Isla de las Flores, de Jorge Furtado, uno de los mejores cortos documentales de la historia

Ilha das Flores, de Jorge Furtado

Ilha das Flores, de Jorge Furtado

Primero fue una documentalista chilena en Morelia.

Días después de mi pitch inicial, me contó que la estructura de mi presentación de alguna manera entraba en contradicción con mi propuesta de realización del documental. En un principio, la estructura narrativa del documental que yo había pichado le recordaba a La isla de las flores, “donde una cosa llevaba a la otra”. Yo no tenía idea de qué me estaba hablando. A ella le extrañó que yo no conociera el corto. Le extrañó mucho. Al parecer, era un corto documental muy, muy, muy famoso. Me recomendó verlo.

Pasó el tiempo. No volví a comunicarme con la documentalista chilena. Olvidé el título del documental que me recomendó. Supuse que se trataba de un documental chileno. Hace algunas semanas, en Fortaleza, camino de regreso al hotel después de las proyecciones, el nombre de Jorge Furtado saltó en una conversación entre Unai Guerra, curador de la muestra de cine vasco que se exhibía en Cine Ceará, y Jon, documentalista vasco. Jon no conocía a Furtado. Yo sabía que era el director de uno de los cortos de la serie South, de The Channel 4. Yo había producido y dirigido Sólo Nosotros y los Dinosaurios para la misma serie. Guerra explicó que Furtado había realizado uno de los mejores documentales de la historia: Ilha das Flores.

Días después, Valéria Dallegrave, periodista y bloguera brasileña, me hizo llegar el enlace al corto, publicado en Youtube.

¿Y saben qué? Tienen razón: es uno de los mejores cortos documentales de la historia del cine, no ya brasileño, sino mundial.

Lo que en principio no es más que la historia de un tomate, desde su origen en una plantación hasta el basurero, por obra y gracia del humor negro, poco a poco se transforma en una cruel y profunda reflexión sobre la condición humana. De la miseria humana, acaso sea más apropiado decir.

Isla de las Flores ganó el Oso de Plata en Berlín, fue elegido el corto del año 90 en Brasil y en 1995, fue incluido por la crítica francesa en la lista de los 100 cortometrajes más importantes del cine. Es el trabajo de un genio, sin lugar a dudas. La verdad es que si alguno de mis trabajos llegara a tener al menos el 1% de la genialidad de este corto, podría bajar tranquilo al sepulcro.

Ilha das Flores | Subtitulad al español

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Reporte de taquilla del cine venezolano, fin de semana del 24.06.2011

Dudamel, el sonido de los niños, de Alberto Arvelo

Dudamel, el sonido de los niños, de Alberto Arvelo


Desde hace algunas semanas, cada lunes Rodrigo Llamozas [@yosoyrorro], uno de los cerebros tras la empresa de mercadeo cinematográfico Cameo, junto a Ana Valentina Hernández, publica en su perfil de Facebook un iluminador reporte de la taquilla del cine venezolano. Le hemos pedido permiso para compartir tan interesante información con nuestros lectores.

(Por: Rodrigo Llamozas) El fin de semana de puente fue bueno para la taquilla, con cifras que en promedio superaron a las de la semana pasada, pero también tuvo un impacto negativo el día domingo: la gente que regresa a sus casas tras haber salido por el puente no tiene tiempo, ni ganas de ir al cine, por lo que los totales de ese día son inferiores a los del sábado (los domingos compiten con los lunes por ser el mejor día de la semana en cuanto a cantidad de espectadores)

Es importante notar que aún no se han contabilizado los totales del jueves 23 de junio, no porque los exhibidores sean malucos, sino por el mismo puente. Al no trabajar el viernes 24 no se sumaron, y no aparecen en los acumulados de las películas. Con seguridad esta misma semana ya estarán incluidas esas cifras.

Entrando ya en detalle, DUDAMEL, EL SONIDO DE LOS NIÑOS es la cinta nacional de mayor presencia actualmente. No solo por tener la mayor cantidad de copias (15), sino por el rendimiento de las mismas. En su tercer fin de semana fue vista por 7.560 personas, siendo este el total más alto entre sus tres fines de semana desde el estreno (y un crecimiento de casi 28% sobre el fin pasado). El acumulado de la película de Alberto Arvelo ahora está en 30.496 — aunque conociendo que los números del jueves 23 aún no se han contabilizado, debe estar muy cerca de 32.000 espectadores. Al terminar esta semana se debe mantener en la gran mayoría de las salas donde se encuentra, por lo que proyecta a terminar su corrida por encima de TOCAR Y LUCHAR, película con la que inevitablemente hay que hacer la comparación. DUDAMEL debe cerrar el jueves próximo con unos 36.000 espectadores

Aún con fuerza le sigue REVERON, la premiada obra de Diego Rísquez, que acumula 48.894 admisiones, pero como debemos aplicar las mismas condiciones (no hay data del 23), es muy posible que en realidad ya esté por encima de los 50.000, convirtiéndose así en apenas la segunda película Venezolana en lograrlo en 2011 (EL CHICO QUE MIENTE lo hizo cuando apenas tenía 18 días en cartelera, mientras que REVERON lo logró en su día n° 31). Debe terminar la semana con unos 53.500 espectadores, perdiendo apenas un pequeño número de copias, por lo que debe continuar su corrida con cierta tranquilidad, proyectando alcanzar al menos los 65.000 espectadores

ULTIMO CUERPO está entrando su recta final. Se mantiene con mucha fuerza en Puerto Ordaz (CU Orinokia), donde ya logró el promedio de esta semana, garantizando que continuará en esa plaza por octava semana seguida (el total de admitidos de ese cine es más del doble que el de cualquier otro cine donde se haya exhibido la película de Carlos Malavé). A la fecha suma al menos 29.772 espectadores, y probablemente ya esté por encima de los 30.000. Debe salir de cartelera con unos 31.500 aproximadamente

CORTOS INTERRUPTUS entró esta semana en San Cristóbal (CU Sambil), pero viene en franca caída. Suma oficialmente 23.613 espectadores (o unos 24.000 en realidad, tomando en cuenta los faltantes del jueves 23). Se ve difícil que se mantenga en muchos cines después de este jueves, cuando debe estar alcanzando los 25.000 espectadores. Faltándole únicamente Puerto Ordaz por llegar (entre las plazas de mayor tamaño), las probabilidades de que supere las 30.000 admisiones son existentes, pero bajas

DIAS DE PODER creció con respecto al fin de semana pasado (2%), pero mantiene totales muy bajos que no aparentan ser suficientes para cumplir los promedios en los cines donde se encuentra programada, por lo que pareciera inevitable que pierda prácticamente todas las salas donde se encuentra actualmente. Sin embargo, hay varias plazas importantes a donde aún no ha llegado (Puerto Ordaz, San Cristóbal, Porlamar, Maturín), así que aún le quedan varias semanas en la cartelera nacional. Hasta ayer acumulaba 12.670 (seguramente más de 13.000 al contabilizar los faltantes) así que la cinta dirigida por Román Chalbaud todavía mantiene la opción de llegar a 20.000 antes de salir definitivamente de las pantallas

SAMUEL, de César Lucena, no estuvo programada en ningún cine esta semana (o al menos ninguno la reportó aún), pero aún tiene varias ciudades por visitar, así que seguramente este viernes regrese a las carteleras y siga acumulando sobre los 14.472 espectadores que lleva en siete semanas desde su estreno. Aún necesita unos 5.000 espectadores para dar caza a HABANA-HAVANA, la otra película de Cine Atomo (dirigida por Alberto Arvelo)

Estamos en la última semana de junio, y aunque ya se han visto taquilleros estrenos de verano como FAST FIVE (750.000+ espectadores), KUNG FU PANDA 2 (640.000+) y PIRATES OF THE CARIBBEAN: ON STRANGER TIDES (925.000+), recién está arrancando la temporada de blockbusters y los meses de julio y agosto son los dos con mayor cantidad de asistencia al cine en el año, así que aquellas películas que se encuentren en cartelera podrán aprovechar el enorme flujo humano que llena las salas

El próximo estreno de Cine Venezolano sigue siendo UNA MIRADA AL MAR, de Andrea Rios (producida por La Villa del Cine), que tiene fecha de lanzamiento para el 08 de julio…

Dudamel, El Sonido de los Niños | Trailer

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Cine y periodismo: el nauseabundo hedor del éxito de Walter Winchell (y II)

Tony Curtis y Burt Lancaster olfatean el éxito

Tony Curtis y Burt Lancaster olfatean el éxito

[Leer la primera parte] Burt Lancaster y Tony Curtis protagonizaban una oscura y ácida sátira del winchellismo, en un ambiente de corrupción moral a ritmo de jazz cortesía de Elmer Berstein y el Chico Hamilton Quintet. Curtis es Sidney Falco, un agente de prensa al borde de la bancarrota que sale sin abrigo a la noche invernal newyorkina para ahorrarse las propinas de los guardarropas. Amoral, inescrupuloso, arribista y adulante cuando le conviene, es una galleta full de arsénico.

Falco vive a la sombra, o más bien depende de J.J. Hunsecker, todopoderoso columnista, más retorcido que una cesta de Pretzels, creado a imagen y semejanza de Winchell e interpretado de forma aterradora por un estilizado y perverso Lancaster. Sidney le cobra a sus clientes por su acceso a Hunsecker. Pero el columnista lo ha castigado y no publica sus “datos”. Sidney le ha fallado en la misión que le encomendara: romper la relación que mantiene su hermana Susan Hundsecker con Steve Dallas, un joven guitarrista del un quinteto de jazz.

Falco (Curtis) se interpone entre Susan Hundsecker (Susan Harrison) y Steve Dallas (Martin Milner)

Falco (Curtis) se interpone entre Susan Hundsecker (Susan Harrison) y Steve Dallas (Martin Milner)

Lancaster y Curtis, insuperables en sus respectivos personajes, desarrollan una perfecta relación de amor/odio. Hunsecker desprecia al vanidoso y trepador Falco pero le necesita para acabar con la relación de su amada hermanita (lo de “amada” es literal). Sidney aborrece al arrogante columnista, pero depende de él para subsistir y, lo más importante, para llegar arriba, allí donde todo es suave y bueno. Hunsecker es su escalera dorada. Su relación es como la de los viejos matrimonios, simbiótica como la del periodismo y el cine.

Dos tercios, o más bien, dos actos de las película transcurren durante la noche, alrededor de Broadway: night clubs atestados de cuerpos sudorosos y humo, aceras llenas de figuras oscuras que se mueven en dirección a ninguna parte, calles barridas por luces de automóviles, rostros iluminados de forma intermitente por el titilar del neón. James Wong Howe retrata de forma magistral, en asombroso blanco y negro, ese bajo mundo de traiciones y lealtades vendidas, prostitución e incesto, ambición y avaricia, donde se mueven como sabandijas los personajes dirigidos por Alexander Mackendrick. Casi todos los personajes de Sweet Smell of Success tienen su precio, son susceptibles de corromperse. Lo peor es que no les importa. Hasta lo desean.

La puesta en escena de Mackendrick es efectiva y económica, con el encuadre y los movimientos de los personajes al servicio de las cambiantes relaciones de poder.

Hundsecker (Lancaster) con la ciudad y la noche a sus pies

Hundsecker (Lancaster) con la ciudad y la noche a sus pies

Se trata de una sátira tan dura y oscura, tan vil y dolorosa que resulta incómoda de ver.

El diálogo, duro, agudo, ingenioso, veloz, que a ratos suena tan ingenioso y mordaz como una columna de Winchell, es una de las razones por las que el film ha pasado a la historia del cine.

En su mayor parte es mérito del dramaturgo Clifford Odets, quien escribió el guión junto a Mackendrick y Ernest Lehman, basado en la noveleta del mismo Lehman. El libro de Lehman era un recuento de sus experiencias como agente de prensa bajo los servicios de Irving Hoffman, también agente de prensa y columnista de The Hollywood Reporter. Odets, por su parte, de alguna manera estuvo ligado a Winchell y McCarthy. Testificó ante el famoso Comité de Actividades Antiamericanas, renegó de sus afiliaciones izquierdistas y cooperó dando algunos nombres. Su testimonio lo atormentaría hasta el final de sus días. Acaso su obsesivo, impecable, magistral trabajo en Sweet Smell of Success era acaso su manera de reivindicarse, una forma de ajustar cuentas consigo mismo.

Susan y Sidney discuten sobre su relación con Dallas: un buen ejemplo de la economía visual en la dirección de Mackendrick

Susan y Sidney discuten sobre su relación con Dallas: un buen ejemplo de la economía visual en la dirección de Mackendrick

La película no tuvo el éxito esperado. La crítica, acaso porque la influencia de Winchell no se había despejado del todo en el mundo periodístico, o quizás porque se veía mal retratada en el film, se ensañó con la cinta. El público tampoco respondió. Pocos soportaban ver a dos de sus ídolos, el portentoso Lancaster, el buenmozo Curtis, en la piel de semejantes alimañas. El pase de factura de Hollywood contra Wilchell fue relegado al olvido. Pero no de forma definitiva.

Después un intento fallido en la televisión y de prestar su voz para narrar la serie The Untouchables, con su reputación seriamente lesionada por su relación con el mccarthismo, Winchell se retiró. Desempleado y enfermo, en sus últimos días esperaba la muerte encerrado en una habitación de hotel, escribiendo columnas que nadie publicaba y que colgaba en un gancho de en la pared. A su funeral sólo asistiría una persona. Pronto su —negativo— legado periodístico sería olvidado. El cine le dedicaría una película más, una biografía televisiva protagonizada por Stanley Tucci y producida por la cadena HBO.

J.J. Hundsecker, un hombre en la cima

J.J. Hundsecker, un hombre en la cima

Sweet Smell of Success, en cambio, ha ido creciendo con el tiempo hasta convertirse en una obra esencial del séptimo arte.

Sus influencias pueden trazarse hasta obras tan cercanas como The Social Network, de David Fincher, según apunta Danny Leigh, in The Guardian. Leigh compara a Hunsecker con Zuckerberg, a Sean Parker con Sidney Falco; el diálogo de Sorkin con el de Odets. Scorsese tiene Sweet Smell of Success entre sus favoritas. Es inevitable pensar en Taxi Driver al admirar las escenas nocturnas filmadas por James Wong Howe. Según Roger Ebert, en el vestíbulo del Brill Building, donse según el film vive J.J. Hunsecker, se filmó una de las escenas de la película de Scorsese.

Finalmente, Sweet Smell o Success sería elegida para su preservación por el Archivo Fílmico Nacional de la Librería del Congreso de los Estados Unidos por su significancia estética, histórica y cultural.

Sweet Smell of Success | Wikipedia | IMDb

Cine y periodismo: el nauseabundo hedor del éxito de Walter Winchell (I)

Sweet Smeell of Success, de Alexander Mackendrick

Sweet Smeell of Success, de Alexander Mackendrick

La relación entre el cine y el periodismo es como la de esos viejos matrimonios donde nadie se soporta, pero que se mantienen unidos porque no pueden vivir sin el otro.

Por cerca de un siglo, cierta clase de periodismo ha vivido de las miserias del cine, de los divorcios e infidelidades de sus estrellas, de sus chismes, de sus borracheras, de sus metidas de pata, de sus frivolidades y de sus excesos. Los columnistas de los grandes diarios amarillistas estadounidenses —Louella Parsons, Hedda Hopper, el joven Ed Sullivan— hacían y deshacían carreras y matrimonios, creaban éxitos y provocaban fracasos. Premiaban y condenaban. Allí está el triste recuerdo del fin de Roscoe “Fatty” Arbuckle, por ejemplo.

Walter Winchell, de todopoderoso a columnista olvidado

Walter Winchell, de todopoderoso a columnista olvidado

Parsons, Hooper e, incluso, Sullivan tan sólo fueron pálidos imitadores de Walter Winchell, el columnista estadounidense más poderoso del siglo XX. Cortejado por estrellas y políticos en ascenso, celebridades y agentes de prensa, Winchell creó e impuso un estilo de periodismo de opinión en el que mezclaba chismes, rumores, datos sin confirmar, comentarios satíricos, sarcasmo. Era tan temido como odiado. Podía crear un éxito con sólo un párrafo y hundir una carrera con la combinación adecuada de palabras en una frase. Su estilo de escritura era rápido, incisivo y letal como el stacatto de una ametralladora. Cortas frases, muchas veces incompletas. Párrafos sucintos, separados por puntos suspensivos. Todo, revuelto y salpicado de jerga. Incluso, expresiones que no existían, que el inventaba y popularizaba. Su estilo originó los términos Winchellism y Winchellese (algo así como winchellismo y winchellada).

Sus columnas, publicadas en varios diarios de costa a costa de los Estados Unidos, eran devoradas ávidamente por 20 millones de lectores. Su programa radial dominical, donde era capaz de alcanzar velocidades cercanas a las 240 palabras por minuto al hablar, con el fondo sonoro de un teletipo en acción, era escuchado por 30 millones de radioescuchas más. Se calcula que Winchell llegó a alcanzar alrededor de 60 millones de estadounidenses en el clímax de su popularidad.

Tony Curtis y Burt Lancaster olfatean el éxito

Tony Curtis y Burt Lancaster olfatean el éxito

El cine fue uno de sus blancos preferidos. Sobre todo, cuando se alió con el senador Joseph McCarthy en su histérica cruzada anticomunista. Ya es sabido que cuando el periodismo, así sea el sensacionalista, se junta con la política, independientemente de la orientación ideológica, termina perdiendo el periodismo. De modo que cuando comenzó la caída del senador, comenzó el ocaso del todopoderoso columnista. Y a Hollywood le llegó su momento de pasar su factura.

Fue por esos días cuando Warner Bros. estrenó Sweet Smell of Success. (Continúa…)

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Octubre, en Venezuela

Octubre, de los hermanos Vega

Octubre, de los hermanos Vega

Aún estoy tratando de retomar el ritmo de publicación, después de la cobertura del Festival de Cine Ceará. Por ejemplo, este post, que le debo a mi amiga Aldrina Valenzuela, debió ser escrito y publicado el viernes pasado, cuando aún estaba bajo la influencia del jet lag provocado por la diferencia horaria entre Brasil y Venezuela: dos horas y media :-)

Octubre, el film peruano ganador del premio del Jurado en la sección Un Certain Regard en Cannes 2010, se exhibe de forma limitada en cines de la capital venezolana. La cinta ha sido escrita y dirigida por los hermanos Daniel y Diego Vega y rodado con un reducido presupuesto. Apenas 75 mil dólares (o 322 mil 500 bolívares fuertes al cambio oficial de 4,3 por dólar).

Clemente, un prestamista poco comunicativo, es la nueva esperanza para Sofía, vecina, soltera y devota del culto de octubre al Señor de los Milagros. Los une una bebé recién nacida, fruto de la relación de Clemente con una prostituta desaparecida. Mientras Clemente busca a la madre de la niña, Sofía cuida de la bebé y se hace cargo de la casa del prestamista. Con la llegada de estos dos seres a su vida, Clemente tiene la oportunidad de reconsiderar sus lazos emocionales con la gente.

A propósito de su selección en Cannes, el año pasado publicamos detalles de su producción. El film fue financiado con fondos internacionales mayoritariamente y fue coproducido por la productora venezolana Sue Cinema a través del Programa Ibermedia, fondo iberoamericano de coproducción.

En aquella oportunidad, publicamos la ruta crítica del proyecto, extraída del estupendo blog Cinencuentro:

  • Octubre, una producción de Maretazo Cine/Lucas Creative Co SAC, obtuvo el apoyo del Programa Ibermedia para desarrollo el 2007 y coproducción el 2008; The Global Film Initiative el 2008 (EE.UU.); Fondo EED & EZEF (Alemania); Concurso de Proyectos de Largometraje de ficción Conacine del 2009 (Perú).
  • Fue invitado a los Mannheim Meetings el 2007 (Alemania); III Encuentro de Coproducción Iberoamericano del 2007 (México); IBERTALENT (España).
  • Fue seleccionado para la Beca de la Fundación Carolina-Casa América (2006, este fue el primer apoyo obtenido) y el Instituto Cervantes (Brasil); Laboratorio de Escritura de la Fundación Toscano y el Instituto Sundance (México); IV Beca de Desarrollo de Proyectos de la Fundación Carolina y Casa América (España).
  • Obtuvieron el premio “En construcción” convocado por Cinecolor y Conacine durante el Festival de Cine de Lima del 2009.

Octubre está protagonizada por Bruno Odar, Gabriela Velásquez, Carlos Gasols, María Carbajal y Sheryl Sánchez Mesco.

http://www.dailymotion.com/video/xd4rvw

Final Cut Pro X, a la venta ya

Final Cut Pro X entra al maravilloso mundo de los 64-bits

Final Cut Pro X entra al maravilloso mundo de los 64-bits

Por fin ha llegado el momento que, al menos yo estaba esperando: ha salido a la venta el Final Cut Pro X, la nueva versión de la popular herramienta de edición no lineal de Apple.

La razón por la que he esperaba esta aplicación es sencilla: estoy trabajando con cámaras DSLR y si me pongo a transcodificar todo el material a Apple ProRes, me voy a tardar toda una vida antes de llegar a la fase de edición. Final Cut Pro X ofrece edición nativa de H.264 de cámaras DSLR, entre otros apetecibles, apetitosos adelantos (como el de la sincronización automática, el timeline magnético, el aprovechamiento de la arquitectura de 64-bit o la posibilidad de trabajar con material de RED de forma nativa).

Además está la cuestión del precio: “apenas” 299 dólares. No es moco de pavo, pero una buena rebaja si lo comparamos con los mil trescientos palos que costaba la versión anterior. Sí, ya sé que ese era el precio de la suite completa, pero resulta que muchas de las funciones de las otras aplicaciones han sido incluidas en esta versión. Por ejemplo, ya se puede crear un DVD desde el FCPX mismo (¿adiós DVD Studio Pro?). O trabajar con sonido Surround 5.1 (¿Bye, bye, Soundtrack Pro?). O corregir el color (¿Sayonara, Color?):

Por otra parte, el precio de aplicaciones complementarias como Motion 5 y Compressor 4 también han recibido un recorte: “sólo” 49,99 dólares (entrecomillo porque nada que sea en dólares es barato para los venezolanos).

Tanto el nuevo Final Cut Pro X, como Motion 5 y Compressor 4 pueden (y deben) ser descargadas desde la tienta de aplicaciones de Apple.

Nota: ¿por qué el entusiasmo si muchas de estas funcionalidades estaban presentes en Adobe Premiere o Sony Vegas desde hace tiempo? Bueno, tengo casi una década trabajando con la herramienta de Apple. Aprender a utilizar una nueva aplicación a stas alturas, me resulta un tanto forzoso. Ya saben lo que dicen: loro viejo no aprende a hablar.

Nota final: aunque he dicho que estaba esperando este momento, voy a esperar un poquito más, a ver qué dicen los early adopters, antes de decidirme a dar el tarjetazo y acabarme de un sólo mamonazo el cupo de dólares para Internet. Es una sana medida ante todo nuevo lanzamiento de Apple. Uno nunca sabe con lo que te van a salir.

Madre e Hija arrasa en Cine Ceará 2011

Mãe e Filha, de Petrus Cariry

Mãe e Filha, de Petrus Cariry

El film del joven realizador Petrus Cariry, Madre e Hija, un trabajo contemplativo con marcadas influencias de Tarkovski y Bela Tarr se ha convertido en la gran ganadora de la edición 21 de Cine Ceará.

Después de una larga separación, madre e hija se encuentran en el sertón, ente ruinas y recuerdos. El destino de la hija niega el sueño de la madre. El pasado es un círculo que aprisiona los vivos y los muertos. La hija quiere romper, pero las sombras acechan.

A continuación, la lista completa de premios.

Competencia Iberoamericana de Largometraje:

  • Trofeo Mucuripe de Mejor Largometraje a “Mãe e Filha”, de Petrus Cariry;
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Dirección a Werner Schumann, por “O Coro”;
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Fotografía para Felipe Meneghel, por “O Coro”, de Werner Schumann;
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Edición para Ernest Blasi e Carlos Prieto, por “Bicicleta, Cuchara, Manzana”, de Carlos Bosch;
  • Trofeo Mucuripe de Mejor guión para Petrus Cariry, Firmino Holanda y Rosemberg Cariry, por “Mãe e Filha”, de Petrus Cariry;
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Sonido para Erico Paiva y Petrus Cariry, del film “Mãe e Filha”, de Petrus Cariry;
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Dirección de Arte para Fernando González, por “Pájaros de Papel”;
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Banda Sonora Original para Josep Sanou, por “Bicicleta, Cuchara, Manzana”, de Carlos Bosch;
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Atriz para Claudia Lapacó, por “Lengua Materna”
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Actor para Héctor Medina, por “Boleto al Paraíso”
  • Premio Banco do Nordeste de Mejor Producción de Temática Nordestina para “Mãe e Filha”, de Petrus Cariry;
  • Premio de la Crítica: “Mãe e Filha”, de Petrus Cariry;

Competencia Brasileña de Cortometraje:

  • Trofeo Mucuripe de Mejor Cortometraje a “O Céu no Andar de Baixo”, de Leonardo Cata Preta;
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Dirección a Murilo Hauser (por “Meu Medo”);
  • Trofeo Mucuripe de Mejor Guión para Rodolfo Barreto (por “Com a Mosca Azul”, de Cesar Netto);
  • Trofeo Mucuripe de Mejor producción cearense: “Doce de Coco”, de Allan Deberton;
  • Premio de la Crítica: “O Céu no Andar de Baixo”, de Leonardo Cata Preta.

Los lunes en Fortaleza [Cine Ceará 2011]

Paseo en dunas

Paseo en dunas

Día un pelo intenso el de ayer lunes en Fortaleza.

Prácticamente comenzó con un paseo en Buggy por las inmensas dunas de Cumbuco, zona playera ubicada al norte de la ciudad, a unos 40 minutos en automóvil. Bueno, quizás “paseo” no sea la mejor palabra para describir la adrenalínica experiencia.

Antes de iniciar el recorrido, los conductores te preguntan qué tipo de paseo quieres: “¿com emoção o sem emoção?“. Escojas la opción que escojas, te aseguro que a mitad del viaje puede que estés deseando que el viaje acabe, aterrorizado ante la posibilidad de que aquel bicho se voltee y, rodando duna abajo, vaya soltando cuerpos de turistas como caramelos en desfile de carnaval.

Debo admitir que es la segunda vez que tomo este paseo y que lo repetiría cuantas veces pudiera. Y siempre pediría lo mismo: “com emoção“.

Fe em Deus y John Lenon, las dos jangadas

Fe em Deus y John Lenon, las dos jangadas

Mientras recorremos las dunas, no puedo dejar de pensar en It’s all true, de Orson Welles. Claro, las de Cumbuco no son las dunas que aparecen en la película. Pero también esas desaparecieron hace rato y, en el mismo lugar, hay una enorme favela.

Concluido el recorrido en Buggy, ya en la playa y con la película de Welles en la cabeza, aprovecho para inspeccionar de cerca un par de jangadas varadas en la orilla con sus velas recogidas, la Fe em Deus y la John Lenon. Y la verdad es que uno no puede sino admirar el coraje y el arrojo de Jacare y sus colegas al lanzarse en una travesía Fortaleza-Rio de Janeiro en una embarcación tan enclenque y sin instrumentos de navegación.

Anoche se proyectaron otras dos películas en competencia, Lengua Materna, de la argentina Liliana Paolinelli y Homens con Cheiro de Flor, del cearense Joe Pimentel, cineasta de la casa. La primera es una amable, tierna comedia sobre la relación entre madre e hija cuando la muchacha decide confesar su homosexualidad.

Liliana Paolinelli

Liliana Paolinelli

No obstante, su directora no encasilla su película como cine gay:

Quería mostrar los cambios que ocurren en una relación entre madre e hija a partir de una revelación de tal envergadura. Ese era mi punto de partida. Una especie de hipótesis: ¿qué pasaría si mi madre se enterara de cosas que tiene muy cerca, pero que no sabe ni se imagina?

Hubo sin embargo cierta confusión, pues al estrenarse en el marco de la promulgación de la Ley de Matrimonio entre sexos idénticos, fue percibida como una cinta de temática gay. Entonces, los gays echaron de menos las escenas de sexo duro usualmente asociadas al cine gay, mientras que el público heterosexual no se acercaron a las salas creyendo que no era una cinta para ellos.

La historia tiene algunos referentes reales.

Como una noticia que leí sobre un mesonero que botó de un restaurante a un par de mujeres que estaban consolándose en un baño.

Paolinelli incluyó el episodio como un gag en el film. Sin embargo, aquí en Fortaleza, el mejor chiste fue uno completamente inesperado, accidental. En cierto momento de la trama, el personaje de la madre mide disimuladamente el tamaño del pie de la pareja de su hija, con la idea de comprarle un par de zapatos de andar por casa y sorprenderla con el regalo. Ese gesto casi imperceptible fue celebrado con una multitudinaria, sonora e inexplicable carcajada por la audiencia.

Y es que en Brasil se usa un curioso término para referirse, despectivamente, a una lesbiana: sapatão (zapato grande, zapatón o zapatote).

Joe Pimentel

Joe Pimentel

Homens com Cheiro de Flor, de Joe Pimentel es un retrato de la cultura del pistolagem nordestino contemporáneo. Su trama está habitada por coroneles, matadores —pistoleros a sueldo— y femmes fatales contra un paisaje natural digno de cualquier western. La caatinga según Leone o Peckinpah. Dice Pimentel:

Buscaba hacer un film sobre la violencia pero que se apartara del tema del cangaço y la violencia de los grandes centros urbanos. Al mismo tiempo quería hacer un film con tema nordestino, contemporáneo, sobre un fenómeno local. Quería mostrar cómo se fabrica un pistolero y tratar de mostrar la configuración económica y social de ese universo. Acaso sea éste el primer film brasileño que se sumerge en ese mundo.

Quería una película con referencias cinematográficas pero que al mismo tiempo dialogara con el público. Un film de matinée, pero huyendo de la linealidad narrativa de ese tipo de película, recurriendo a flash backs.

Debido a constricciones del presupuesto, la película fue rodada en su totalidad con una cámara Canon 5D. Para António Luiz Mendes, director de fotografía de la cinta, emplear aquella cámara para rodar un film de esta naturaleza fue todo un reto.

António Luiz Mendes

António Luiz Mendes

El digital te deja muy poco margen de maniobra para trabajar el color. Por eso nos decantamos por una propuesta que se acerca a la total ausencia de color. No obstante, no tratamos en ningún momento de imitar el look del celuloide.

Homens con Cheiro de Flor fue literalmente ovacionada por la audiencia. Pero lo mismo ha sucedido con todas las películas regionales, tanto cortos como largos, que se han exhibido en el festival. Tal parece que el cearense está muy orgulloso de su cine.

Aury Porto y Simone Iliescu, protagonistas de Homnes com Cheiro de Flor

Aury Porto y Simone Iliescu, protagonistas de Homnes com Cheiro de Flor

Después de las proyecciones vino la fiesta. La noche de los lunes suele ser festiva en Fortaleza. Me dicen que es la noche en la que se rumbea en la ciudad. Pero después de una semana aquí, donde se ha rumbeado todas y cada una de las noches, uno no sabría decir si es que en Fortaleza la fiesta del fin de semana termina los lunes. O apenas comienza.

Todos tus muertos, incómoda matanza [Cine Ceará 2011]

Harold De Vasten, uno de los protagonistas de Todos tus muertos

Harold De Vasten, uno de los protagonistas de Todos tus muertos

Debo admitir que Todos tus muertos, del colombiano Carlos Moreno (Perro come perro) me tomó por sorpresa. No esperaba un tratamiento tan inusual de un tema que siempre se presta a la solemnidad.

Me explico. La masacre en una zona rural colombiana recibe un enfoque inesperadamente surrealista, con desconcertantes toques de humor negro. Piensen en un cruce entre La Muerte de un Burócrata, de Tomás Gutiérrez Alea y The Trouble with Harry, de Alfred Hitchcock.

Según Harold De Vasten, coprotagonista del film, la trama se basa en un hecho real.
http://www.dailymotion.com/video/xgo87p

Se supo que en los linderos de dos pueblos del interior aparecieron un montón de cuerpos. Los alcaldes de ambas poblaciones comenzaron a echarse la culpa uno al otro. Ninguno quería hacerse cargo del asunto. Pero la noticia fue callada por los medios. Nunca fue reseñada ni llegó a conocerse. Se escogió el tono de fábula, de farsa, para evitar el rechazo del público. Sin embargo, el director Carlos Moreno, decidió mantener una suerte de distanciamiento bretchiano.

En el centro de la trama está un humilde parcero cuya vida se ve trastocada por la aparición de los cuerpos en su sembradío de maíz.

Es día de elecciones y Salvador trabaja sus tierras indiferente al revuelo electoral, hasta que se encuentra con una macabra sorpresa: durante la madrugada, alguien ha arrojado varios cadáveres que se amontonan en medio de sus cultivos de maíz. Al denunciar los hechos tropezará con el silencio que los políticos quieren imponer por no destapar un escándalo en tan señalada fecha.

De Vasten cuenta que el film se realizó bajo duras condiciones de rodaje, siempre con luz natural para capturar el color real de los maizales y el paisaje del valle del Cauca. El esfuerzo valió la pena, pues Todos tus muertos ganaría el premio a la mejor fotografía en el festival de Sundance.

Asalto al cine (mexicano), de Iria Gómez Concheiro [Cine Ceará 2011]

Iria Gómez Concheiro asalta el cine mexicano

Iria Gómez Concheiro asalta el cine mexicano

Ya la cosa se me puso intensa. Comienzan a acumularse los borradores —sobre el excelente documental Os ultimos cangaceiros, de Wolney Oliveira, sobre Operación Peter Pan, de la veterana documentalista estadounidense Estela Bravo— a medio terminar en el área administrativa de la página, mientras corro de un lado a otro para asistir a las proyecciones de la competencia oficial, algunas películas de las muestras paralelas, los homenajes y para cumplir con los panas.

Ahora estoy en la conferencia de prensa de la cinta mexicana Asalto al cine de la joven realizadora Iria Gómez Concheiro y la colombiana Todos tus muertos de Carlos Moreno.

El primero es la ópera prima de su directora, el resultado de cerca de siete años de trabajo. La idea surgió de una noticia.

Soy coleccionadora de recortes de periódico. Una vez, encontré una noticia titulada “Asalto de película”. Fue el origen de la película. Me di cuenta que se trataba de una buena oportunidad para hablar de la falta de espacios para los jóvenes mexicanos. Toda una generación de muchachos sin salida, que incluso han sido catalogados un poco despectivamente como “ni-nis”: ni estudian ni trabajan.

Dice su sinopsis:

Asalto al cine cuenta la historia de cuatro adolescentes: Negus, Chale, Sapo y Chata. Son amigos desde niños, viven en una unidad habitacional de la colonia Guerrero, y su adolescencia transcurre entre la necesidad de ocupar su tiempo y no encontrar cómo. Así empiezan a jugar con la idea de asaltar un cine. Cada uno, en función de sus conflictos, encuentra motivaciones para llevarlo a cabo. La aventura los orilla a enfrentarse con sus vidas y pone en riesgo lo único que tienen: la amistad.

Gómez aprovechó el tiempo que demoró la producción en arrancar para trabajar con sus actores y desarrollar vínculos emocionales con sus personajes. Se trata de nuevos actores, algunos no profesionales, con lo que trabajó durante ocho meses casi nueve horas diarias. Mientras que por el otro lado, asumió el riesgo de asignarle papeles secundarios y de figurantes a los grandes nombres del cine mexicano.

Fue mi manera metafórica de “asaltar” al cine mexicano. Pero fue un riesgo. Me preocupaba que pudiera afectar la naturalidad y el realismo de la historia.

Para reforzar el vínculo emocional, directo, con la escena y sus personajes, decidió operar ella misma la página.

Como soy bajita, con unos amigos herreros del centro cultural en el que trabajo, desarrollamos una especie de arnés o estabilizador, que me permitía hacer cámara en mano y al mismo tiempo, variar la altura del encuadre. Lo malo es que le añadía cinco kilos de peso a la cámara. Toda la película está hecha en cámara en mano. No usamos trípode. Y en algún caso que no usamos la cámara en mano, usamos un Steadycam. También lo operé yo.

Para Gómez era ineludible contar su historia en el actual momento histórico mexicano.

Hay que preguntarse por qué el 80 por ciento de los cerca de 44 mil muertos de los últimos cuatro años son menores de 25 años.

La película no pretende dar respuestas, que no tengo. Sino hablar de un momento histórico desde la perspectiva íntima de la fragmentación familia. El joven que asalta no es victimario, es víctima y me parecía importante contar sus razones. Los jóvenes mexicano viven en el “no se puede” y busca “que se pueda” pero por medios equivocados, acaso yendo contra lo establecido.

En su próxima película, La vida pasa, buscará ampliar esa misma búsqueda al ámbito latinoamericano al tratar el tema de los “falsos positivos” colombianos: jóvenes asesinados que los cuerpos policiales hacen pasar por guerrilleros para cobrar recompensas.

Creo que Todos tus muertos, de Moreno, merece su propio artículo.

Pasaje al Paraíso, el HIV en los tiempos del Período Especial cubano [Cine Ceará 2011]

Héctor Medina, protagonista de Boleto al Paraíso

Héctor Medina, protagonista de Boleto al Paraíso

El derrumbe del Bloque Socialista a finales de los años 80 y principios de los 90, hundió a la Revolución Cubana en su más terrible crisis económica. En 1993, los alimentos escaseaban en la isla, había largos apagones programados y prácticamente no existía combustible. En medio de la oscuridad de la noche, por las lúgubres y silenciosas calles habaneras, la población se desplazaba en bicicletas chinas, unos pesados armatostes que el gobierno había repartido entre los cubanos.

La prostitución, erradicada desde los primeros tiempos de la revolución, no tardó en reaparecer y la isla revivió sus días de destino para el turismo sexual. Con la prostitución, y con los combatientes que regresaban de la guerra de Angola, apareció una enfermedad hasta entonces casi desconocida en Cuba: el HIV. La respuesta de las autoridades revolucionarias fue encerrar a los contagiados en un sanatorio que, si mal no recuerdo, se llamaba (o se llama) Villa Los Cocos.

Allí se atendía a los pacientes, se les educaba, se les suministraban los medicamentos requeridos. Pero sólo podían salir de allí con un acompañante. La idea del gobierno era evitar a toda costa la difusión de la enfermedad.

En medio de la terrible crisis económica floreció la idea de que Villa Los Cocos era una especie de resort, donde los contagiados podían ver televisión por cable, disfrutar las tres comidas y de atenciones de todo tipo. La reputación de paraíso, de oasis en medio del desierto del Período Especial, creció particularmente entre los frikis, una tribu urbana de jóvenes metaleros, contraculturales, desarraigados, provenientes de hogares desmembrados.

Un poco para escapar de la miseria y de lo que pensaban era una existencia sin futuro, muchos frikis decidieron contagiarse de manera voluntaria, buscando se recluidos en Villa Los Cocos. Creían así poder ver televisión por cable y disfrutar de las comodidades del centro asistencias algún tiempo, hasta tanto se descubriera la cura de la enfermedad. Algo que, creían, estaba a la vuelta de la esquina.

Los rumores de contagios voluntarios recorrían la ciudad. No existía ningún tipo de confirmación oficial, pero eran muy comentados y conocido entre los frikis. Yo mismo, que estudiaba cine en esa época en Cuba, creía que no eran más que leyendas urbanas. Incluso, aún después de ver Azúcar Amarga, de León Ichaso, que tocaba el tema.

Frikis, pasajeros al paraíso

Frikis, pasajeros al paraíso

Ahora, el realizador cubano Gerardo Chijona confirma que, de leyenda, nada. En Boleto al Paraíso cuenta la historia de Alejandro y sus amigos frikis, quienes en una Habana que se cae a pedazos, asisten a conciertos de metal clandestinos, se prostituyen para mantener el alcoholismo de sus padres, se defienden como pueden de los asaltos sexuales de propios y extraños y juegan con la idea de contagiarse para ser recluidos en Villa Los Cocos.

Cuba, 1993. Eunice es una adolescente que huye del acoso sexual de su padre. Alejandro es un joven rockero que roba una farmacia y parte con un par de amigos hacia La Habana. Sus destinos se cruzan en la carretera y, juntos, deciden partir en busca de un Paraíso que marcará el resto de sus vidas.

El guión, escrito por Francisco Gacía, Maikel Rodríguez y el mismo Chijona, es una adaptación del libro Confesiones de un Médico, de Jorge Pérez Ávila, un especialista que laboró muchos años en el centro y conoce las historias de primera mano.

En el encuentro con los medios presentes en el festival, el joven actor Héctor Medina, protagonista del film, destacó el carácter polémico de la cinta, heredera de las grandes películas cubanas críticas de la revolución y la sociedad.

Es una película acertada, que crea debate, que no es para nada didáctica. Muestra con fidelidad la vida de los frikis de los años 90. Y generó mucha discusión en la isla cuando se exhibió.

El rumor de las piedras y Reverón, lo más premiado en Mérida

Reverón, de Diego Rísquez

Reverón, de Diego Rísquez

Los films más recientes de Alejandro Bellame y Diego Risquez, El Rumor de las Piedras y Reverón, barrieron anoche con los premios de la edición del 2001 del Festival de Cine de Mérida.

He aquí la lista completa:

  • MEJOR CÁMARA: Alexandra Henao y Jesús Ayala por El Rumor de las Piedras de Alejandro Bellame
  • MEJOR SONIDO: Lena Esquenazi por El Chico que Miente de Marité Ugás
  • ME JOR MÚSICA: Alejandro Blanco Uribe por Reverón
  • MEJOR MONTAJE: Moisés Durán, Ángel Manrique y Félix Colina por El Rumor de las Piedras de Alejandro Bellame
  • MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: Cezary Jaworski por Reverón
  • MEJOR DIRECIÓN DE ARTE: Diego Risquez por Reverón
  • MEJOR ACTRÍZ PRINCIPAL: Rossana Fernández por El Rumor de las piedras
  • MEJOR ACTOR PRINCIPAL: Luigi Sciamanna por Reverón
  • MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Sheila Monterola (Juanita) por Reverón
  • MEJOR ACTOR DE REPARTO: Cristian González, El Rumor de las Piedras
  • MEJOR GUIÓN: Alejandro Bellame y Valentina Saá por El Rumor de las Piedras
  • MEJOR OPERA PRIMA: Samuel de César Lucena
  • MEJOR DIRECIÓN: Diego Risquez por Reverón
  • MEJOR PELICULA: El Rumor de las Piedras de Alejandro Bellame
  • PREMIO DEL PÚBLICO: Reverón de Diego Rísquez

El rumor de las piedras es el segundo largometraje de Bellame, protagonizado por Rosana Fernández, Juan Carlos Nuñez y Christian González; cuenta con las actuaciones de Zapata 666, Verónica Arellano, Alberto Alifa, Laureano Olivarez y Aminta de Lara. Es la historia de Delia, una mujer trabajadora; quien dedica su vida entera a sus hijos, William y Santiago. Hace ya 10 años la naturaleza se llevó a su pequeña hija, obligándolos a refugiarse en una incómoda habitación de un barrio caraqueño. El peligro domina las calles, por lo que Delia velará día y noche para que sus hijos no formen parte de él.

Fueron once los largometrajes que se midieron en la competencia oficial: El rumor de las piedras, de Alejandro Bellame, Reverón (Diego Rísquez), Días de Poder de (Román Chalbaud), El chico que miente (Marité Ugas), Hora Menos (Frank Spano), Iyawo, La Justicia de Olofi (Jackson Gutierrez), Las Caras del Diablo y El Último Cuerpo (Carlos Malavé), Los pájaros se van con la muerte (Thaelman Urgelles), Samuel (César Lucena), y Una mirada al mar, de Andrea Ríos.

El jurado estuvo integrado por Luis Alberto Lamata, César Bolívar, Tuki Jencquel y Patricia Ortega por Venezuela; el jurado internacional lo conformó Carlos Sánchez Sosa (México), Lisandro Duque Naranjo (Colombia) y Maximiliano Gorriti (Argentina). (Con información de Cinemapress, Cameo y @betobenites)

Bajo el volcán, Caracas-Mérida-Fortaleza, II [Cine Ceará 2011]

Fortaleza, Ceará, esta mañana

Fortaleza, Ceará esta mañana

Al final no resultó catastrófico como me lo esperaba.

El avión a São Paulo salió al filo de la medianoche, tal y como lo habían anunciado los empleados de la aerolínea. Eso sí, una hora después, señores, fasten your seatbelts, it’s going to be a bumpy night, como diría Margo Channing. Aquel bicho comenzó a sacudirse, bambolearse, traquetear, chirriar y gemir de lo lindo. La madre de las turbulencias durante casi todo el trayecto (o eso me lo pareció). Se cae. No se cae. Ahí vamos pa’bajo, madre de Cristo. Ahora pa’rriba. Menos mal. No sé si las turbulencias tenían que ver con la erupción del Puyehue. Y si tienen que ver, muy mal hecho de su parte.

En Guarulhos, el aeropuerto de São Paulo, también estaba agitada la cosa por culpa del volcán. Río, como Montevideo, estaban cerrados. Y las filas para el check-in eran interminables. Por un momento pensé que perdería la conexión. No fue así.

Casi 20 horas después de salir de casa, aterrizaba en Fortaleza, con la sensación de que había retrocedido en el tiempo y en el espacio y en realidad el avión había aterrizado en el viejo aeropuerto de Grano de Oro, en Maracaibo. El perfil, el horizonte, el skyline de ambas ciudades es curiosamente muy parecido. También el calor, la temperatura de la cerveza y el aire acondicionado. Además del viento, salitroso, arenoso, que barre ambas ciudades. Creo que ya lo escribí antes, la vez pasada.

Ya en el hotel, por las caras demacradas, las expresiones desencajadas de los recién llegados, supe que no fui el único en sufrir los rigores de los atrasos ocasionados por la erupción del volcán. Mientras que los organizadores hacían malabarismos para rescatar a los extraviados, a los perdidos. Definitivamente, corrí con suerte. Habría podido ser peor. Al menos, no estoy varado en alguna sala de algún aeropuerto de quién sabe donde. También pude haber perdido mis maletas. Corrijo: la aerolínea pudo haber perdido mis maletas, como le ha sucedido a un par de colegas argentinos.

En todo caso, alrededor de las 7:00 pm, en el teatro José de Alencar, una hermosa construcción modernista —sí, del mismo estilo y época del Lía Bermudez maracucho—, con balcones de barandas de hierro forjado y sillas Luis XV en vez de butacas (bueno, digo yo que eran sillas Luis XV, aunque en realidad no lo sé a ciencia cierta, pero ya saben a qué tipo de sillas me refiero), se iniciaba la vigésimo primera edición del Festival de Cine Ceará.

Coro de Coelce

Coro de Coelce

El evento lo abrió al presentación del coro de Coelce, la compañía eléctrica de Ceará y lo cerró la película El Coro, de Werner Schumann. En medio, fue homenajeada la actriz brasileña Giula Gam y los niños participantes del taller de animación de La Casa Amarilla, destinado a jóvenes de favelas, mostraron su trabajo y recibieron sus certificados.

Giulia Gam, agradecida por el homenaje

Giulia Gam, agradecida por el homenaje

Para cerrar la ceremonia y abrir la competencia oficial del festival, Schumann presentó su película, El Coro, una cinta existencial protagonizada por personajes en conflicto consigo mismos.

El coro es un drama que acompaña la vida de algunos personajes durante el ensayo de una orquesta sinfónica en el sur de Brasil. Con sutileza y poesía, la película hace un retrato de la sociedad curitibana, mostrando los conflicto existenciales de cada personaje y de cómo el arte los une en sus diferencias y de cierto modo los redime existencialmente.

Werner Schumann presenta El Coro

Werner Schumann presenta El Coro

Después del evento, la fiesta de rigor. Pero el cuerpo, castigado por los rigores del viaje, pedía clemencia.

Al regresar al hotel comenzaron a entrar los mensajes de nuestros informantes en Mérida. Uno de ellos, daba cuenta de los últimos pronósticos sobre los premios del festival. Ojo, sólo rumores sin confirmar, pronósticos:

  • Mejor director, Diego Rísquez
  • Mejor Película, El Rumor de las Piedras
  • Mejor Actor, Luigi Sciamanna
  • Mejor Actriz, Rossana Fernández
  • Mejor Montaje y Edición, Reverón

Me resulta extraño que El Chico que Miente no figure en la lista. No obstante, aún es temprano y esto sólo son versiones extraoficiales. Esperamos que nuestros informantes confirmen la lista. No se aparten de nuestra sintonía.

Bajo el volcán (Caracas-Mérida-Fortaleza)

Volcán chileno Puyehue

El Puyehue en erupción, salvaje, indómita belleza

Señores pasajeros, la República Bolivariana de Venezuela le da la más cordial bienvenida al aeropuerto de Maiquetía. Por su seguridad…

Curiosa bienvenida que se transforma en advertencia. La he escuchado tanto que casi me la sé de memoria. El vuelo que me llevaría a Fortaleza, al festival de cine Ceará, está atrasado. En algún lugar de Chile, un volcán en erupción vomita cenizas al cielo, sembrando el caos en las torres de control de Sudamérica. El Puyehue. Así se llama.

Esta noche, quienes llevan las de perder son los argentinos. Reunidos en la puerta 14, hablan al mismo tiempo, casi a gritos, se desesperan. No saben cuándo viajarán de regreso. Corren rumores. Tal parece que ya abrieron Ezeiza. O Santiago de Chile. Montevideo no. Sigue cerrado. No se sabe.

Mi vuelo a São Paulo salrá al filo de la medianoche. Pero el hombre de la línea aérea se ha dado cuenta de que podía perder mi conexión. Lo ha arreglado todo. Dios mediante, viajo a Fortaleza a las 9:00 am del miércoles. Vuelo JJ3302. El hombre me dice algo de las condiciones meteorológicas que no alcanzo a comprender. Me extiende un vale. Para la cena. Va para largo, me temo.

Rodaje del documental. Preparación del viaje. Trabajos atrasados. Diligencias. Los últimos días han sido frenéticos. No he podido escribir el post anunciando el Festival de Mérida. De todas formas, más de la mitad del cine nacional está allá. Hora de que los papeles se inviertan. Ahora son los lectores quienes me informan de lo que pasa allá.

Mientras espero, leo en Twitter los últimos comentarios sobre las películas. Tal parece que El Rumor de las Piedras, de Alejandro Bellame, no ha dejado un ojo seco en la sala en su preestreno. Es la cinta más comentada. Ya se habla de ella como una de las favoritas, junto a Reverón. Es lo que dicen. Destacan el trabajo actoral, la fotografía de Alexandra Henao. Cortos Interruptus también parece tener el favor del público del festival.

En el Duty Free. Compro ron para Marcus. Chocolate para Patricia. Las cajeras hablan de los atrasos. De los pobres argentinos, varados en la puerta 14. Dicen que hay una tormenta causada por un volcán.

Señores pasajeros, la República Bolivariana de Venezuela le da la más cordial bienvenida al aeropuerto de Maiquetía. Por su seguridad…

Lamento no haber traído un libro. Quiero leer Feed, de M.T. Anderson, pero creo que aún no está en digital. 9:00 pm. En doce horas debería estar saliendo de São Paulo a Fortaleza. Ni rastros del avión. Leo en la Wikipedia. Fortaleza es una ciudad de unos 2 millones y medio de habitantes. Es la ciudad brasileña más cercana a Europa. En ella se originó la revuelta que acabó con la esclavitud. Enclave turístico desde los 90. Playas extraordinarias. Tierra de forro. Sertão.

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Allí filmó Orson Welles parte de It’s all true mientras, vía teléfonica, supervisaba a (o peleaba con) los ejecutivos que desbarataban The Magnificent Ambersons. No llegó a terminar ni la una ni la otra. El segmento correspondiente a Fortaleza se titulaba Four Men in a Raft. Era la dramatización del viaje en jangada que cuadro pescadores realizaron a principios de los 40. De Fortaleza a Río. Toda una proeza. Pero la filmación le costó a Jacare, el líder de los jangaceiros. Welles se peleó con el estudio.

En 1985 se recuperó parte del material. Se hizo una versión. La vi en algún festival no me acuerdo cuál. ¿La Habana? En el centro de Fortaleza aún existe el edificio del hotel en el que se alojó. Está abandonado. Al menos, lo estaba hace un par de años.

Señores pasajeros, la República Bolivariana de Venezuela le da la más cordial bienvenida al aeropuerto de Maiquetía. Por su seguridad…

Hay movimiento en la puerta. Los empleados de la aerolínea dicen que el avión llega en media hora. Que sale a las 11:00. Los empleados cantan a coro el tema de George of the Jungle. Les causa bastante gracia. Unos metros más allá, un estadounidense pelea con alguien por teléfono. Discute el precio de unas cabezas de ganado. De búfala. ¿Por qué no de búfalo? Ha llegado la tripulación. Mejor lo dejo hasta aquí. Hora de recoger todo. Comprar unos analgésicos, por si acaso. Por aquí nos leemos al rato, cuando comencemos a escribir sobre el festival de Fortaleza. Dios mediante.

Morgan Spurlock contra el “product placement”

Spurlock o el emplazamiento de productos

Spurlock o el emplazamiento de productos

Aunque la verdad, ya no estoy muy seguro de si en realidad es a favor.

Me explico. Spurlock ha creado un documental sobre sus intentos de realizar un film sobre el product placement (emplazamiento de productos), la publicidad y el mercadeo en el cine y la televisión. Pero el documental es, en sí mismo, un largo product placement, financiado a punta de product placement y publicidad dentro del film. ¿Se entiende?

Como hizo en Super Size Me, aquel documental donde se hartó de comida chatarra de McDonald’s hasta que, como dice un amigo, “le salieron tetas”, en esta ocasión también ha hecho de sí mismo un conejillo de Indias. En POM Wonderful Presents: The Greatest Movie Ever Sold, se transforma en una especie de publicidad viviente o valla ambulante, para promocionar los productos que financian su película.

Él lo explica mejor que yo en el trailer:

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(Nota: me da la impresión de que además este documental va a ser una clase de pitching de principio a fin…)

Cuenta Spurlock a New York Magazine cuál fue el origen de la idea de su nuevo documental:

Mi inspiración vino de un episodio de Héroes, donde Hayden Panettiere, viene saliendo de su escuela y viene su padre y le dice algo como “cariño, tu mamá y yo estamos muy orgullosos de ti. Tengo algo para ti. Y se mete la mano en el bolsillo. Y la cámara hace un dolly y pasa por el logotipo de Nissan, y luego corte al padre que pone las llaves frente a su cara. La cámara hace foco y ella está como “¡Oh dios mío! ¡Es el Rogue! ¡El Nissan Rogue! No puedo creer que sea el Rogue”.

Yo estaba estupefacto. Asombrado de que eso acabara de suceder. Al día siguiente, aún en shock por lo que había visto, entré a la oficina y empecé a hablar con Jeremy Chilnick, mi compañero de escritura, al respecto. Comenzamos a hablar de todos los terribles emplazamientos de productos que habíamos visto en películas y programas de televisión y todo eso…

En la misma entrevista, Spurlock menciona una de los más horribles emplazamientos de productos de la historia del cine: Mac and me, aquella espantosa E.T. en versión McDonald’s.

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También recuerda You’ve got mail! con Tom Hanks:

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Aunque creo que esa cinta no tiene punto de comparación con otra película de Hanks en cuanto a emplazamientos publicitarios de productos: Náufrago. Aquí, una parodia:

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Últimamente, uno de los peores ejemplos de emplazamientos de productos es el de Love and others drugs. Días atrás lo comentábamos en nuestra sección radial:
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No me queda más que preguntar: ¿cuáles son sus emplazamientos de productos favoritos… O los más detestados?