolución) es el agente catalizador de la trama. El conflicto es el motor del drama, el combustible que hace avanzar la historia.

He escrito este post como introducción a otro artículo, relacionado con la muerte del conflicto y el final del drama en cierto cine hollywoodense de reciente data. Trataré de publicarlo mañana o el lunes.

The Getaway | Trailer

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Apple presenta un nuevo y revolucionario Final Cut Pro X

El nuevo Final Cut Pro X

El nuevo Final Cut Pro X

Ocurrió hace apenas unas horas en el SuperMeet, un evento que todos los años tiene lugar en el marco de la exposición de la NAB. De alguna manera también se esperaba, pues desde hace un par de meses se sabía que venía. Jobs lo había anunciado. Luego, hubo reportes de gente que hasta tuvo la oportunidad de usar una versión beta y le parecía maravillosa.

Finalmente, se ha dado a conocer la nueva versión de la popular y revolucionaria herramienta de edición no lineal de Apple, el Final Cut Pro X. Reescrita desde cero para aprovechar la arquitectura de 64 bits, Apple promete que la nueva versión será tan revolucionaria como la primera versión. Costará 299 dólares y podrá ser descargada desde la Mac App Store en junio. No me queda claro si vendrá acompañada de otras aplicaciones, pero me parece que no. Incluso, me da la impresión de que muchas de las funciones de las otras aplicaciones de la suite han sido fundidas en el nuevo FCPX. Tal parece cer el caso de Color y Soundtrack.

Final Cut Pro X

Final Cut Pro X

El Final Cut Pro X tiene la capacidad de usar ilimitada cantidad de RAM y aprovechar todos los núcleos del procesador. Utiliza ColorSync para gestionar el color. Tiene capacidad de reproducción independiente de la resolución hasta 4K —sí, leyeron bien: 4K— y puede trabajar de forma nativa con los codecs H.264 y AVCHD, lo que quiere decir que se podrá trabajar con el material de la Canon y otras DSLR sin necesidad de transcodificar.

En el nuevo timeline se podrán combinar materiales de varios tipos, sin render de ningún tipo. De hecho, no hay hay que rendear —perdón por el hórrido anglicismo— nada, pues la nueva aplicación aprovecha cada núcleo del procesador para hacerlo en segundo plano, de forma instantánea. Además, el timeline es magnético y aparta del camino los clips para evitar colisiones y sobreescritura accidentales. El timeline también es indexado, para facilitar búsquedas y muestra el contenido de los clips con sólo pasar por encima el cursor.

Tiene modo de visualización de celuloide (filmstrip), agrupación de varios clips en uno sólo de forma más simple y un nuevo editor de precisión para el recortado (triming) de tomas. Por si fuera poco, se pueden añadir y visualizar metadatos en diferentes regiones de los planos, manejar fotogramas-clave con herramientas Bezier y curvas también en el timeline. Los fotogramas-clave se pueden animar de forma automática como en Motion, aunque sin necesidad de pulsar el botón de “Grabar” y la aplicación trae incluido el efecto Ken Burns automático, herencia de iMovie.

Interfaz para la corrección de color en el nuevo FCPX

Interfaz para la corrección de color en el nuevo FCPX

Y en un movimiento radical que pondrá de rodillas a millones de editores en todo el mundo, el nuevo Final Cut Pro X también incluye la función de sincronización automática de audio y video (a la manera de Plural Eyes), lo que redundará en un ahorro de miles de horas-hombre (u horas-mujer, según sea el caso) en algo que, más que una tarea, es un verdadero karma en vida. El timeline también se muestran en tiempo real las ondas de sonido, los picos de saturación, nuevas herramientas de fundidos y control automático del número de pistas.

Como en iMovie, el FCPX puede estabilizar la imagen, corregir el balance sonoro y reducir el ruido ambiental de forma automática al realizar la ingestión de material. También puede detectar automáticamente escenas, valores de plano, velocidad de fotogramas y rostros —individuales y en grupo— y organizar todo en colecciones inteligentes. Esto quiere decir, por ejemplo, que podrás tener carpetas con todos los primeros planos de tu película o con todos las tomas de cada uno de tus actores.

En un modo de presentación llamado Auditioning, se pueden reproducir diferentes versiones del montaje. Finalmente, otras novedades que despertarán la devoción de postproductores de toda clase: entre las nuevas opciones de corrección avanzadas de color se incluye la posibilidad de equiparar el color de dos tomas distintas con un sólo golpe de ratón. Es decir, con un sólo clic.

Visto todo lo anterior —que sólo es una versión sin terminar de la aplicación, ojo— no nos queda más que decir: gracias San Jobs por los favores recibidos. Sólo esperemos que, como suele suceder con Apple, a cambio de estas mejoras no perdamos herramientas invaluables del pasado, como Cinema Tools

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Albert Pyun, el cine basura 2.0 y la autodistribución

Albert Pyun, en acción

Albert Pyun, en acción

(Por: Juan José Espinoza Aguilar) Es poco probable que el nombre Albert Pyun le suene familiar al espectador promedio, es casi imposible que aparezca en alguna compilación de directores importantes de los últimos 20 años, y a no ser por la facilidad que proporciona el internet actualmente, sin poder “googlear” su nombre no sabríamos realmente quien es.

En cambio, para quienes hasta hace poco disfrutamos de pasar horas y horas metidos de cabeza en algún videoclub buscando alguna película en particular, el nombre de Albert Pyun es probable que signifique algo. Pues Pyun es artífice de muchas películas que los entendidos llegamos a conocer como “carne de videoclub”. Ustedes saben, esa cantidad de películas con nombres extravagantes que se amontonaban en cualquier videoclub respetable y que algunas veces pasaban décadas acumulando polvo pues nadie con un “verdadero sentido del gusto” iba a alquilar películas con títulos como: Nemesis 4, Kickboxer 4, Alien from L.A., Radiactive Dreams, etc. De hecho si algún cinéfilo “serio” alguna vez reconocía haber visto una de las “obras” de Pyun, casi siempre era el resultado de un accidente o sencillamente de una forma de matar el tiempo a falta de hacer algo mejor.

Road to Hell, otra de Pyun

Road to Hell, otra de Pyun

No es mi caso, tengo que aceptar que algunas de las películas de Pyun están en mi top 100, es más incluso soy de aquellos que, quizás tercamente, jura y perjura que el amigo tiene un estilo particular y que desde ese punto de vista idiosincrásico puede ser considerado como un “autor”. Es obvio que este escrito está parcializado, pero no es sobre la obra de Pyun o de su estilo que quería escribir, sino más bien de como el amigo está aprovechando su fama y la facilidad que proporcionan las herramientas de la web 2.0 para capitalizar ese cierto renombre que tiene.

Y en el caso de Pyun es interesante hacer notar que quizás son personas como el los que más resienten la desaparición de los videoclubs como forma de distribución de cine. Porque a una Warner Bros. o a una Twentieth Century Fox se les hace más fácil cruzar de plataforma, pero a un Pyun o a cualquier otro fulanito de tal la dificultad de adaptarse es en teoría mayor. Digo en teoría porque las herramientas actuales que permiten hacer promoción son infinitas.

Pyun elabora sobre lo que el considera uno de los principales problemas para el cineasta independiente y la promoción de las películas:

“Los cineastas tienden a abandonar su apoyo por la película terminada demasiado rápido, según yo lo veo. Luego de hacer una película estás agotado y lo más probable es que te sientas desmotivado y casi siempre quieres comenzar el próximo proyecto lo antes posible. Así que es natural que en lo concerniente a la distribución siempre hay fallas, deficiencias, etc. que se evidencian en que casi nunca sabemos nada de estas películas independientes”.

Albert Pyun, incansable

Albert Pyun, incansable

Con el advenimiento de las redes sociales, la capacidad de autopromoción se convirtió en una realidad más palpable y posible, y Pyun ha venido trabajando sobre esto desde hace casi 6 años. Al ser uno de los primeros realizadores en usar una cuenta de Myspace, Facebook, Twitter, etc. Incluso la capacidad de proyectarse en espacios del internet que hasta hace poco eran exclusivos de películas de estudio ahora es posible gracias a estas herramientas. Pyun concede entrevistas a casi todos los sites relacionados al cine con mayor tráfico en la red (Slashfilm, Joblo, Aint Cool News, etc.) y allí explica que prácticamente la forma en que ahora opera remite a los inicios del cine como tal:

“Es como cuando Samuel Goldwyn (MGM) y Carl Laemmle (Universal) iban de pueblo en pueblo vendiendo y mostrando sus películas. No es tan divertido o ‘artístico’ pero es lo que en última instancia le permite al cineasta continuar haciendo películas. Un fin que justifica los medios”

Fue con Infection (2005), su última película de estudio, por así decirlo, que Pyun se dio cuenta que el modelo de los estudios termina por machacar al cineasta independiente, y si tu meta es vivir de tu trabajo estás siempre en desventaja, siempre terminarás debiéndole a alguien. De acuerdo a Pyun todas las ganancias deberían ir en última instancia al cineasta:

“Los ingresos de una película tienen una larga vida. Por eso es que las librerías de los estudios son su piedra angular. Son sus principales activos. Una de mis películas (presupuesto: 300 mil dólares) produjo una ganancia de 600 mil luego de estar 9 años en el mercado de video casero, y eso es solamente en EEUU. Así que las películas tienen una vida larga. ¿Por qué solo los estudios disfrutan de estas ganancias cuando debería ir al cineasta?”

Pyun, de culto

Pyun, de culto

Según como yo lo veo a la larga no sólo estás ganando una independencia económica sino que eso repercutirá en tus límites como creador. Al ser dueño casi absoluto de la película tus decisiones creativas no estarán repartidas entre varios. Y eso es algo que, según yo tengo entendido, todos los cineastas buscan de una u otra forma.

El cineasta incluso termina teniendo la libertad de decidir como se verá la película (exhibición en salas, descargas electrónicas, DVD/Blu Ray, etc.) y en este caso en particular Pyun parece estar botando la casa por la ventana. Por ejemplo con su película Bulletface (2010), desde su página Pyun ofrece una infinidad de opciones para adquirir la mencionada cinta.

Pyun ha ido hasta el punto de mostrar todo el proceso de realización de una película en las redes sociales. Con su última película Tales of an Ancient Empire (2011) que es una secuela de su ópera prima, The Sword and the Sorcerer (1982), Pyun ha ido describiendo todo el trayecto desde la idea hasta la distribución, incluso ha ido hasta el punto de pedir la opinión de quienes frecuentan su blog y su página para decidir el montaje del trailer, el poster, etc. De esa manera involucrando a su potencial público en la realización de la película.

Este punto en particular me hizo recordar a Trent Reznor y la forma en que ha venido autopromocionando y distribuyendo el nuevo material de Nine Inch Nails luego de su definitivo divorcio de las disqueras. Un divorcio que curiosamente tiene razones similares a las que hace referencia Pyun, ¿por que el creador no disfruta igualmente de las ganancias de la obra creada?

Albert Pyun | Página Oficial | Blog | Facebook | Vimeo | Twitter

Bulletface | Trailer

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Descubren mensajes ocultos en trailer de Súper 8

Busca y encuentra las claves escondidas en el Super 8

Busca y encuentra las claves escondidas en el Super 8

Disculpen el titular tremendista, más propio de un tabloide de crónica roja, que de una página de cine. Pero es que no lo he podido evitar. Entre otras cosas, porque ¿qué escritor no ha soñado alguna vez con escribir en uno de esos tabloides?.

Resulta que se aproxima el estreno de la última cinta de J.J. Abrams, Súper 8, y su autor ya ha comenzado a hacer lo que mejor sabe hacer: abrir el apetito de los espectadores por el misterio, por la resolución de enigmas. Lo hizo hasta la saciedad con Cloverfiled y, ni se diga, con Lost y Fringe.

Ahora es el turno de Súper 8, su cinta más reciente. Hace menos se una semana, un nuevo trailer emergió en la red. Casi de inmediato, los fanáticos más obsesivos del realizador, devenidos en detectives cinematográficos, comenzaron a escudriñarlo con lupa, cuadro a cuadro, buscando claves ocultas y pistas. Los resultados no se hicieron esperar. Un buen ejemplo, la dirección s8editingroom.com que te lleva a una página diseñada como una vieja moviola de Súper 8.

Si consiguen más pistas, no dejen de compartirlas en nuestra sección de comentarios.

Súper 8 | Trailer

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Vía | Slashfilm

Tutorial: desentralazar video con Adobe After Effects

Este va a ser un post corto. Su título es tan ilustrativo como el video que encabeza estas líneas. Que no es más que un buen tutorial para…

Desentrelazar video con la ayuda del mejor programa de Adobe, el After Effects.

Un tutorial básico que no por ello menos útil.

Vía | Editando

Amazon quiere leer tu guión, ver tus demos y producir tu película

Amazon Studios

Amazon Studios

Esto es grande señores. Puede que muchos no se hayan enterado y no haya repercutido en la red con la fuerza que merece. Quizás, el anuncio de Facebook Messages y de The Beatles en la iTunes le hayan restado atención. Pero es grande: Amazon incursiona en la producción cinematográfica.

Entra a escena Amazon Studios, un enorme proyecto del gigante de ventas online para producir películas. Pero no las películas de los consagrados de Hollywood, sino las pequeñas producciones de cineastas independientes y jóvenes que buscan hacer carrera en el mundo del cine.

Amazon quiere leer los guiones de aspirantes a guionistas y ver las películas de prueba (test movies, animatics) o demos de los aspirantes a cineastas de todo el mundo. Hay más de dos millones y medio de dólares en premios. Habrá concursos anuales y mensuales. Y nada más este mes, los premios ascienden a 140 mil dólares: 100 mil para la mejor película y dos premios de 20 mil dólares para sendos guiones. Y, si la película llegara a ser producida y estrenada en las salas de cine, el guionista o realizador original recibirá un bono de 200 mil dólares.

Si además, la película supera los 60 millones en recaudación, recibirá un nuevo bono de 400 mil dólares. Nada mal, ¿no? Para comenzar, Amazon ha firmado un acuerdo con Warner Bros. Pictures. La idea de Amazon es democratizar el proceso de producción cinematográfica, darle mayores oportunidades a los nuevos talentos y abaratar los costos de producción, sin dejar de hacer dinero, claro está. Los guiones y demos serán reseñados, criticados y revisados por los usuarios de Amazon, lo que en teoría garantiza un estrecho contacto con el público desde el principio del proceso de proceso de producción. Sí, todo el asunto tiene un cierto sabor de “filmmaking open source” y “crowdsourced production”. Sólo que con mucho dinero de por medio.

Pendientes entonces con esto.

Vía | Media Decoder | Amazon Studios | Twitter

Harmony Korine se suma a Cinema Reloaded, interesante experimento del Rotterdam Film Festival

Harmony Korine

Harmony Korine

Aquí en BlogaCine hemos hablado con anterioridad de experiencias cinematográficas de crowd sourcing y crowd funding: A Swarm of Angels y Star Wreck, dos experimentos realizados y financiados en masa, por usuarios de todo el mundo a través de la red. También reseñamos la existencia de redes sociales dedicadas al desarrollo y financiamiento de proyectos. A saber, PopTent, IndieGoGo y, más recientemente, Kick Starter.

Sin embargo, habíamos pasado por alto una de las experiencias más interesantes: Cinema Reloaded. Creado por el Festival de Rotterdam, se trata de un ambicioso experimento de realización cinematográfica en la era digital. El proyecto, lanzado en diciembre pasado, tiene como principal objetivo permitir la interacción directa entre cineastas y su público, para distribuir y financiar sus proyectos en línea, bajo una modalidad que combina el crowd sourcing y crowd funding.

Como en los casos de IndieGoGo o Poptent, básicamente se trata de buscar financiamiento a través de los amantes del cine de todo el mundo, a través de un proceso coordinado y ejecutado vía web. Los usuarios colaboran invirtiendo en los proyectos pequeñas cantidades, comprando monedas de 5 euros. De esto modo, se convierten en coproductores del proyecto (sólo hay que invertir 5 monedas —25 euros— para que tu nombre aparezca en los créditos del film), lo que les permite interactuar directamente con el realizador, asistir al estreno de la película vía web (en video por demanda) o asistir al estreno en la próxima edición del próximo Festival de Rotterdam.

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Cinema Reloaded también vendrá acompañado de un año de discusiones y debates sobre las cuestiones y problemas suscitados por la experiencia, tanto en el festival como en línea. De paso, los realizadores bloguearán sobre la experiencia.

Hasta ahora, hay tres participantes: el argentino Alexis Dos Santos, con su proyecto Random Strangers; Ho Yuhang, de Malasia, cuyo proyecto no tiene título aún y el estadounidense Harmony Korine. Sí, el mismo de Julien Donkey-Boy, Gummo y Mister Loney. Korine se sumó apenas esta semana y ha escrito un primer post de antología:

Me gusta el cine me hace sentir muy bien. como cuando a veces como chocolate y gotea por mis mejillas y me recuerda la primera vez que le toqué los pezones a una niñas. su nombre era looloo y apestaba a palomitas de maíz. looloo trabajaba en un cine y a finales de los años 80 me dio una buena paja, de las de verdad, mientras yo veía la película goodfellas…

Así, todo en minúsculas. Para no perdérselo.

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Los tres realizadores deberán juntar entre 15 mil y 30 mil euros para arrancar con el rodaje de sus proyectos. Las películas deberán estar listas a principios del año que viene, para su estreno en el festival de Rotterdam.

Vía | IndieWire

Scott Pilgrim, adictivo trailer interactivo

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Puede que como yo, muchos de ustedes tampoco conozcan la serie de novelas gráficas de Scott Pilgrim. O puede que sí y yo sea el único viejo desubicado del grupo. No sé.

Lo cierto es que yo no sabía de la existencia de Scott Pilgrim y quizás sea esa la razón por la que no siento el mismo entusiasmo que otros en la red sobre la adaptación cinematográfica del cómic que acaba de estrenarse en los Estados Unidos y que fuera dirigida por Edgar Wright, el mismo de Shaund of the Dead y Hot Fuzz y protagonizada por Michael Cera.

Por otro lado, el trailer muestra una cinta llena de gags juveniles que quizás no atraiga a todo tipo de público, como los viejos desubicados como yo —aunque en mi descargo puedo decir que vengo del mundo de los juegos de videos en dos dimensiones y con un puñado de pixeles, cosa que muchos jóvenes de hoy en día sólo conocen por simuladores.

Lo que sí es verdad es que su campaña viral está siendo tan divertida como lo parece la película en los trailers. Por ejemplo, este trailer interactivo. Pero mosca: si van a jugar con él, asegúrense de que sea en un verdadero momento de ocio, sin trabajo acumulado por hacer ni cosas pendientes; pues es sumamente adictivo y pueden llegar a perder, fácil, toda una mañana.

También hay que mencionar todo el material generado por los fanáticos de la serie de novelas de Bryan Lee O’Malley. Scott Pilgrimage es un set fotográfico de Flickr que compara la representación de la ciudad en el cómic con el Toronto real.

Finalmente, la intervención de Jason Schwartzman y Micheal Cera, como meteorólogos, en un noticiero. Un video que no está relacionado sino tangencialmente con la película, peor que resulta igual de divertido de ver:

Scott Pilgrim vs. The World | Página oficial

¡Psst! ¡Psst! ¿Buscando fondos para tu proyecto? Kickstarter te puede ayudar

Kickstarter es una red social para emprendedores y artistas con una buena idea en la cabeza, un proyecto bajo el brazo y los bolsillos vacíos.

Funciona bajo un esquema de todo o nada y la cosa va más o menos así: te inscribes en la página, publicas tu proyecto y haces tu petición. Tienes que adjudicarle un tiempo de expiración específico. Si al cabo de ese tiempo, que puede estar comprendido entre 1 y 90 días. Durante ese lapso, los interesados en invertir en hacer realidad tu idea, aportan los recursos a través de sus respectivas tarjetas de crédito.

Si al cabo del vencimiento del período asignado para la búsqueda de recursos consigues asegurar el 100 por ciento del dinero, el sistema carga las tarjetas de tus inversionistas y recibirás luego un lindo cheque para filmar esa película con la que sueñas. Si no consigues el 100 por ciento, pues nada, te toca repensar tu idea y volver a intentarlo.

La red está dirigida a cineastas, artistas, músicos, diseñadores, atletas, aventureros, ilustradores, exploradores, curadores, promotores, actores…

¿Cansado de esperar que los organismos oficiales aprueben esa películas de zombies vegetarianos con que sueñas? Prueba Kickstarter. A lo mejor, la pegas…

Vía | The New York Times