Archivos Mensuales: abril 2011

Festivales de cine millonarios

Publicado el por
3

Abu Dhabi, premios a la altura

Abu Dhabi, premios a la altura

A estas alturas, ya casi es un lugar común la crítica negativa a los festivales de cine —o al cine de festivales: que si el formato está agotado, que si están en plena decadencia, que si son eventos elitescos alejados de las masas, que si son sólo para snobistas, que si están llenos de propuestas intelectuales, artísticas, aburridas, que si son sólo una excusa para viajar y rumbear…

No obstante, desde el punto de vista del cineasta, sobre todo del cineasta que trabaja al margen de una gran industria (la gran mayoría de los realizadores y productores del mundo), los festivales son de las pocas oportunidades que quedan para mostrar tu trabajo en pantalla grande ante un buen público, en calidad y en cantidad. Si el festival cuenta con mercado, es una ocasión propicia para vender tu obra —con suerte— y conocer productores, compradores, agentes de ventas ejecutivos de TV y seleccionadores de otros festivales.

Si el festival otorga premios en metálico, es de las escasísimas oportunidades de recuperar algo de lo que invertiste en tu película. En este sentido, la veterana publicación electrónica especializada en cine indie, IndieWire, ha publicado una corta lista de los festivales de cine que ofrecen jugosos premios. Un artículo que debes tener a mano si estás por iniciar tu gira de festivales. En tu lugar, yo comenzaría por aplicar al Festival Internacional de Cine de Abu Dhabi. Mira la lista de premios:

  • Mejor película de ficción: $100,000
  • Premio Especial del Jurado: $50,000
  • Mejor director del mundo árabe: $50,000
  • Mejor productor del mundo árabe: $25,000
  • Mejor actor: $20,000
  • Mejor actriz: $20,000
  • Mejor documental: $100,000
  • Premio especial del Jurado: $50,000
  • Mejor director novel: $50,000
  • Mejor documentalista del mundo árabe: $50,000
  • Mejor productor de documentales del mundo árabe: $25,000
  • Mejor película de la competencia “Nuevos Horizontes”: $100,000
  • Premio especial del jurado (“Nuevos Horizontes”): $50,000
  • Mejor director del mundo árabe (“Nuevos Horizontes”): $50,000
  • Mejor productor del mundo árabe (“Nuevos Horizontes”): $25,000
  • Mejor actor (“Nuevos Horizontes”: $20,000
  • Mejor actriz (“Nuevos Horizontes”: $20,000
  • Mejor corto de ficción: $25,000
  • Mejor corto documental: $25,000
  • Mejor corto animadot: $20,000
  • Mejor corto árabe: $25,000
  • Premio especial del jurado (cortometrajes): $15,000
  • Mejor productor: $10,000
  • Mejor productor árabe: $10,000
  • Competencia de cortos de los Emiratos: 1er. premio: 30,000 AED; 2do Premio: 25,000 AED; 3er Premio: 20,000 AED
  • Premio especial del jurado: 25,000 AED
  • Mejor película emiratí: 25,000 AED
  • Mejor guión: 10,000 AED
  • Mejor dirección de fotografía: 10,000 AED
  • Mejor corto documental emiratí: 1er. premio: 30,000 AED; 2do Premio: 25,000 AED; 3er Premio: 20,000 AED
  • Premio especial del jurado: 25,000 AED
  • Competencia de cortos de ficción estudiantiles: 1er. premio: 20,000 AED; 2do premio: 15,000 AED; 3er. premio: 10,000 AED
  • Competencia de cortos documentales estudiantiles: 1er. premio: 20,000 AED; 2do premio: 15,000 AED; 3er. premio: 10,000 AED
  • Competencia ¿Qué estamos haciendo en el mundo por nuestro mundo): $15,000
  • Premio del público: $50,000

Buen dato, ¿no? Si te ganas un premio, te acepto unas birras.

Casa muda, terror en tiempo real [trailer]

Publicado el por
9

La Casa Muda

La Casa Muda

La cinta uruguaya La Casa Muda, es una de esas propuestas experimentales que terminan convertidas en un enorme éxito de público, casi a su pesar. Rodada con un presupuesto exiguo —8 mil dólares—, con una cámara Canon 5D DSLR, un puñado de personajes, en una sola locación y en un plano secuencia de 74 minutos, hoy es una de las películas más vistas en Uruguay y Argentina, se ha proyectado en Cannes, le ha dado la vuelta a medio mundo y ha conseguido que Hollywood ruede su propia versión.

Escrita por Óscar Estevez y dirigida por Gustavo Hernández, todo comenzó cuando el productor Gustavo Rojo decidió producir una película con un dinero que había ahorrado, en vez de cambiar su carro.

Dice la sinopsis del film:

Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) se internan en una lejana casona de campo para reacondicionarla, ya que su dueño (Abel Tripaldi), muy pronto la pondrá en venta. Ellos pasarán la noche ahí… Todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido…

Con motivo de su estreno en Londres, la BBC ha publicado una entrevista con sus realizadores. Óscar Estevez, el guionista, explica que no le gusta el género del terror, pues sufre como espectador:

Era un género nuevo para mí. Nunca había escrito terror y, además, no me gustan esas cintas. Si la película es Notting Hill, yo soy Hugh Grant y mi novia es Julia Roberts, pero si la película es de terror, generalmente, yo soy la víctima y no lo soporto. Gustavo Hernández me pidió ver una película del francés Alexandre Aja, “Alta Tensión” (2003), pero en el minuto 40 ya no podía más, pero entendí lo que querían. Todo lo que se origina a partir de la anécdota real es ficción, porque nadie sabe qué pasó. Ese caso nunca se aclaró.

Tengo el teléfono sobre mi mesa de trabajo y cuando sonaba yo saltaba, porque estaba completamente metido en lo que le ocurría a Laura y realmente tenía miedo. Por momentos iba teniendo miedo junto con ella.

En una película de bajo presupuesto es importante trabajar en la percepción del miedo: lo que puede llegar a pasar sin que realmente pase. A diferencia de las grandes producciones, no puede empezar a morir gente en el minuto uno. El presupuesto implicaba una cantidad muy limitada de actores, en una sola localización que es la casa, y a eso había que ceñirse a la hora de escribir el guión.

Imagen de previsualización de YouTube

Sebastian Junger recuerda a Tim Hetherington, codirector de Restrepo, muerto en Libia

Publicado el por
6
Tim Hetherington y Sebastian Junger en Afganistán

Tim Hetherington y Sebastian Junger en Afganistán

La noticia fue confirmada a mediados de esta semana: Tim Hetherington, fotógrafo y codirector junto al periodista Sebastian Junger del documental nominado al Oscar, Restrepo, murió al ser alcanzado por una granada en la ciudad libia de Misrata. Hetherington se encontraba en Libia como fotógrafo corresponsal de Vanity Fair y había quedado atrapado en el sitio de la ciudad por las fuerzas leales a Gadafi.

En Vanity Fair, Junger ha publicado una nota en memoria de su compañero de guerra trágicamente desaparecido.

Te imagino en la parte trasera de una camioneta junto a tus tres colegas heridos. Hay muchachos con bandanas en sus cabezas y armas en sus manos, y todo el mundo grita, mientras el conductor atasca su vehículo sobrecargado en las calles destruidas de la ciudad, tratando de trasladarlos a la clínica lo más rápidamente posible.

No lo logró. Nunca he oído hablar de Misrata antes, pero durante toda tu vida estaba allí, en un mapa, para que pudieras encontrarla, meditar y, finalmente, ir. Todos los que tenemos la misma profesión —la profesión de la guerra, a falta de mejor nombre—, sabemos de ese pueblo. Está allí, esperándonos a todos. Pero tú fuiste al tuyo y te reclamó. Entraste por mar a la ciudad, porque estaba sitiada por las fuerzas leales a Muammar Qaddafi (otro nombre en el que probablemente nunca pensaste mucho durante tu vida) y seguramente pensaste que no fue bueno. Los viajes en barco, por la general, son asuntos agradables, pero no éste. Qué extraño estar a las afueras de una bella costa, con el olor salino y el viento en la cara, excepto que estas vez te diriges a un lugar de violencia, muerte y destrucción. Tendrías que haber sabido que lo impensable debía ser considerado. Debías haber sabido que quizás no regresarías con vida a ese bote.

En el incidente también resultó muerto el fotógrafo Chris Hondros, y heridos sus colegas Guy Martin y Michael Brown.

El martes 19 de abril pasado, Hetherington escribió en su canal de Twitter:

En la sitiada ciudad libia de Misrata. Bombardeos indiscriminados por las fuerzas de Gadafi. No hay señales de la OTAN.

Cuando lo digital visita la piel, Fleurs du mal de David Dusa, Francia, 2010 [BAFICI 2011]

Publicado el por
7
Fleurs du Mal

Fleurs du Mal

Tenia de to’, no tengo na’, todo por una computadorá. Estoy enganchá, igual que tu, todo por esa vaina, maldito faisbú…

Rita Indiana y sus misterios.

(Por: Patricia Kaiser) A veces viajamos huyendo de nuestro país, sus problemas y su gente. A veces viajamos, y por cosas de la vida, nos enamoramos. Amores que sabemos, tendrán un fin, que quizá jamás se repetirán, pero que siempre extrañaremos. Porque en algún momento del viaje, hay que volver. Siempre hay que volver. Anahita es una joven iraní, que parece estar en París escapando de las represivas manifestaciones que en 2009 se dieron en Irán. Gecko es un joven que practica un extraño baile por las calles de su ciudad, y que gana algo de plata como botones del hotel, donde en cuestión, se hospeda Anahita.

Ambos comparten la compulsión por las redes sociales, y es a partir de éstas, que se comunican, se encuentran, y pasan de lo digital a lo físico.

Pero tu país, el terruño, la saudade te persiguen. Y es así como Anahita, con su Mac a cuestas, pasa horas tras horas, viendo en youtube las manifestaciones y se preocupa por la vida de sus seres queridos. Entonces, dos historias corren paralelas. Mientras el amor entre nuestros protagonistas crece, y pasan de amantes a pareja estable; la violencia en Irán pasa de simple contención de manifestantes, a agresiones físicas con terribles consecuencias.

Entre el amor de Gecko y Anahita, se interpone la virtualidad de la violencia de un país. Un país al que ella, pareciera no amar, pues “Miento para poder vivir una vida allá”, un país, en el que como extranjera traiciona. No usa el velo, bebe, rumbea…. Y tiene sexo con un extraño.

Una se pregunta a mitad del relato, cuáles son las flores del mal. ¿El amor de una pasajera en trance, o el Skype, el Facebook, Youtube, etc; que se te meten en el cuerpo y en la cama? ¿Acaso, para que Anahita tuviera las fuerzas para regresar a un lugar que nunca abandonó, era necesario matarla simbólicamente como lo hace Gecko? ¿Cuál es la frontera en que lo virtual se vuelve físico, y lo físico virtual?

Fleurs du mal es un filme que no sólo trata del amor, sino de la historia de un país, Irán en este caso, y de cómo ahora vivimos la historia mediatizada. Algo que desde hace tiempo ya Baudrillard y compañía nos venían advirtiendo. Si los adjetivos se permiten, esta es una peli, pasada de postmoderna.

¿Porque luego de la postmodernidad, que nos queda?

El amor y la soledad.

Y también la compu.

BlogaCine en la Agenda Éxitos, para escuchar en Semana Santa

Publicado el por
4
Peter Finch, en Network, del recién fallecido Sidney Lumet

Peter Finch, en Network, del recién fallecido Sidney Lumet

Si te tocó quedarte en Caracas, ya te viste todo el Festival de Cine Francés y te cansaste de las películas bíblicas en TV, aquí te dejo una lista con las últimas emisiones de la versión radial de nuestro blog en la Agenda Éxitos, —Circuito Éxitos, Unión Radio, 99.9FM.

  • Emisión del 25 de marzo de 2011 | Escuchar
  • Emisión del 1 de abril del 2011 | Escuchar
  • Emisión del 8 de abril del 2011 | Escuchar
  • Emisión del 15 de abril del 2011 | Escuchar

BlogaCine en la Agenda Éxitos se transmite todos los viernes entre las 12:00 m. la 1:00 pm.

A 48 Hobbits por segundo

Publicado el por
9
Jackson, en el set de El Hobbit

Jackson, en el set de El Hobbit

La semana pasada lo comentamos en la sección de BlogaCine en la Agenda Éxitos y hace un par de días, Peter Jackson lo confirmó: The Hobbit, el díptico cinematográfico que cuenta los inicios de la historia de El Señor de los Anillos, está siendo filmada en 3D, a 48 cuadros por segundo. La idea, desde luego, es proyectarla a una velocidad equivalente.

La razón principal para tal decisión, según Jackson, es evitar el parpadeo y el “strobo” que tanto cansa la vista cuando uno ve una película en 3D —¿se acuerdan de ese dolor de cabeza después de ver Avatar? Cuenta el realizador neozelandés que, por meses, han podido ver material bruto del film por más de dos horas sin cansarse, ni sentir molestia alguna. Asegura que es una experiencia más cercana a la realidad, con una imagen más claras y movimientos más fluidos, sin parpadeos. Una experiencia de visualización más cómoda. Especialmente en 3D.

En su artículo explica que la razón por la que hace 90 años se adoptó la actual velocidad de 24 cuadros por segundo fue la emergencia del sonido: era la velocidad mínima para permitir que los lectores ópticos leyeran la pista sonora impresa en el borde del celuloide. Y no porque fuera lo mejor. Pero los tiempos cambian y el desarrollo tecnológico es indetenible. Para él, no hay ninguna razón para que eso se mantenga. Cita además el antecedente de Doug Trumbull, quien desarrolló hace tres décadas su sistema ShowScan, que proyectaba las imágenes a 60 cuadros por segundo.

Desde luego, filmar y proyectar a 24 cuadros por segundo es mucho más barato que hacerlo a 60 cuadros, por la cantidad de material que se requiere. Pero Jackson afirma que la llegada del digital ha vuelto irrelevante la razón económica. A su juicio, el cambio será tan radical e importante como el paso del vinil al CD en la música. El pasado fin de semana fue al cine y la proyección se le antojó antigua, primitiva.

Finalmente, el autor de Criaturas Celestiales, predice que para diciembre de 2012, fecha tentativa de estreno del primero de los dos films, habrá quizás unas 10 mil salas digitales en todo el mundo.

No obstante, ya muchos empiezan a temer que todo el asunto esté más cerca del video que del cine y que se pierda para siempre eso que conocemos como experiencia cinematográfica. ¿Qué opinan?

The Getaway, tema, trama y conflicto, una breve ilustración

Publicado el por
6

The Getaway, desde el afiche se anuncia el conflicto

The Getaway, desde el afiche se anuncia el conflicto

Cada vez que debo explicar la diferencia entre conflicto, puntos de giro, motivaciones, y objetivos de los personajes, trama y tema —todos elementos del drama y, por supuesto, de la escritura de guiones—; uso como ejemplo The Getaway —La Huida, una película que, en sí misma, es razón más que suficiente para comprarse un Blu Ray—, aquella clásica cinta de acción y película de carretera, protagonizada por Steve McQueen y Ali MacGraw, dirigida por Sam Peckinpah y escrita por Walter Hill, sobre la novela de Jim Thompson. Como decimos de este lado del mundo, un trabuco.

 

Atención: puede que a continuación revele algunos detalles importantes de la trama del film. Por otro lado, es imperdonable que no la hayan visto aún.

Don McCoy sale de prisión

Don McCoy sale de prisión

Después de unos excelentes títulos iniciales, que sirven para presentar a los personajes, la trama se inicia cuando Don McCoy (McQueen) es, para su sorpresa, liberado de prisión bajo palabra. Pronto la trama será lanzada en una nueva dirección por un punto de giro: su liberación no es gratis, pues Jack Benyon, el corrupto y bien conectado jefe de la prisión, le obligará a planear y ejecutar el robo de un banco. Comienza entonces a dibujarse el conflicto de McCoy: robo o libertad. Tiene unos objetivos iniciales claros, aunque contradictorios: robar el banco y salir en libertad . Pero se le presenta un primer obstáculo que complica la resolución de su conflicto y aleja sus objetivos: no podrá contar con su gente de confianza para el robo, sino con la del jefe de la prisión. Y McCoy no confía en ellos. La trama avanzará de acuerdo a las decisiones que McCoy tome para resolver su conflicto. Y, en un buen drama, estas decisiones serán siempre las equivocadas: en vez de resolver su conflicto, deberán complicarlo más.

Más adelante, en otro punto de giro de la trama, el conflicto de Don McCoy se hace más profundo, personal, íntimo: descubre Carol (McGraw), su hermosa esposa se ha acostado con Benyon a cambio de su libertad.

Se trata de un gran conflicto que expresa el verdadero tema de la película: las relaciones de pareja. Amor, lealtad y traición expresados de forma contradictoria, conflictiva, dialéctica, pues Carol ha sido desleal a Don precisamente porque lo ama y lo quiere libre.

McGraw, motivación más que suficiente

McGraw, motivación más que suficiente

El conflicto, ya personal e íntimo, corroerá el alma de McCoy buena parte de la trama, pues aunque la ama, ya no confía en Carol. Por otra parte, se hace evidente la aparente motivación de Benyon al liberar a McCoy no es sólo material (el robo), sino también personal: después de aquella revolcada con Carol, ha quedado completa y absolutamente enamorado de ella —¿y quién no se enamoraría perdidamente de Ali McGraw? Si no, pregúntenle a McQueen y a Robert Evans quienes protagonizaron una historia similar en la vida real mientras se filmaba la cinta, pero eso es material para otro post.

Imagen de previsualización de YouTube
McQueen besa los dedos de MacGraw con la familiaridad de un viejo marido, un pequeño detalle que no sólo muestra su grandeza como actor, sino que delata su naturaleza de hábil seductor

El héroe (McCoy) y el villano (Benyon) de este drama, al final, resulta que tienen las mismas motivaciones: su amor por la enloquecedora y bronceada Carol.

Thompson primero, quien hizo los borradores iniciales del guión, y después Hill complican aún más la trama no sólo para hacer avanzar la acción, sino para seguir expresando el tema del film dialécticamente. Rudy, uno de los hombres de Benyon, y quien persigue a Don en su huida después de que el robo del banco saliera mal, secuestra a una pareja, un veterinario y su esposa (por alguna extraña razón, el detalle de la profesión del secuestrado se me quedó grabado en la mente).

Don McCoy le echa un vistazo a dos poderosas motivaciones

Don McCoy le echa un vistazo a dos poderosas motivaciones

A punta de pistola Rudy obliga a Harold, el aterrado veterinario, a conducir el vehículo e ir tras McCoy. Fran, su mujer, decepcionada ante la actitud pusilánime de su marido, comienza una relación con el masculino y violento Rudy, su secuestrador. En una de las secuencias más incómodas de ver de la historia del cine, Fran y Rudy hacen el amor en la habitación de un motel, mientras Harold, el veterinario, permanece atado en una silla, ante la cama donde se derrumba su hasta entonces feliz matrimonio.

Vemos así, otro ángulo del tema (las relaciones de pareja), expresado de forma dialéctica, dinámica, a través del conflicto. El conflicto personal de McCoy dispara los mecanismos de empatía de los espectadores. Lo que nos mantiene pegados a las butacas y con nuestros ojos fijos en la pantalla, no son sólo las balaceras, las persecusiones y las extraordinarias piruetas automovilísticas de esta cinta, sino quizás una pregunta esencial: ¿qué haríamos nosotros en el lugar de Don? ¿Perdonar a Carol? ¿Abandonarla? ¿Perdonaría una traición cuya motivación fuera el amor? ¿Y qué haríamos en el lugar de Harold? ¿O en el de Carol?

Preguntas tan esenciales como íntimas y cercanas a la experiencia personal de los espectadores comunes y corrientes. Todos hemos sido traicionados alguna vez en al vida, hemos perdonado o condenado traiciones. También hemos traicionado. Y todos tuvimos razones para hacerlo. El conflicto, al expresar un tema a la vez íntimo y universal, puede ser entendido y experimentado por toda clase de espectadores.

McQueen y McGraw, relaciones de parejas

McQueen y McGraw, relaciones de parejas

Tema, trama, conflicto y personajes no pueden verse de forma separada o en estancos independientes. Es un continuum: no hay una frontera donde termina uno y comienza el otro. Un conflicto expresa el tema, pero también determina al personaje y viceversa. El conflicto (o su resolución) es el agente catalizador de la trama. El conflicto es el motor del drama, el combustible que hace avanzar la historia.

He escrito este post como introducción a otro artículo, relacionado con la muerte del conflicto y el final del drama en cierto cine hollywoodense de reciente data. Trataré de publicarlo mañana o el lunes.

The Getaway | Trailer

Imagen de previsualización de YouTube

Apple presenta un nuevo y revolucionario Final Cut Pro X

Publicado el por
20
El nuevo Final Cut Pro X

El nuevo Final Cut Pro X

Ocurrió hace apenas unas horas en el SuperMeet, un evento que todos los años tiene lugar en el marco de la exposición de la NAB. De alguna manera también se esperaba, pues desde hace un par de meses se sabía que venía. Jobs lo había anunciado. Luego, hubo reportes de gente que hasta tuvo la oportunidad de usar una versión beta y le parecía maravillosa.

Finalmente, se ha dado a conocer la nueva versión de la popular y revolucionaria herramienta de edición no lineal de Apple, el Final Cut Pro X. Reescrita desde cero para aprovechar la arquitectura de 64 bits, Apple promete que la nueva versión será tan revolucionaria como la primera versión. Costará 299 dólares y podrá ser descargada desde la Mac App Store en junio. No me queda claro si vendrá acompañada de otras aplicaciones, pero me parece que no. Incluso, me da la impresión de que muchas de las funciones de las otras aplicaciones de la suite han sido fundidas en el nuevo FCPX. Tal parece cer el caso de Color y Soundtrack.

Final Cut Pro X

Final Cut Pro X

El Final Cut Pro X tiene la capacidad de usar ilimitada cantidad de RAM y aprovechar todos los núcleos del procesador. Utiliza ColorSync para gestionar el color. Tiene capacidad de reproducción independiente de la resolución hasta 4K —sí, leyeron bien: 4K— y puede trabajar de forma nativa con los codecs H.264 y AVCHD, lo que quiere decir que se podrá trabajar con el material de la Canon y otras DSLR sin necesidad de transcodificar.

En el nuevo timeline se podrán combinar materiales de varios tipos, sin render de ningún tipo. De hecho, no hay hay que rendear —perdón por el hórrido anglicismo— nada, pues la nueva aplicación aprovecha cada núcleo del procesador para hacerlo en segundo plano, de forma instantánea. Además, el timeline es magnético y aparta del camino los clips para evitar colisiones y sobreescritura accidentales. El timeline también es indexado, para facilitar búsquedas y muestra el contenido de los clips con sólo pasar por encima el cursor.

Tiene modo de visualización de celuloide (filmstrip), agrupación de varios clips en uno sólo de forma más simple y un nuevo editor de precisión para el recortado (triming) de tomas. Por si fuera poco, se pueden añadir y visualizar metadatos en diferentes regiones de los planos, manejar fotogramas-clave con herramientas Bezier y curvas también en el timeline. Los fotogramas-clave se pueden animar de forma automática como en Motion, aunque sin necesidad de pulsar el botón de “Grabar” y la aplicación trae incluido el efecto Ken Burns automático, herencia de iMovie.

Interfaz para la corrección de color en el nuevo FCPX

Interfaz para la corrección de color en el nuevo FCPX

Y en un movimiento radical que pondrá de rodillas a millones de editores en todo el mundo, el nuevo Final Cut Pro X también incluye la función de sincronización automática de audio y video (a la manera de Plural Eyes), lo que redundará en un ahorro de miles de horas-hombre (u horas-mujer, según sea el caso) en algo que, más que una tarea, es un verdadero karma en vida. El timeline también se muestran en tiempo real las ondas de sonido, los picos de saturación, nuevas herramientas de fundidos y control automático del número de pistas.

Como en iMovie, el FCPX puede estabilizar la imagen, corregir el balance sonoro y reducir el ruido ambiental de forma automática al realizar la ingestión de material. También puede detectar automáticamente escenas, valores de plano, velocidad de fotogramas y rostros —individuales y en grupo— y organizar todo en colecciones inteligentes. Esto quiere decir, por ejemplo, que podrás tener carpetas con todos los primeros planos de tu película o con todos las tomas de cada uno de tus actores.

En un modo de presentación llamado Auditioning, se pueden reproducir diferentes versiones del montaje. Finalmente, otras novedades que despertarán la devoción de postproductores de toda clase: entre las nuevas opciones de corrección avanzadas de color se incluye la posibilidad de equiparar el color de dos tomas distintas con un sólo golpe de ratón. Es decir, con un sólo clic.

Visto todo lo anterior —que sólo es una versión sin terminar de la aplicación, ojo— no nos queda más que decir: gracias San Jobs por los favores recibidos. Sólo esperemos que, como suele suceder con Apple, a cambio de estas mejoras no perdamos herramientas invaluables del pasado, como Cinema Tools…

Imagen de previsualización de YouTube

La vida sublime de Daniel Villamediana, Soy Víctor y quisiera ser Erice [BAFICI 2011]

Publicado el por
3

(Por Patricia Kaiser desde Buenos Aires)

Afiche de La Vida Sublime de Daniel Villamediana

Vuelvo al Sur, como se vuelve siempre al amor…..

Fernando Solanas / Astor Piazzola

I.- Castilla

Soy Víctor, y quisiera ser Erice, y desde el verde de las plantaciones castellanas busco respuestas a unas fotografías de mi pasado, cuya historia quiero certificar y hacer mía. Paseo por los campos, interrogo posibles colaboradores que aporten a este vacío de una historia con rostro y nombre, pero sin certeza, la respuesta necesaria. La única pista que poseo, es una sobreviviente de mi pasado, abuela para más.

Deambulo por las praderas de este norte del sur, dejando que sus paisajes y silencios, me marquen brújula en un camino predestinado, cuyo final es esa respuesta que acierte a todas mis preguntas.

Verde que te quiero verde, miradas y pisadas de una tierra, que abre un mapa de ruta que no puedo rechazar. Cuando el verde de las tierras que me rodean se imponen, es necesario moverse, con lentitud, pero con aplomo. Debo avanzar al segundo paso de mi búsqueda, o la ficción de un pasado, me atrapará.

La vida sublime de Daniel Villamediana

II.- Sevilla

Llego al centro del mundo, de donde partieron y llegaron barcos cargados de mercaderías, gente y creencias. Azul del río y del mar, que todo se lleva y que todo devuelve. Con menos nostalgia, pero más retos, recorro las calles de un poblado, que alberga, como Alejandría, todos los mundos que existieron, pero también los posibles. Calle tras calle, llenas de silencios, encuentro un norte que me llevará más al sur. Al sur…

El pasado es el Sur.. Y al Sur siempre se vuelve, como se vuelve siempre al amor… Me llamo Víctor, y quisiera ser Erice, pero estoy ya más cerca, de transformarme en Estrella, pues recorro las pisadas, que ella no pudo nunca dar.

La vida sublime de Daniel Villamediana

III.- Cádiz

Blanco, cómo la página de mi sur que estoy escribiendo. Ha llegado el momento, de transformar en certezas, todo el mito que Sur encierra. Y darle al mito, el lugar en la pared, que toda altura de un mito merece. Dejo de ser un hombre contemplativo, y asumo todos los retos, que un relato del pasado trae consigo para hacerse presente.
Al final, para que la vida sea sublime, hay que correr riesgos.

Hay uno que se puede tomar, que ya ha sido tomado y que lo podemos compartir: La vida sublime de Villamediana.

A continuación pueden ver el trailer de la película:
Imagen de previsualización de YouTube

La lista de Soderbergh

Publicado el por
5

Steven Soderbergh, adiós a las cámaras

Steven Soderbergh, adiós a las cámaras

Si se estaban preguntando qué hizo Steven Soderbergh el año pasado —de verdad, hay gente que se pregunta eso—; Studio 360 tiene la respuesta: una lista con todo lo que hizo, los libros que leyó, los episodios de las series que sigue —Breaking Bad, por ejemplo— y las películas que vio.

Todo, escrupulosamente ordenado por fechas, a la manera de un log.

Como si lo anterior no fuera lo suficientemente extraño, el hombre vio tres veces en una misma semana Indiana Jones y los Cazadores del Arca Perdida.

Esta es una captura de pantalla del comienzo de la lista:

La lista de Soderbergh

Para verla un pelín más grande, hacer clic en la imagen

La lista de Soderbergh | Descargar

Patricio Guzmán en TCBA: El documental es como el jazz, un arte de improvisación [BAFICI 2011]

Publicado el por
5

Patricio Guzmán

(Por Patricia Kaiser desde Buenos Aires) En el marco del TCBA (Talent Campus del Bafici), se presentó una clase magistral con Patricio Guzmán, titulada “Documentos de Cine”. Como era de esperarse, la charla versó sobre el documental. Lo primero que abordó el cineasta fue la estructura. Partiendo de que Guzmán utiliza la estructura clásica de tres actos, se centró más bien en cómo es que se le da forma, a ese material desordenado y caótico que se llama realidad. Para sorpresa de muchos puristas, todo comienza con un guión. Sí, un guión de documental, que el chileno bautizó como Guión Imaginario. Y que no es más que el desarrollo de la idea, atravesada por una historia, incluyendo el dispositivo dramático que mejor se adapte para contar dicha historia, y mucha imaginación nacida de la investigación del tema.

Luego ese guión se abandona cuando se llega al rodaje, “que es que un viaje, una excursión”, se redescubre el mundo y se localiza el “átomo dramático”. Este átomo es el mínimo sintagma de realidad, a partir del cual el realizador armará sus frases y por último su poética visión sobre esa realidad. Porque está claro para Guzmán, que la discusión objetividad/subjetividad, no sólo está superada, sino que no es productiva. El documentalista asume su postura ante la realidad que retrata. Algo obvio en toda la producción del director chileno.

No faltaron las preguntas de los escuchas a propósito de la ética (respeto por la persona entrevistada), la responsabilidad del documentalista (a lo que Guzmán respondió “La máxima responsabilidad de un artista es ser creativo”), el impacto de las nuevas tecnologías (Más ventajas que desventajas, pero éstas las tiene), y claro está; comentarios de Guzmán a propósito de su último filme, presente en el Bafici, La Nostalgia de la Luz.

Un encuentro marcado no sólo por la sapiencia del realizador, sino también por un carisma y una claridad en el oficio, que en tiempos como este, uno no debe desperdiciar.

Vuelve Juan Carlos Lossada al CNAC

Publicado el por
11
Juan Carlos Lossada

Juan Carlos Lossada, de nuevo en la presidencia del CNAC

La noticia se conoció la semana pasada, cuando fue publicada en medios oficiales y el nombramiento, en Gaceta Oficial: Juan Carlos Lossada regresaba a la presidencia del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía.

Luego de haber dejado el cargo en 2009, Juan Carlos Lossada volvió a ser designado presidente del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (Cnac), y su nombramiento fue publicado en la Gaceta Oficial número 39.651, fechada este jueves 7 de abril. Hasta ahora estuvo en la presidencia del Cnac Alizar Dahdah Antar, quien permaneció al frente de la institución desde septiembre de 2010.

Lossada además fue coordinador de la Plataforma del Cine y el Audiovisual y durante algunos meses en el viceministerio de Identidad y Diversidad Cultural. También estuvo en la dirección ejecutiva de la Villa del Cine y en la presidencia de la Distribuidora de Cine Amazonia Films. Licenciado en Estudios Internacionales con Estudios de Especialización en Política Pública y Gobierno, Lossada tiene una Maestría en Escritura para Cine y Televisión de la Universidad Autónoma de Barcelona, España.

Lossada regresa al CNAC en tiempos interesantes para el cine venezolano, en plena convocatoria para nuevos proyectos, cuando se habla de reformas a la Ley de Cine y cuando se encuentra en marcha un dinámico proceso de renovación gremial y relevo generacional.

Música Campesina de Alberto Fuguet, Música para el desarraigo [BAFICI 2011]

Publicado el por
6

Música Campesina de Alberto Fuguet


Durante los próximos días estaremos publicando algunas reseñas y críticas de películas que nuestra amiga Patricia Kaiser nos está haciendo llegar desde el Bafici.

(Por Patricia Kaiser desde Buenos Aires) Hay muchas razones para largarse de su país. Y el amor puede ser una de ellas. ¿Pero hay tantas razones como para no volver? Encontrarse a uno mismo, puede ser una de ellas. Alejandro Tazo, como el té, está buscando la respuesta a esa pregunta.

Llegado a Estados Unidos por amor, al ser abandonado por una novia gringa, con la que vivió la típica luna de miel de una extranjera liada con un ciudadano chileno; Tazo decide instalarse en Nashville, para probar suerte y vivir la típica aventura de un extranjero descubriendo el mundo. Realmente Tazo, no tiene ni la menor idea de su itinerario ni de su futuro. Y sólo está claro en que está despechado por su novia, y en que no quiere volver a su país de origen, en el estado emocional en que se encuentra.

¿Pero qué hacer en Nashville? Al principio busca hospedajes baratos. Luego intenta conseguir trabajo, desde limpia baños en un hotel, pasando por plomero de segunda, hasta de vendedor en una tienda de música. Una de sus pasiones. La ciudad no se la pone fácil, entonces decide recorrer sus espacios, buscando respuestas a las mil preguntas que le rondan la cabeza. Y para ello usa su mayor talento: su encanto.

Música Campesina de Alberto Fuguet

La película tiene, de manera bastante extraña, la estructura de una road movie, podrías permitirnos el término de road city. Deambula por sus espacios, por sus bares, por su gente. Intenta mimetizarse con esa cultura que le es ajena, y a la que por momentos, odia o ama. Por lo que como todo filme de viajes, más que transformarse el entorno, que en este caso es siempre la misma ciudad; quien se transforma es el viajero.

Quiere ser aceptado por la sociedad, pero no le gusta esa sociedad. Transforma su cuerpo, su vestimenta, pero esta más bien lo delata, como la patética figura de alguien que busca desesperadamente aceptación (o quizá pasar desapercibido). Domina parcamente el inglés y se forza y estudia por mejorarlo; pero su cerebro está cansado y sólo le pide volver a su español natal. Realmente Tazo, está entre dos aguas. Simplemente sufre de desarraigo.

Un desarraigo que Fuguet nos muestra, en un par de excelentes monólogos que sostiene con una camarera y con los compañeros que le alquilan el sofá de la casa; y en los argos silencios y acciones que emprende Tazo en su viaje. Es por cómo se mueve Tazo en la ciudad, o en los lugares donde habita, que se nota la añoranza que Tazo tiene, quizá no por su vida pasada, sino por una vida que aún no ha descubierto cuál es.

Música Campesina de Alberto Fuguet


Los primeros 15 minutos de la peli, dan una excelente cuenta de ello. Sin diálogos, centrado en Tazo y las decisiones que toma, los gestos que nos muestra, la necesidad de transformar su primera morada en un hogar (como ordena sus artículos de aseo personal en el baño, es revelador). También da cuenta de la intención del director, la puesta en escena plateada. Largos planos, algunos de más de 3 minutos, largos silencios, y la poca movilidad de la cámara (pues realmente Tazo no se mueve hacia ningún lugar); nos dicen muchos más, que las (pocas) palabras que el prota y los personajes pasajeros con los que se topa.

Al final, Tazo descubre que su país, lo ha llevado consigo siempre, y en un bar de “Ven con tu guitarra y canta”, se declara chileno, y toca una canción de su país, en español, con la que define toda su vida, y también su meta. Como era de esperarse, las calles de Nashville lo esperan para otra noche de ronda.

Hay que celebrar en este filme, la excelente actuación de Pablo Cerda en el papel de Tazo. El hombre se tira la película al hombro, y la sostiene. También, como es obvio por el título escogido, la banda sonora y el diseño de audio, son excelentes. El tema principal, que cierra los créditos, es una melodía que no me será fácil olvidar.

Ficha Técnica:
Guión y Dirección: Alberto Fuguet; Fotografía: Ashley Zeigler; Edición: Sebastián Arraigada; Producción: Alberto Fuguet, Ted Fishcher, Sarah Childress, Mauricio Varela. Reparto: Pablo Cerda, James Cathcart, Cole Kinnear, Ezra Fitz, Karen Davidovich Whitehouse. 110 min. (Chile/EEUU, 2011)

Filmografía del director:
Velódromo (2010), 2 horas (2009, cortometraje), Se arrienda (2005) Las hormigas asesinas (2004, cortometraje).

A continuación pueden ver el trailer:

Muere Sidney Lumet a sus 86 años

Publicado el por
11

Sidney Lumet


Según publica el New York Times, el director de cine Sidney Lumet ha muerto la mañana de este sábado a los 86 años, en su residencia de Manhattan.

Lumet, quien empezara su carrera en la TV, es recordado por haber dirigido grandes clásicos de la cinematografía Nortemaericana. Entre sus películas más famosas podemos destacar: 12 Angry Men (12 hombres en pugna) su primera película realizada en 1957, fue protagonizada por Henry Fonda y en la que doce hombres de un jurado deliberan sobre la culpabilidad o inocencia de un muchacho acusado del asesinato de su padre. Un film claustrofóbico, donde la cámara casi nunca abandona la habitación del jurado, y en el que Lumet aplicó todo lo que había aprendido como director televisivo.

Posteriormente, en la década de los 70, dirigió Serpico (en 1973), protagonizado por Al Pacino, una historia verídica sobre la corrupción de la policía de Nueva York. También con Al Pacino como protangonista filmaría en 1975 Dog Day Afternoon (Tarde de perros), otra de sus películas más aclamadas en los 70′s y otra de sus cintas basadas en hechos reales. Esta vez, Pacino interpretaba a un asaltante de bancos muy particular. A Pacino le acompañaba un inmenso John Cazale, como su taciturno y violento compañero de fechorías.

Su consagración como director llegaría con Network (1976) una ácida crítica al mundo de la televisión, protagonizada por William Holden, el gran Peter Finch y Faye Dunaway. En los 80′s, una de sus películas más recordadas sería The Veredict (Veredicto final) con Paul Newman, James Mason, Jack Warden y Charlotte Rampling.

Imagen de previsualización de YouTube
….
A pesar del éxito de sus películas y que las mismas recibieron más de 40 nominaciones a los premios de la Academia, Sidney Lumet nunca ganó un Oscar como director aunque fuera nominado en cuatro oportunidades. En el 2005, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas le otorgó un premio honorario de la Academia, lo que en aquel momento sería reseñado en The New York Times, como un “premio de consolación para toda una vida de rechazos”.

En el 2007, en una entrevista grabada para acompañar el obituario que el periódico publicaría cuando muriera Lumet, se le preguntó cómo se sentía al ganar un premio de la Academia por fin, a lo que él respondió:

Yo quería uno, maldita sea, y yo sentía que lo merecía.

Imagen de previsualización de YouTube

25º Festival de Cine Francés, a partir de hoy en salas de cine de Venezuela

Publicado el por
3

El Festival de Cine Francés, inundará de buen cine las salas nacionales

El Festival de Cine Francés, inundará de buen cine las salas nacionales

Veinticinco años. Se dice rápido. Un cuarto de siglo. Eso es lo que está cumpliendo el Festival de Cine Francés que, a partir de hoy, arranca en varias salas de la capital.

Un par de semanas atrás, pudimos asistir a una rueda de prensa y, posteriormente, conversamos con Bernardo Rotundo, de Gran Cine, uno de los organizadores del evento, en nuestro sección en la radio, BlogaCine en la Agenda Éxitos.

En esta oportunidad, y para festejar el aniversario, el festival ofrecerá un variado menú de filmes recientes y una retrospectiva de la cinematografía francesa, entre otros eventos.

Así lo explica la nota de prensa:

Una vez más, la Embajada de Francia en Venezuela, la Alianza Francesa en Caracas y en todo el país, Gran Cine, Queiroz Publicidad, Cinex, Cines Unidos, Fundación Trasnocho Cultural, Fundación Cinemateca Nacional y Cine Celarg 3, se unen para traernos lo mejor del cine francés y celebrar por todo lo alto, los 25 años de este importante festival.

En el marco de este año excepcional, vamos a presentar 40 películas:

  • A partir del 8 de abril, 12 películas inéditas
  • Una retrospectiva de 25 películas claves de la historia del festival
  • Dos funciones especiales.

Sin olvidar las acciones que la cooperación cinematográfica venezolana-francesa va a llevar a cabo este año.

En los 25 años que lleva haciéndose el Festival de Cine Francés hay que recalcar que es uno de los más esperado por los cinéfilos venezolanos. El festival convoca anualmente un promedio de más de 50 mil espectadores, siendo proyectado no sólo en las principales salas de Caracas, sino en otras grandes ciudades del país. En esta edición del 2011, los amantes del cine francófono no pueden perderse la sinfonía de emociones que se apreciarán en cada una de las varias propuestas cinematográficas que comprende el festival.

El actor francés Gerard Junot, y su esposa, la actriz, Saida Jawad, serán los invitados especiales del evento.

Este año, el Festival de cine francés cuenta un invitado de honor. Se trata nada menos que del reconocido actor Gérard Jugnot, figura admirada y reconocida en Francia y célebre por ser protagonista de la exitosa película Los coristas, de Christophe Barratier, que fuera nominada al Oscar en 2005.

Jugnot estará acompañándonos, junto a su esposa y actriz, la Sra. Saida Jawad, en la presentación de su más reciente film Rosa y negro, dirigido y protagonizado por él. También, estará presente en la exhibición de Me enamoré en París (Faubourg 36), que marca su segunda colaboración con el director Barratier.

Las películas inéditas en nuestro país son:

El escritor fantasma

El escritor fantasma

EL ESCRITOR FANTASMA (The Ghost Writer, Francia – Alemania – Reino Unido, 2010, 2h 8’) Thriller.
Un ex Primer Ministro británico, Adam Lang, contrata a un escritor para que escriba sus memorias por él, si bien éste descubre ciertos secretos que pondrán en peligro su vida: Lang podría estar involucrado en detenciones ilegales a sospechosos de terrorismo y su posterior entrega a la CIA. Oso de Plata en Berlín, Mejor Director.

Dirección: Roman Polanski. Guión: Robert Harris y Roman Polanski; basado en la novela “El poder en la sombra”, de Robert Harris. Producción: Roman Polanski, Robert Benmussa y Alain Sarde. Fotografía: Pawel Edelman. Montaje: Hervé de Luze. Música: Alexandre Desplat. Dirección artística: Albrecht Honrad. Intérpretes: Ewan McGregor (escritor), Pierce Brosnan (Adam Lang), Kim Cattrall (Amelia Bly), Olivia Williams (Ruth Lang), James Belushi (John Maddox), Timothy Hutton (Sidney Kroll), Eli Wallach (anciano), Tom Wilkinson (Paul Emmett), Robert Pugh (Richard Rycart). Web: http://www.theghostwriter-movie.com/ Distribuidora: Gran Cine.

Creo que la amo

Creo que la amo

CREO QUE LA AMO (Je crois que je l’aime, Francia, 2007, 1h 30’) Comedia romántica. Lucas de 43 años, rico industrial divorciado, se encuentra irresistiblemente atraído por Elsa de 38 años, una ceramista reconocida a la cual le encargó un fresco para el hall de su empresa. Pero, todavía marcado por su reciente desilusión en el amor, le pide al detective privado de su empresa, Roland Christin descubrir las razones por las cuales esta bonita mujer es todavía soltera. El detective va, sin el más mínimo escrúpulo, aplicando sus métodos de espionaje más modernos.

Dirección: Pierre Jolivet. Guión: Pierre Jolivet, Simon Michaël. Producción: Frédéric Bourboulon, Pierre Kubel. Fotografía: Pascal Ridao. Montaje: Yves Deschamps. Intérpretes: Vincent Lindon, François Berléand, Sandrine Bonnaire, Kad Merad, Liane Foly. Distribuidora: Embajada de Francia.

La chica de Mónaco

La chica de Mónaco

LA CHICA DE MÓNACO (La fille de Monaco, Francia, 2008, 1h 35’) Comedia. Bertrand es abogado penal. Es brillante, mediático, voluble, cultivado, cerebral, complicado y no muy valiente. Le gustan las mujeres, sobre todo para hablarles. Acaba de llegar a Mónaco para defender a una asesina septuagenaria. Christophe es un vigilante de seguridad encargado de proteger a Bertrand. Es franco, directo, taciturno y deportista. Dejó los estudios a los 13 años. Le gustan las mujeres, salvo para hablarles. Admira en los demás la cultura y el dominio del lenguaje de los que carece. Audrey es presentadora de televisión en una cadena de televisión por cable en Mónaco. Es ambiciosa, descarada, sexy e incontrolable. No tiene ninguna intención de seguir presentando el parte meteorológico por mucho tiempo. Le cuesta un poco entender el significado de ciertas palabras, en particular “límites”, “tabúes” y “escrúpulos”. Mejor habría sido que estos tres no se cruzaran…

Dirección: Anne Fontaine. Guión: Benoît Graffin, Anne Fontaine. Producción: Philippe Carcassonne, Bruno Pésery, Christine Raspillere. Fotografía: Patrick Blossier.
Montaje: Maryline Monthieux. Música: Philippe Rombi. Intérpretes: Fabrice Luchini, Roschdy Zem, Louise Bourgoin, Stéphane Audran, Gilles Cohen, Alexandre Steiger. Distribuidora: Embajada de Francia.

La Cuestión Humana

La Cuestión Humana

LA CUESTIÓN HUMANA (La question humaine, Francia, 2007, 2h 24’) Drama. Simon trabaja como psicólogo en el departamento de recursos humanos de una gran multinacional petroquímica. Su labor consiste en la organización de “raves” y juegos de rol donde los jóvenes empresarios son llevados a la extenuación para detectar sus flaquezas y aptitudes. La fría y calculadora vida de Simon se ve alterada cuando, un día, uno de los directivos le encarga una misión confidencial: investigar al director general de la empresa, al que creen perturbado mentalmente. Inmerso en una extraña conspiración, Simon irá viendo cómo su existencia se va resquebrajando, invadida por los ecos de un pasado siniestro que le harán enfrentarse a la “cuestión humana”.

Dirección: Nicolas Klotz. Guión: Elisabeth Perceval; a partir de la novela “La question humaine” de François Emmanuel. Producción: Sophie Dulac y Michel Zana. Fotografía: Josée Deshaies. Montaje: Rose Marie Lausson. Música: Syd Matters. Dirección artística: Antoine Platteau. Intérpretes: Mathieu Amalric (Simon), Michael Lonsdale (Mathias Jüst), Laetitia Spigarelli (Louisa), Jean-Pierre Kalfon (Karl Rose), Valérie Dréville (Lynn Sanderson), Edith Scob (Lucy Jüst), Lou Castel (Arie Neumann), Delphine Chuillot (Isabelle), Rémy Carpentier (Jacques Paolini), Nicolas Maury (Tavera), Erwan Ribard (Miguel). Distribuidora: Embajada de Francia.

Deliciosa Paloma

Deliciosa Paloma

DELICIOSA PALOMA (Délice Paloma, Francia 2007, 2h 14’) Comedia dramática. Madame Aldjéria y su equipo arreglan los problemas de la gente a cambio de dinero. Y no tiene ningún reparo en ensuciarse las manos en un país donde todo esta permitido. Paloma, la nueva en el equipo deslumbra a todo el mundo, empezando por Riyad, el hijo de Aldjéria. Esta última se embarca en un plan de vital importancia, la compra de las termas de Caracalla, pero será la gota que colma el vaso y perderá a su hijo y su libertad.

Dirección y guión: Nadir Moknèche. Producción: Bertrand Gore, Nathalie Mesuret. Fotografía: Jean-Claude Larrieu. Montaje: Ludo Troch. Música: Pierre Bastaroli. Intrérpretes: Biyouna (Zineb Agha / Madame Aldjéria), Aylin Prandi (Paloma / Rachida), Fadila Ouabdesselam (Mina), Nadia Kaci (Shéhérazade / Zouina), Daniel Lundh (Ryyad), Lyes Salem (Maestro Djaffar). Distribuidora: Embajada de Francia.

La gran cena

La gran cena

LA GRAN CENA (La graine et le mulet, Francia, 2007, 2h 31’) Drama.
Ciudad de Sète (Francia), en el puerto marítimo. El señor Beiji es un hombre casado de 60 años empleado de los astilleros, un trabajo que se ha ido haciendo cada vez más insoportable con el paso de los años. Por otro lado, es un cabeza de familia divorciado que intenta a toda costa mantener unidos a sus seres queridos, una tarea difícil a causa de los desequilibrios familiares, las continuas tensiones que siempre parecen a punto de explotar y las dificultades económicas que no hacen más que empeorar las cosas. En esta delicada etapa de su vida, parece que todo contribuye a hacerle sentir inútil. Sin embargo, sólo piensa en superarlo y decide abrir un restaurante. Pero no va a ser fácil. Gran Premio del Jurado, Premio de la Crítica y Premio a la Actriz Revelación, Festival de Venecia.

Dirección y guión: Abdel Kechiche. Producción: Claude Berri. Fotografía: Lubomir Bakchev. Montaje: Ghalya Lacroix y Camille Toubkis. Dirección artística: Benoît Barouh. Intérpretes: Habib Boufares (Slimane Beiji), Hafsia Herzi (Rym), Farida Benkhetache (Karima), Abdelhamid Aktouche (Hamid), Bouraouïa Marzouk (Souad), Alice Houri (Julia), Cyril Fayre (Sergueï), Leila D’Issernio (Lilia), Abdelkader Djelouilli (Kader), Bruno Lochet (Mario), Olivier Loustau (José). Distribuidora: Embajada de Francia.

Me enamoré en París

Me enamoré en París

ME ENAMORÉ EN PARÍS (Faubourg 36, Francia – Alemania – República Checa, 2008, 1h 45’) Comedia musical. La acción transcurre entre diciembre de 1935 y julio de 1936 en un barrio periférico del nordeste de París, barrio popular donde la elección del Frente Popular en primavera ha despertado locas esperanzas y anhelos extremistas. Así es como tres obreros en paro deciden ocupar por la fuerza el music-hall donde trabajaban y montar por su cuenta un «espectáculo taquillero». La sala servirá de escenario a la más efímera bella empresa humana del mundo. Nominada al Oscar, Mejor Canción.

Dirección y guión: Christophe Barratier. Producción: Jacques Perrin y Nicolas Mauvernay. Fotografía: Tom Stern. Montaje: Yves Deschamps. Música: Reinhardt Wagner. Intérpretes: Gérard Jugnot (Pigoil), Clovis Cornillac (Milou), Kad Merad (Jacky), Nora Arnezeder (Douce), Pierre Richard (Sr. TSF), Bernard-Pierre Donnadieu (Galapiat), Maxence Perrin (Jojo), François Morel (Célestin), Élisabeth Vitali (Viviane), Eric Naggar (Grevoul), Eric Prat (Tortil). Distribuidora: Gran Cine.

Sueños de Niños

Sueños de Niños

SUEÑOS DE NIÑOS (Khamsa, Francia, 2008, 1h 30’) Drama.
Khamsa, de 13 años, vive en una familia de acogida como medida de protección. Un día se fuga para regresar al campamento gitano en el que nació. El comienzo del verano transcurre entre baños en los astilleros de l’Estaque, partidas de cartas nocturnas y hurtos en casa de los vecinos. Con su primo, el enano Boyard, Khamsa compra un gallo de pelea. Ambos sueñan con ser ricos y libres. Mientras tanto, Khamsa se dedica a hacer gamberradas con Coyote, su amigo de infancia, con quien conoce a Rachitique, un joven árabe de una barriada cercana. Rápidamente, el trío de inconscientes pasa del robo de motos al de casas.

Dirección y guión: Karim Dridi. Producción: Karim Dridi, Karina Grandjean. Fotografía: Antoine Monod. Montaje: Lise Beaulieu. Música: Joël Rangon. Intérpretes: Marco Cortes (Marco Sigala- “Khamsa”), Raymond Adam (Coyote), Tony Fourmann (Tony), Medí Laribi (Rachitique), Sarah Laure Melodía), Magalie Contreras (Rita), Maéva Fertier (Lola), Simon Abkarian. Distribuidora: Embajada de Francia.

Una niña en nuestras vidas

Una niña en nuestras vidas

UNA NIÑA EN NUESTRAS VIDAS (Comme les autres, Francia, 2008, 1h 38’) Comedia.
Manu y Philippe forman la pareja perfecta, se aman y se llevan bien, hasta que Emmanuel siente el deseo de ser padre, a pesar de la oposición de Philippe. Arriesgándose a perder a su gran amor, sigue adelante. Pero, ¿cómo tener un hijo siendo gay?

Dirección y guión: Vincent Garenq. Producción: Christophe Rossignon. Fotografía: Jean-Claude Larrieu. Montaje: Dorian Rigal-Ansous. Música: Laurent Levesque y Loïk Dury. Dirección artística: Yves Brover. Intérpretes: Lambert Wilson (Manu), Pilar López de Ayala (Fina), Pascal Elbé (Philippe), Anne Brochet (Cathy), Andrée Damant (Suzanne), Florence Darel (Isa), Marc Duret (Marc), Liliane Cebrian (madre de Fina), Luis Jaime Cortez (padre de Fina). Distribuidora: Embajada de Francia

Las horas del verano

Las horas del verano

LAS HORAS DEL VERANO (L’heure d’été, Francia, 2008, 1h 42’) Drama. Los caminos de tres hermanos en la cuarentena chocan cuando su madre, encargada de gestionar la excepcional colección de arte del s. XIX que perteneció a su tío, muere repentinamente. Los tres se verán obligados a entenderse y a limar sus diferencias. Adrienne (Juliete Binoche), una diseñadora con éxito en Nueva York; Frédéric (Charles Berling), un economista y profesor universitario en París; y Jérémie (Jérémie Renier), un dinámico hombre de negocios asentado en China, deberán enfrentarse al fin de su niñez, memorias compartidas, sus orígenes y su particular visión del futuro.

Dirección: Olivier Assayas. Guión: Clémence Schaeffer. Producción: Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz y Charles Gillibert. Fotografía: Eric Gautier. Montaje: Luc Barnier. Intérpretes: Juliette Binoche (Adrienne), Charles Berling (Frédéric), Jérémie Renier (Jérémie), Edith Scob (Hélène), Dominique Reymond (Lisa), Valerie Bonneton (Angela), Isabelle Sadoyan (Eloise), Kyle Eastwood (James), Alice de Lencquesaing (Sylvie), Emile Berling (Pierre), Jean-Baptiste Malartre (Michel Waldemar). Distribuidora: Embajada de Francia.

Rosa y Negro

Rosa y Negro

ROSA Y NEGRO (Rose et noir, Francia – España, 2009, 1h 43’) Comedia. En 1577, Pic Saint Loup, gran modisto venido a menos, recibe una misión diplomática del rey Enrique III: confeccionarle un traje de ceremonia de inigualable belleza para la boda concertada de uno de sus sobrinos con la hija de un Grande de España. Así es como Saint Loup (un tanto afeminado) se pone en camino, rumbo a esa España católica integrista que persigue sin tregua a protestantes, moros, judíos y homosexuales. Pero lo que ignora es que le acompaña un protestante, su fiel secretario, seguido de todo un variopinto grupo de colaboradores.

Dirección: Gérard Jugnot. Guión: Gérard Jugnot y Philippe Lopes Curval. Producción: Manuel Munz, Gérard Jugnot y Edmundo Gil Casas. Fotografía: Gérard Simon. Montaje: Catherine Kelber. Música: Roque Baños. Dirección artística: Jean Louis Poveda. Intérpretes: Gérard Jugnot (Pic Saint Loup), Bernard Le Coq (Castaing), Juan Diego (Poveda), Assaad Bouab (Flocon), Stéphane Debac (Myosothis), Saïda Jawad (Amalia), Patrick Haudecouer (Sergio), Raphaël Boshart (Frédéric), Aixa Villagran (Margarita), Javivi Gil (Miguel).

Conversaciones con mi jardinero

Conversaciones con mi jardinero

CONVERSACIONES CON MI JARDINERO Tras haberse hecho un renombre en París, un pintor regresa a su pueblo natal en la Francia profunda para ocupar la casa en la que creció. Un jardín de buenas proporciones rodea el edificio. Pone un anuncio en el periódico local buscando un jardinero. El primer candidato, y el definitivo, es un antiguo compañero de colegio milagrosamente reencontrado después de tantos años. Los días pasan y el pintor descubre a un hombre que acaba por asombrarle gracias a su franqueza y a la simplicidad de la mirada con la que ve el mundo.
Dirección: Jean Becker. Guión: Jean Cosmos, Jacques Monnet y Jean Becker; basado en la novela de Henri Cueco. Producción: Louis Becker. Fotografía: Jean-Marie Dreujou. Montaje: Jacques Witta. Diseño de producción: Thérèse Ripaud. Intérpretes: Daniel Auteuil (el pintor), Jean-Pierre Darroussin (el jardinero), Fanny Cottençon (Hélène), Alexia Barlier (Magda), Hiam Abbass (esposa del jardinero), Élodie Navarre (Carole). Distribuidora: Gran Cine.

Además, en el marco del festival se estrenará y exhibirá el docudrama de Malena Roncayolo, De Navíos, Ron y Chocolate, una suerte de crónica que recoge la historia de la inmigración corsa en nuestro país, además, de exhibiciones de Cine Móvil en exteriores de varias ciudades del país.

Finalmente, en el marco de los convenios de cooperación entre Francia y Venezuela, habrá una serie de actividades académicas:

un taller de realización con el director y docente Guy Jacques para 15 cineastas; un Seminario Regional Andino sobre Distribución y Exhibición, con la participación de Unifrance; un acuerdo con el CNAC para la traducción de proyectos venezolanos destinados a “Fonds Sud”. Son algunos de los proyectos claves que la cooperación francesa compartirá este año con el mundo cinematográfico de Venezuela.