Black Swan, Natalie Portman y Sarah Lane, una historia de dobles

Sarah Lane, la doble de la discordia

Sarah Lane, la doble de la discordia

Es curioso cómo la sinopsis argumental de Black Swan se ha prolongado en la vida real, en una vuelta de tuerca que haría las delicias de un Jorge Luis Borges, escritor obsesivo del tema de los dobles, espejos y espejismos.

En el film, Portman intepreta a una ballerina en pleno proceso de desdoblamiento, atrapada en la dualidad entre la realidad y la ficción, entre su persona y los personajes dobles que debe interpretar: el cisne blanco, el cisne negro. Según declaró a Inside Movies en noviembre pasado, la actriz usó una doble de cuerpo para las secuencias de danza más complejas.

Tuve una doble para cosas complicadas. Eran cosas que no habría podido hacer en un año, nada que pudiera conseguir. Pero pienso que era mejor todo cuanto estuviera a mi alcance.

Portman ganó el Oscar y poco después la ficción comenzó a hacerse realidad. Y, como en el film en una paradoja borgina, su doble (de cuerpo), Lane, se rebeló:

Ellos buscaban crear la idea de que Natalie era una suerte de prodigio, o que era tan talentosa y que trabajó tan fuerte que en año y medio hizo de sí misma una ballerina para la película, básicamente para el Oscar. Básicamente esto es denigrante para la profesión, no solamente para mí. Yo he hecho esto por 22 años. ¿Puedes tú convertirte en una pianista concertista en año y medio, incluso si eres una estrella de cine?

Digo, desde el punto de vista de una bailarina profesional, ella no luce del todo como una ballerina profesional y no puede bailar en zapatillas de ballet. No puede mover su cuerpo, es muy rígida.

A Lane le salió al paso, el coreógrafo Benjamin Millepied, pareja de la actriz:

Honestamente, el 85 por ciento de la película, es Natalie.

También Darren Aronofsky, acudió en defensa de Portman:

Esta es la realidad. Le pedí a mi editor que contara los planos. Hay 139 planos de danza en la película. En 111 está Natalie sin retocar. Veintiocho son de su doble de cuerpo, Sarah Lane. Si se sacan cuentas, eso significa que Natalie está en el 80 por ciento del metraje. ¿Y qué me dicen de la duración? Los planos que presentan a la doble son planos generales y raramente duran más de un segundo. Hay dos largas secuencias de danza compleja en las que usamos sustitución de rostro. De modo que, si juzgamos por tiempo, Natalie estaría en el 90 por ciento de las secuencias de danza.

Y, para aclarar, Natalie bailó en zapatillas de ballet. Si se mira con atención el plano final del prólogo, que dura 85 segundos, y fue interpretado por Natalie, notarán que ella deja la escena en puntillas. Es completamente ella. sin ningún truco digital. Estoy respondiendo para poner esto en perspectiva y defender a mi actriz. Natalie sudó duro y largo para entregar una gran actuación, física y emocional. Y no quiero que nadie piense que no es ella a la que están viendo. Así es.

Acaso tenga razón el amigo Henry Figueroa Brett cuando me escribe, vía Twitter:

De todas maneras el Oscar es por actuación no por bailar. Eso seria American Dancer… ¿O no?

Quizás pronto veamos una película en la que una actriz, desdoblada en ballerina, que a la vez se desdobla en el papel doble de cines negro/blanco, es perseguida por una ballerina, empleada como su doble de cuerpo, que cree ser el verdadero cisne negro… O algo así.

Black Swan | Video sobre la sustitución de rostros

Nihon Chinbotsu, trailer de El hundimiento de Japón

El Hundimiento de Japón, póster

El Hundimiento de Japón, póster

Hace media década, reseñé en otro blog, el trailer de una curiosa película de catástrofes, Nihon Chinbotsu (El Hundimiento de Japón) de Shinji Higuchi. Entonces, escribí lo siguiente:

Una serie de explosiones volcánicas sacude Japón. Desde el océano se acerca un tsunami de colosales proporciones. En tierra, terribles terremotos se suceden unos tras otros. Los edificios se derrumban como si de castillos de arena se trataran, mientras que en el campo, los sembradíos se abren en dos y se tragan rebaños enteros, las laderas de las montañas se vienen abajo y tapian poblaciones completas. En una toma satelital, vemos cómo el archipiélago nipón desaparece lentamente bajo las aguas.

Cualquiera diría que lo único que Nihon Chinbotsu (El Hundimiento de Japón) es una película de Godzilla, pero sin Godzilla. El filme de Shinji Higuchi es a la vez un remake de un filme del mismo nombre de 1973 y la adaptación de las novelas de ciencia ficción Nippon chinbotsu (ue) y Nippon chinbotsu (shita) de Sakyô Komatsu. Estrenado en julio pasado, Nihon Chinbotsu batió todos los records de asistencia con 3 y medio millones de espectadores, desbancando seguras apuestas occidentales como Superman Returns y la continuación de Piratas del Caribe.

Nihon chinbotsu | Trailer

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Midnight in Paris [trailer], Woody Allen sigue en su etapa europea

El poster de Midnight in Paris, homenaje a Van Gogh

El poster de Midnight in Paris, homenaje a Van Gogh

De un tiempo a esta parte, Woody Allen decidió filmar allá donde están sus más fieles seguidores: en Europa. En Inglaterra, España o Francia.

En Midnight in Paris, el más prolífico de los realizadores americanos, rinde tributo a la llamada Ciudad Luz, con una historia que entremezcla realidad y fantasía.

Es una comedia romántica ambientada en París, que narra la historia de una familia que viaja a esta ciudad por motivos de trabajo, así como la de dos jóvenes prometidos que se casarán en otoño. Las experiencias que tienen en la capital francesa cambiarán sus vidas. Cuenta el gran amor que siente un joven por una ciudad, París, y la ilusión que tiene la gente de creer que una vida diferente a la suya sería mucho mejor.

El trailer me recordó cierta tarde de verano en París de hace casi 10 años. Yo estaba parado en uno de los puentes que cruzan el Sena —es muy posible que haya sido el Pont Neuf—. El sol caía tras los edificios, al final del río y bañaba la ciudad con una luz tan dorada que parecía como de miel. Al ver el espectáculo de la ciudad en pleno crepúsculo, un oficinista se paró a mi lado, dejó el maletín en el suelo, se arremangó la camisa y se aflojó la corbata. Miró hacia el poniente y luego me dijo:

Hermosa, ¿no?

Midnight in Paris está protagonizada por Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Kathy Bates, Michael Sheen, Adrien Brody, Nina Arianda, Tom Hiddleston, Corey Stoll, Mimi Kennedy, Kurt Fuller y, ya lo sabían, Carla Bruni-Sarkozy.

Este trailer es una buena manera de comenzar el día.

Midnight in Paris | Trailer

Sony devela sus nuevos modelos de cámaras NEXCAM

Sony NEX-FS100U

Sony NEX-FS100U

Tal parece que tampoco habrá vuelta atrás para Sony.

A finales de la semana pasada, el gigante nipón dio a conocer sus nuevos modelos de cámaras de video, semi profesionales. Con óptica intercambiable y toda suerte de posibilidades de configuración, es claro que Sony apunta a recuperar la tajada de mercado que de forma imprevista le arrebataron las DSLR.

Son tres los moddelos: NEXT-FS100U, NEXT-FS100UK y HXR-NX70U. Los dos primeros están equipados con sensores Exmor Súper 35 CMOS —el mismo de la PMW-F3— y óptica intercambiable (montura E), lo que promete profundidad de campo reducida y foco selectivo. El tercer modelo, HXR-NX70U, viene con óptica fija, pero por una buena razón que detallamos más adelante.

Algunos comentaristas destacan el parecido del diseño de la Sony NEX-FS100U, con las viejas Hasselblad

Algunos comentaristas destacan el parecido del diseño de la Sony NEX-FS100U, con las viejas Hasselblad

Los tres modelos también prometen buenas imágenes en condiciones de baja iluminación (hasta 0.2 lux, en el caso de las FS100U y FS100Uk, y hasta 1.5 lux en el caso de la HXR-NX70U), grabadas en AVCHD full HD 1080p (60p / 30p / 24p or 50p / 25p) MPEG4 AVC/H.264, y almacenadas en tarjetas SD, SDHC, SDXC y Memory Stick PRO Duo. La HXR-NX70U viene con almacenaje interno de 96 Gb.

Las cámaras NEXFS100U y NEXFS100UK también ofrecen velocidad variable. Además, Sony asegura que estos nuevos modelos presentarán menos problemas de pixelado, efecto gelatina y moiré, acaso el talón de Aquiles de algunas DSLR.

La HXR-NX70U, según afirma Sony, es una cámara resistente a la lluvia y a la arena, lo que la haría ideal para trabajo documental. Ojo: es resistente a la lluvia, no a prueba de agua, ni se les ocurra sumergirla en la bañera “para probar”.

Los precios:

  • NEX-FS100U (sin lentes) – $5,850
  • NEX-FS100UK (con lentes) – $6,550
  • HXR-NX70U – $3,200

Atrapada, a partir de hoy viernes 25 de marzo en salas de cine de Venezuela

Mariola, entre el encierro y el abismo. Atrapada, de Franco de Peña

Mariola, entre el encierro y el abismo

Hoy, viernes 25 de marzo de 2011, se estrena por fin en Venezuela, Atrapada (Your Name is Justine), segundo largometraje del realizador venezolano Franco de Peña.

El filme permaneció enlatado por casi cinco años debido a inconvenientes relacionados con los derechos de autor y la distribución, según ha explicado Peña. No obstante, el Circuito Gran Cine ha logrado destrabar el proceso y realizar un estreno restringido del filme.

Atrapada es una historia claustrofóbica, con ecos del viejo Polanski, sobre el tema de la trata de blancas en Europa. Tiene como protagonista a una inocente muchacha polaca que sufrirá una transformación de pesadilla.

Peña explica:

Después de haber leído y escuchado cientos de testimonios –cuenta Franco de Peña-, escribí una historia de ficción de una chica de 18 años, llamada Mariola, donde recogía el mecanismo psicológico de horror utilizado por las bandas de secuestradores para reducir a un ser humano a un estado de miedo, privación y penuria, haciéndolo actuar como ellos quieren.

A través de una construcción claustrofóbica del espacio me propuse mostrar el proceso de transformación de la psique de Mariola hasta la posterior reducción de su identidad”, aclara el director.

Estéticamente decidí utilizar una Fotografía expresiva, minimalista en el espacio y muy subjetiva, basándome en el punto de vista de la protagonista, y una narración en primera persona. Con pocos escenarios, la historia transcurre principalmente en un apartamento en Berlín, ‘su jaula’.

La violencia es sugerida y predomina su aspecto psicológico que es más doloroso. Durante la historia intento permanecer lo más cercano posible a Mariola y su tragedia.

El film está protagonizado por Dominique Pinon, actor entre otros films de Delicatessen y Amélie, Matthieu Carrière, que trabajó con el director alemán R.W. Fassbinder, y Arno Frisch, entre cuyos trabajos se encuentran sus colaboraciones con el aclamado director Michael Haneke (Benny’s Video y Funny Games). La joven Anna Cieslak es la encargada de darle vida a Mariola.

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Dice la sinopsis argumental del film:

Mariola (19), una chica de un pueblito polaco añora con tener una vida mejor, conocer otros países, visitar el mar. Un día le confiesa a su abuela y a sus mejores amigas – Hania y Ola que planea viajar con su novio Artur a conocer el Mar. Ella está profundamente enamorada de él, quien fue su primer novio de la escuela. Su abuela desaprueba el viaje.

Al caer la tarde Mariola se fuga con Artur. Ellos manejan toda la noche por una carretera que los llevará a su viaje de ensueño. Pero esa noche, al llegar a Berlín, Mariola desaparece. ATRAPADA en la azotea de un edificio en ruinas, Mariola intenta escapar, pero un salto de 20 metros de altura significaría su muerte. Mariola se halla en una trampa, nadie la escucha gritar, el edificio está en medio de un terreno abandonado.

Gunther, el Juri y Nico, le informan que a partir de ahora su nombre es Justine y deberá prostituirse, amenazándole que sino lo hace tomarán represalias contra su familia.

Mariola,en plena metamorfosis. Atrapada, de Franco de Peña

Mariola,en plena metamorfosis. Atrapada, de Franco de Peña

Cuando Mariola trata de escapar es brutalmente vejada. Cada día que pasa, Mariola sufre humillaciones, hambre, frío y aislamiento, su salud empeora. La banda quiere quebrarle su resistencia pero Nico el más débil de ellos se niega a maltratarla. Nico quiere convertirse en su “DOMADOR” y le promete a los otros que en 10 días la transformará en una chica productiva y dócil. Su plan secreto es lavarle el cerebro para que ella lo acepte como “su hombre”. Para Mariola, alias Justine, la luz al final del túnel, la espera con el resplandor agridulce de una fracturada identidad.

Atrapada es una asombrosa historia sobre la esclavitud moderna… Todos los años 2 millones de personas son vendidas en el mundo, cerca de doscientas mil mujeres son vendidas en Europa para trabajar como prostitutas… Esta es la historia de uno de ellas

Peña supo de esta historia a través de una serie de reportajes periodísticos publicados en un diario polaco. Escribió el guión con la ayuda de sendas becas de Cannes y Berlín y obtuvo financiamiento europeo.

Estrenada en el Festival de Montreal, Atrapada, ganó el Premio a la Mejor Contribución Artística, así como tambien el PRIX JURY DE FEMMES a la Mejor Película, Festival de Mons, Bélgica; el Premio a la Mejor Actriz, Festival de cine Polaco Gdynia, Polonia; el Premio EURIMAGES, Mejor Coproducción Europea Festival de Cine Europeo de Sevilla 2006; el Premio del Jurado, Festival Latino de los Ángeles 2006; el Precolombino de Bronce, XXIII Festival Internacional de Bogotá; el Premio de Cine Luxemburgués a la Mejor Película Luxemburguesa 2007, y seleccionada por Luxemburgo para el Premio Oscar como Mejor Película Extranjera; entre otros reconocimientos.

Atrapada | Ficha Técnica

Dirección: Franco de Peña. Guión: Franco De Peña, Tomasz Kepski, Chris Burdza. Producción: Stéphan Carpiaux, Wioletta Gradkowska, Piotr Dzieciol. Fotografía: Arek Tomiak. Música: Nikos Kypourgos. Dirección de Arte: Christina Schaffer. Montaje: Jaroslaw Kaminski. Sonido: Jan Freda. Intérpretes: Anna Cieslak (Mariola / Justine), Arno Frisch (Niko), Rafal Mackowiak (Artur), Matthieu Carrière (Gunther), Dominique Pinon (Tío Goran). Distribuidora: Gran Cine.

Sobre Franco de Peña

Egresado de la Escuela de Cine de Lodz en Polonia, famosa escuela de la que han salido cineastas de la talla de Andrzej Wajda, Roman Polanski, Krzysztof Kieslowki y Krzysztof Zanussi, Franco de Peña ha realizado 2 largometrajes, 3 mediometrajes y varios cortometrajes. Su cortometraje El susurro del viento (1993) y su primer largometraje Amor en concreto (2003) representaron a Venezuela en más de 70 festivales, ganando más de 20 premios internacionales. Amor en concreto es la primera película venezolana hecha de manera independiente y en formato digital.

Atrapada | Los rostros de Mariola

No hay vuelta atrás después de filmar con una DSLR

Canon 60D, el pequeño detalle que la hace grande: monitor articulado

Canon 60D, el pequeño detalle que la hace grande: monitor articulado

Al menos, no la habrá para quien escribe.

Me senté a escribir con la idea inicial de hacer una reseña de la cámara Canon EOS 60D que estoy usando en el documental en el que estoy trabajando. Pero antes de examinar los detalles técnicos, me apetece más hablar de la experiencia como realizador y de lo que significa para el lenguaje cinematográfico el uso de unos de estos aparatos.

La primer vez que usé la cámara fue para filmar unas muñecas de 30 centímetros cuyas cabezas no eran más grandes que una nuez. Y me bastó mirar por el visor para darme cuenta de lo constreñido que estuve todos estos años debido a las limitaciones usuales de las cámaras de video convencionales. Estoy hablando, principalmente, de lo que incansablemente se destaca como la principal ventaja de las DSLR. Me refiero al manejo de la profundidad de campo, al foco selectivo y a las posibilidades expresivas que brinda una buena colección de lentes. Me bastó el primer el encuadre para saber que sí, efectivamente, era la óptica, estúpido. Fue un efecto liberador.

Canon 60D

Canon 60D

Confieso que antes de usar la Canon 60D no pensé que podía ser para tanto. Pero me equivocaba, sólo que no me había percatado. Intuía que algo muy importante me faltaba, pero no podía decir qué era. ¿Saben como cuando un zapato te molesta pero sólo te das cuenta cuando te lo quitas? Bueno, así.

No digo que no sea válido. Al fin y al cabo, cada historia demanda su propio enfoque y no hay mejor cámara que la única que se tiene a mano. Además, ya es bien sabido que las limitaciones casi siempre propician las mejores y más creativas soluciones. Sobre todo, en el cine. Tampoco quiero decir que no volvería a utilizar una de esas camcorders con lentes fijos y sensores diminutos. De hecho, en el mismo documental estamos usando una vieja Sony HDR-HC1 como una suerte de cámara de respaldo y no me cabe la menor duda de que mucho de lo que ya se ha filmado con esa cámara, terminará de una u otra forma, en el trabajo final.

Volviendo al punto, simplemente quiero decir que no sabía yo lo que me estaba perdiendo. Lo que había abandonado en el camino por razones técnicas. Por limitaciones técnicas. ¿Cómo pude filmar con semejante camisa de fuerza?

El elusivo monstruo del fuera de foco selectivo y la profundidad de campo

El elusivo monstruo del fuera de foco selectivo y la profundidad de campo

Mucha agua ha corrido desde que publicamos aquel artículo titulado Cómo hacer que el video parezca cine, hace apenas seis años. Lo supe al mirar a través del visor y descubrir la diminuta cabeza de la muñeca llenando todo el encuadre y aislada de un fondo multicolor por la magia del fuera de foco. Y, lo mejor de todo, es que habíamos obtenido este resultado sin necesidad de pesados, costos e inmanejables adaptadores de 35 mm, ni de soluciones desesperadas como aquella de enroscarle a tu lente una cámara SLR completa.

Nada, esta vez no había nada más que una simple cámara, sin aditamento extravagante alguno. ¿Y la resolución, el ruido digital en condiciones de baja iluminación o el efecto gelatina qué? Pues me tienen sin cuidado. Imperfecciones o limitaciones que se pueden asumir tranquilamente si se comparan con la enorme ventaja de recuperar el manejo de la profundidad de campo como una de las herramientas creativas del lenguaje cinematográfico.

Monitor articulado, imprescindible para el video

Monitor articulado, imprescindible para el video

Tengo la intención de escribir más adelante sobre lo que significa para un documentalista tener siempre a mano tu equipo, presto para rodar, y que todas tus herramientas quepan en un morral de mediano tamaño. También quisiera contarles cómo un equipo tan liviano propicia un clima de mayor intimidad y confianza con tus entrevistados y los personajes de tu historia. Además, tengo la idea de ir publicando reseñas de algunas herramientas que hacen posible el ideal del gran Glauber Rocha de una cámara en la mano, una idea en la cabeza. Además de las cámaras, el Fig Rig, el grabador de sonido Zoom H4n, las lámparas LED de Ikam o el estabilizador de cámara y sistema de enfoque “Captain Stubling” de Red Rock Micro.

Sobre la Canon 60D puedo adelantarle que comparto completamente la opinión de Stu Maschwitz (autor de The DV Rebel’s Guide, gurú del cine digital y diseñador del Captain Stubling) cuando afirma que, en materia de video, no hay nada que haga la Canon 7D que la 60D no pueda hacer. Y mucho más, pues su monitor articulado (el de la 60D quiero decir) es imprescindible para trabajar en video.

Sí, este artículo suena como el eureka de alguien que acaba de descubrir el agua tibia. Pero ni modo.

Muere Elizabeth Taylor

Elizabeth Taylor

Esta mañana ha muerto la actriz Elizabeth Taylor en Los Angeles, cito la nota de la BBC con la noticia:

La actriz británica falleció a los 79 años en el hospital Cedars-Sinai Medical Center, en Los Ángeles (Estados Unidos), donde había sido internada en febrero.

Allí la actriz estaba siendo tratada por una insuficiencia cardíaca.

Taylor apareció en más de 50 películas, incluyendo “Cleopatra” (1963), en su momento el filme más caro de la historia.

Ganó dos Oscar por sus interpretaciones en “Butterfield 8″ (o “Una mujer marcada”, 1960) y “¿Quién le teme a Virginia Woolf?” (1966).

Taylor era considerada una de las mayores estrellas cinematográficas del siglo XX.

Pero también fue famosa por su agitada vida personal: tuvo siete maridos, entre ellos el actor Richard Burton, con quien se casó dos veces.

Sin duda Liz Taylor fue una de las grandes leyendas del cine de Hollywood, especialmente en la década de los 60.

Por Eliana N.

Uppercut, documental sobre un club de pelea real

Uppercut, de Drea Cooper y Zackary Canepari

Uppercut, de Drea Cooper y Zackary Canepari

Suele causar sorpresa y maravilla que a veces la realidad no sólo imite, sino también supere a la ficción de forma azarosa. Pero en ocasiones, la realidad imita a la ficción, ex profeso y despierta idéntico asombro.

Por ejemplo, el último micro documental publicado por el excelente sitio California is a place. Se titula Uppercut y tiene como protagonistas a los integrantes de un club de la pelea real de Palo Alto. Son un grupo de profesionales de la informática que, cansados de la rutina diaria, un día a la semana después del trabajo se despojan de sus papeles de machos domesticados y se sacan la madre a porrazos, con lo que tengan a mano. Uppercut ha sido realizado por Drea Cooper y Zackary Canepari, los editores de California is a Place.

Advertencia: ver el video con precaución, hay material violento allí dentro.

BlogaCine en la Agenda Éxitos, emisión del 18.03.2011

Godzilla

Godzilla

Hacía un par de semanas que el ajetreo diario no me permitía escribir este post de los viernes. A ver si a partir de ahora retomamos la costumbre.

Escucha BlogaCine en la Agenda Éxitos.

En la edición de hoy hablamos de la campaña viral de Súper 8, la última película de J.J. Abrams.

También comentamos la decisión de Warner Bros. de retirar Más allá de la Vida, la última película de Clint Eastwood, para no herir susceptibilidades después del terribe tsunami y el terremoto que desoló buena parte del país.

Del mismo modo, hicimos referencia al impacto que el desastre natural podría tener para la recaudación de las películas hollywoodenses en el país asiático y a la afición nipona por las películas de desastres apocalípticos.

En la segunda parte de la emisión, conversamos con el realizador venezolano Franco de Peña, quien finalmente podrá estrenar su película Atrapada (Your Name is Justine) en Venezuela. Será el próximo 25 de marzo.

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A 50 años de Mondo Cane (y III)

Perro Mundo, en español

Perro Mundo, en español

PorJuan Cruz Bacaro [@JuanBacaro]

Ir a la primera y a la segunda parte.

El Oscar y Cannes

Curioso es además que Mondo Cane obtuviera una nominación al Premio de la Academia, el Oscar. Esto sucedió en el año 1964, cuando el tema “More” compuesto por Riz Ortolani y Nino Oliviero, y cantado por Norman Newell, fue considerado al galardón en el rubro de “Mejor Canción”.

Ese mismo año Riz Ortolani estuvo nominado al Grammy, por la composición de la banda sonora, la cual es una maravilla, y es probablemente el mejor acierto de Mondo Cane. El matrimonio imagen-música es una delicia.

Para inflar un poco más el asunto, dos años antes, en Cannes, la película optó por la Palma de Oro, y ganó el premio David di Donatello a la “Mejor Producción”.

Aquí “More” cantado por Judy Garland en uno de los capítulos de “The Judy Garland Show”.
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También existen versiones de Nat King Cole, Roy Orbison y el mismísimo Frank Sinatra, entre otros.

Mi top 5 de las secuencias que se ven en Mondo Cane

Admito que me impacté en varios momentos (solo en un par) de la película, pero finalmente concluyo que es una película asombrosa y hasta risible. Es por esto que quizás un abreboca adicional pueda interesarle a más de un lector de este post, sobre todo porque “Mondo Cane” (e incluso su secuela) se puede conseguir fraccionada en YouTube. Debe haber versiones más extensas que otras. De hecho el trailer suma escenas que no vi en el compilado que obtuve en DVD.

En todo caso, les doy un avance en forma de “top”:

1) En el Pacífico, una década después de la última explosión de la Bomba H, a pocas millas de Atol de Bikini, un archipiélago envenenado ha generado que una variedad de peces abandonen brevemente su hábitat (desconfiando de la radioactividad) y ahora …trepan por los árboles!

2) De igual forma, en otra secuencia de “Mondo Cane” más parecida a un programa de animales del National Geographic, se narra como la contaminación atómica ha destruido el sentido de orientación de una tortuga, a la cual vemos caminando agonizante hacia el interior de la isla en vez de ir hacia el mar. Dramáticamente muere por el sol y el cansancio. Es tal vez la secuencia que más me impresionó.

Tortuga en Mondo Cane

3) En Tokio Onsen, se describe en imágenes la estación de “purificación y lubricación” de japoneses que han bebido toda la noche y amanecen totalmente borrachos. Las chicas encargadas de la limpieza y los masajes solo visten shorts y brassiers. Las escenas son hilarantes.

4) En la isla Tiberina, en Roma, la hermandad de “The Red Sacks” conserva esqueletos destartalados como “símbolo de piedad”, en una especie de museo macabro. Las familias protegen los huesos y visitan el lugar todos los viernes, donde hacen una fiesta. Es aquí donde vemos a niños manipulando calaveras cual si se tratara de juguetes desarmables de Fisher Price.

5) En Raiputh, en una aldea muy pobre de la costa de Malasia, pescadores que han sido mutilados por tiburones recogen aletas para ser vendidas a un restaurante (como comida afrodisíaca); a la vez que planean una terrible venganza en contra del escualo.

No estaría de más revisar los extravagantes libros que ya son casi una franquicia en Latinoamérica y que han sido aplicado como guías de turismo pero apuntadas hacia lo más inusitado de capitales como Buenos Aires, Bogotá, Lima y Santiago de Chile (escuché que también Caracas estaría en desarrollo), se trata de la serie “bizarro” de la cual se puede saber un poco más revisando este artículo.

Esta bibliografía se me hace perfecta para ser adaptada a un no menos sorprendente guión “mondo”, un tanto más urbano. ¿Se imaginan producir una película “Mondo Venezuela” en estos tiempos? ¿sobre qué harían un registro ustedes? Prácticamente, mientras sea insólito o extraño, todo vale!

Sarah Lane, la ballerina que dobló a Natalie Portman en Black Swan (más un excelente video sobre los efectos especiales)

Sarah Lane, el cisne negro en las sombras

Sarah Lane, el cisne negro en las sombras

¿Es Natalie Portman una buena ballerina o, al menos, una aceptable? ¿Puede una actriz formarse como ballerina en apenas año y medio? Son dos de las preguntas que permanecen en el centro de la discusión desde que Natalie Portman ganara el Oscar a la mejor actriz semanas atrás.

Para un absoluto y completo ignorante del tema del ballet como yo, su trabajo me pareció muy convincente. Incluso, creo se me antojo al nivel del de Robert de Niro en Toro Salvaje. Así como de Niro podía convertirse en boxeador profesional, después de ver Black Swan salí convencido de que Portman podía fácilmente dejar el cine y dedicarse a la danza profesional.

No estaba tan equivocado. O quizás, lo estaba, pero no de la manera que yo creía. Portman resulta creíble como ballerina porque, en realidad fue una ballerina la encargada del trabajo. Sólo que por, obra y gracia de los efectos especiales, su cabeza fue reemplazada por la de la actriz. Su nombre es Sarah Lane y es miembro del American Ballet Theatre. Si no les suena es porque los productores del film se encargaron de mantenerla en secreto.

Lane en el Set

Lane en el Set

Dice ella:

Ellos (los produtores) estaban tratando de crear esta fachada de que ella (Natalie Portman) se había convertido en una ballerina en un año y medio. De modo que yo sabía que no querían darle publicidad a nada acerca de mí. Lo más desafortunado de todo es que, como bailarines profesionales, trabajamos muy duro, pero la gente cree que es lo suficientemente fácil como para hacerlo en un año. Eso es lo que me molesta más.

Pero no sólo Portman usó un doble de cuerpo, también Mila Kunis fue doblada por una ballerina profesional, la solista del American Ballet Theatre, Maria Riccetto.

Según Dance Magazine, los productores llegaron al colmo de eliminar a Lane del video tras cámaras que recopilaba algunos de los extraordinarios efectos visuales de la película.

Black Swan | Video Original


…..

Black Swan | Nuevo Video

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Vía | Dance Magazine

Red Dawn, ¿amanecer rojo, chino o coreano?

Por: Juan José Espinoza Aguilar

Un nuevo rojo amanecer… ¿coreano?

Un nuevo rojo amanecer… ¿coreano?

En el marco del fortalecimiento de las relaciones bilaterales entre Venezuela y China, evidenciada, además,  por la firma de cuatro acuerdos estratégicos, me conseguí con esta información relacionada con el remake de la película Red Dawn (1984), dirigida y co-escrita por John Millius (Apocalypse Now, Conan The Barbarian) que planteaba en aquel momento una situación de invasión por parte de la ahora extinta Unión Soviética a suelo estadounidense, con el trasfondo de lo que pudiese haber sido el inicio de la Tercera Guerra Mundial.

 

La película de Millius, vista ahora, no es más que una de esas curiosidades cinematográficas que junto a otras (la que primero viene a mi mente es Rocky IV) conforman ese grupo de películas, americanas en su mayoría, que nos pintaron un panorama casi caricaturizado de lo que fue un conflicto que se extendió por más de 40 años entre dos potencias.

Entonces Red Dawn, la de Millius, como curiosidad que es, no escapa a la tendencia actual de rehacer las cosas, por eso no sorprende tanto el hecho de que el remake esté en puertas. Lo que si llama mi atención es en primer lugar lo anacrónico que sigue siendo en gran parte la forma en que la maquinaria cinematográfica estadounidense continúa cometiendo errores a la hora de representar o tratar con cierta cultura ajena a la propia.

Me explico: para hacer viable (¿y pertinente, quizás?) el remake de Red Dawn en nuestros días, un enemigo como la Unión Soviética no tendría cabida, al menos que los guionistas se las ingeniaran para desarrollar una línea argumental en donde La Guerra Fría no terminó y aún seguimos en medio de aquel conflicto. La cuestión es que muy original no sería, pues básicamente es ese el punto de partida de Watchmen (2009) de Zack Snyder. Precisamente fue uno de los elementos en la historia que más dividió tanto al público como a la crítica “especializada”. Por eso los productores de Red Dawn, el remake, eligieron lo que consideraron podría ser el equivalente de la URSS en la actualidad, que no es otra que La República Popular China.

Algunos antecedentes para que no se pierdan: Red Dawn, el remake, que está dirigido por Dan Bradley (artífice de básicamente todas las escenas de riesgo que requieran de dobles en cuanta película de acción se les ocurra, ej. La Trilogía de Bourne) y escrita por Tony Gilroy (Michael Clayton) y Carl Ellsworth (Red Eye) fue una de las bajas resultantes de los problemas económicos de Metro Goldwyn Meyer – MGM, junto al binomio de películas basadas en El Hobbit y la nueva encarnación de James Bond, película referida hasta ahora como Bond 23.

El remake de Red Dawn ya está en “la lata” y luego de aplazarse su estreno para el pasado 24 de noviembre, los productores están considerando algunas variables que quizás desestimaron o ignoraron al momento de hacer la película.

Una de ellas es obviamente la reacción de China ante la película que los deja básicamente como los “villanos”. China tiene una larga historia con respecto a situaciones similares, la última, para no irnos muy lejos, fue la negativa del gobierno de permitir el estreno de The Dark Knight [2008] por considerar que elementos de la historia pintaban negativamente al pueblo y gobierno chino (en un momento de la película se refiere a la politica de no extradición del gobierno chino).

Amanecer rojo, el original

Amanecer rojo, el original

Al parecer los productores de Red Dawn no pretenden repetir el “error” que cometió en aquel momento Warner Brothers con la última de Batman. Básicamente, esa la primera preocupación y el artículo nos dice:

 

“Los distribuidores del film están nerviosos por la película y que los asocien con la misma, preocupados que esto pueda resultar en un inconveniente a la hora de hacer futuros negocios con el gigante asiático, uno de los mercados de más rápido crecimiento, y potencialmente lucrativo para las películas hechas en Hollywood, eso sin mencionar una infinidad de otros productos”

Como resultado de esto, ahora los cineastas están ahora realizando un extenso trabajo de post-producción para borrar digitalmente las banderas chinas y los símbolos de la película, llegando a substituir dialogos y alterar la línea argumental para ahora hacer parecer que la fuerza invasora es Corea del Norte, uno de los pocos mercados aislados donde las compañías americanas no tienen ningún tipo de inversión que pueda estar en pelígro por la película.

Personas cercanas a la película han declarado que los cambios costarán menos de 1 millón de dólares y éstos incluirán una radical alteración en el inicio del film, la re-edición de dos importantes escenas, además de todas las correcciones digitales a lo largo de la cinta para cambiar cualquier referencia china a coreana.

De acuerdo a las mismas fuentes, eliminar del film todas las referencias a China será imposible, sin embargo dichos cambios le darán ahora a Corea del Norte un rol más predominante en la trama.”

Por encima parecería que los productores resolvieron el asunto, pero todo este proceso de borrado digital, de reemplazar unos símbolos con los otros plantea otras interrogantes que específicamente tienen que ver con lo que dije antes respecto a la forma anacrónica de hacer las cosas. En primer lugar está la situación de los actores que interpretaban a los chinos en la película, que eran ¡actores coreanos! Así que en una vuelta del destino que no carece de sentido de ironía, ahora estos actores contratados para interpretar a chinos, terminarán interpretando coreanos (!)

Pero esa es sólo la punta del iceberg. Lo que realmente plantea una seria discusión es la lógica detrás del cambiazo y es que, básicamente, para el productor hollywoodense promedio todas las culturas asiáticas son iguales. Tal ignorancia podría ser vista como una ofensa aún mayor, no sólo por los chinos y coreanos, sino por todos los asiáticos en general.

A 50 años de Mondo Cane (II)

PorJuan Cruz Bacaro [@JuanBacaro]

El género “Mondo”

(Ir a la primera parte) Mondo Cane fue la bola de nieve que se convirtió en avalancha. No solo tuvo una secuela al año siguiente (dirigida nuevamente por Gualtiero Jacopetti y, ahora si, Franco Prosperi), sino que se fue desprestigiando con burdas imitaciones, que a diferencia de la original, multiplicaban el cúmulo de imágenes explícitas, convirtiendo el género “mondo” en básicamente documentales de espanto; incluso con imágenes falsas y trucadas en cada ocasión de forma más desvergonzada (y por lo tanto más desagradables).

Perro Mundo, otro poster

Perro Mundo, otro poster

Ya la correlación de secuencias que ofrecía Mondo Cane era sustituida por absoluto sensacionalismo, deformándose en simples colecciones de imágenes filmadas y falsas, de programas televisivos muy violentos, o diversos footages.

Es así como surgieron películas como Mondo Balordo, Shocking Asia o Faces of Death; además de Witchdoctor in Tails, Africa addio y Mondo Candido estas últimas realizadas por el propio Jacopetti; de hecho, fue lo último que dirigió; supongo por el mismo agotamiento del género al mutar hacia esta suerte de explotation del mal gusto que causó Mondo Cane, obra que a mi parecer permanece intacta y sana de desprestigio.

La versión original tuvo decenas de imitaciones en los años 60 y 70, entre las que se pueden contar Mondo Teeno, Mondo Bizarro y Mondo Nudo; cuyas descripciones no valdría la pena destacar en este momento. Incluso existe una Mondo Hollywood con chicas mostrando los senos, muchos peinados extraños y drogas por doquier. Russ Meyer también se unió a la moda otorgando su joya trash llamada Mondo Topless, cuyo argumento lo dejo a la imaginación de los lectores (si, incluye go-go dancers de las que usan corpiños talla XXL).

El inconveniente de estas versiones derivadas del Mondo Cane es que eran emulaciones toscas y aberrantes, aun más absurdas, y que con el tiempo fueron consideradas sumamente desagradables y, obviamente, prohibidas. En otras palabras, y tal como lo dice el experto argentino Diego Curubeto en su mini-enciclopedia “Cine Bizarro, 100 años de películas de terror, sexo y violencia”, esta película de Jacopetti “era terriblemente inocente al lado de los Mondo Films que vendrían después”.

Los cráneos de Mondo Cane

Los cráneos de Mondo Cane

Las imitaciones saturaban. De hecho, es casi lógico que a esta altura de la lectura podamos inferir que el clásico Cannibal Holocaust (1980, de Ruggero Deodato) es influencia directa del género “mondo”. La controversia y pormenores de este film italiano ya serían tema de otro post.

Tampoco me parece fuera de lugar añadir que un descendiente refinado del género pudiera ser la reciente “Bodysong” (2003) , un documental mudo que Simon Pummell no filmó, sino que ensambló en base a la revisión de miles de imágenes de archivo de filmotecas alrededor de todo el planeta. El trabajo es espléndido e imprescindible; pero no por esto deja ser crudo; definitivamente no son imágenes amables. Es además el primer soundtrack de Jonny Greenwood (guitarrista de Radiohead), de ya cuatro que hasta ahora ha compuesto.

Earthlings” (2005)  igualmente es un poderoso compilado de imágenes nefastas para llamar la atención sobre el trato que el ser humano da a los animales. Este caso es mucho más potente que Mondo Cane, créanme. El objetivo es otro también.

Pre-Mondo y algunos antecedentes

A pesar de todo lo dicho, este género sensacionalista de tanto éxito, y de tipo “documental” existía desde hace mucho antes.

Afirma Diego Curubeto en su publicación que desde la época del cine mudo ya había registros similares a los de Mondo Cane. De hecho, un pseudo-documental llamado “Ingagi” que data de 1930. El film sugería que había sexo entre una dama indígena y una simia. Luego se supo que todo lo que allí se veía era un fraude absoluto.

Ingagi

Ingagi

“Ingagi” es considerada además una película “pre-explotation”; quizás la primera realmente conocida en la era “Pre-Code Hollywood”. En esta galería de flickr.com pueden verse posters y stills del filme original.

Diego Curubeto comenta también en su libro: “Durante el período mudo y en los comienzos del sonoro era común que algunos productores camuflaran sus intenciones de erotizar y shockear en documentales supuestamente didácticos que en realidad eran mucho más retorcidos y perversos que la más liberada fantasía sadomasoquista”. También existían los documentales de índole científico, muy populares en la década de 1920. “Hasta el venerable John Ford filmó un documental sobre el peligro de las enfermedades venéreas para la Armada de Los Estados Unidos, ‘Sex Higiene ‘ (1941)”, culmina Curubeto en su sección sobre los “Mondo Films”.

Algunos de estos documentales que se comentan en el libro, fueron prohibidos por más de una década. Muchas películas institucionales de esta época, acerca de temas morales, son incluso preferidos por los más empedernidos fans del cine bizarro, muy por encima del propio género “mondo”. (Continúa)

Un siglo en secuencias de créditos

Los títulos iniciales de Juno

Los títulos iniciales de Juno

Art of the Title Sequence recopila en el video que ilustra esta nota, poco más de un siglo de créditos iniciales: desde los cartones fijos de Intolerance hasta el estallido psicodélico de Enter the Void.

Esta breve historia del arte del diseño de las secuencias de crédito es en realidad el video de presentación de una sección del SXSW, Title Design Finalists Screening (también es una excelente forma de promocionar la página, dicho sea de paso).

A continuación, la lista completa de películas y series que integran el compendio:

  1. Intolerance
  2. Phantom of the Opera
  3. King Kong
  4. Modern Times
  5. My Man Godfrey
  6. Make Way For Tomorrow
  7. Citizen Kane
  8. The Maltese Falcon
  9. Gun Crazy
  10. The Treasure of the Sierra Madre
  11. Lady in the Lake
  12. Fallen Angel
  13. The Thing
  14. Singing in the Rain
  15. The Man with the Golden Arm
  16. Anatomy of a Murder
  17. Psycho
  18. North by Northwest
  19. Vertigo
  20. Grand Prix
  21. To Kill A Mockingbird
  22. Dr. No
  23. The Pink Panther
  24. Goldfinger
  25. Dr. Strangelove
  26. Bullitt
  27. Barbarella
  28. Soylent Green
  29. Mean Streets
  30. Star Wars
  31. Saturday Night Fever
  32. Superman
  33. Alien
  34. Raging Bull
  35. The Terminator
  36. Brazil
  37. The Untouchables
  38. Do The Right Thing
  39. Forrest Gump
  40. The Naked Gun
  41. Cape Fear
  42. Reservoir Dogs
  43. Delicatessen
  44. Natural Born Killers
  45. Freaked
  46. Se7en
  47. The Island of Dr. Moreau
  48. Mimic
  49. Donnie Brasco
  50. Mission Impossible
  51. Dawn of the Dead
  52. Fight Club
  53. Catch Me If You Can
  54. Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events
  55. The Fall
  56. Casino Royale
  57. Six Feet Under
  58. Carnivale
  59. Dexter
  60. Mad Men
  61. Iron Man
  62. Juno
  63. The Kingdom
  64. Wall•E
  65. Sherlock Holmes
  66. Up In The Air
  67. Zombieland
  68. Scott Pilgrim vs the World
  69. Buried
  70. Robin Hood
  71. Machete
  72. The Social Network
  73. Enter The Void

Enter the Void | Títulos iniciales

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Vía | Editando

A 50 años de Mondo Cane (I)

PorJuan Cruz Bacaro [@JuanBacaro]

Mondo Cane, un documental sobre el perro mundo

Mondo Cane, un documental sobre el perro mundo

Hace escasos días cayó en mis manos -y casi por casualidad- el DVD de Mondo Cane (Perro Mundo), un pseudo-documental italiano del que siempre oí hablar, y del cual incluso llegué a pensar que estaba terriblemente mitificado. Se trata del precursor del género (o sub-género) Mondo, que aun conserva su extraordinario estima originario.

A esto se le suma que las asombrosas imágenes registradas para Mondo Cane ya cumplen medio siglo, pues a pesar de ser estrenada en cines de todo el mundo en 1962 (en Italia la premiere fue en marzo de ese año), el rodaje se produjo el menos 2 años antes, de forma aleatoria y hasta accidental en muchos de los registros.

Este hito del cine mundial es también conocido como shockumentary  (o algo así como “documental de shock”) y  es una colección de bizarras secuencias con actividades diversas que pueden dar un esbozo de la conducta humana en determinados recovecos del planeta.

Y es que Mondo Cane es un recorrido por muy particulares rincones de cada uno de los continentes, con imágenes concatenadas entre si por medio de una maravillosa banda sonora, y guiadas a su vez por una narración en off que hace énfasis en matizar las descripciones y explicaciones previas con un humor negro no siempre sutil.

Este caleidoscopio antropológico y sensacionalista ofrece al espectador una mirada única e intrigante de la vida en el planeta en una selección de planos deslumbrantes, hilados con gracia. Una chocante gama audiovisual que también puede traducirse como educación malsana, fruto de esta exhibición sin pudor -y a manera de mosaico- de actividades y rituales que no en vano podríamos imaginar que están alejadas de lo natural, lo lícito, lo apropiado, lo pueril y hasta del sentido común básico.

Los directores

Los directores de Mondo Cane

Los directores de Mondo Cane

El creador de Mondo Cane es el documentalista Gualtiero Jacopetti. No obstante, se le ve compartir créditos con Paolo Cavara y el realizador Franco Prosperi, unas veces menos protagónica que otras.

Jacopetti era periodista en ese entonces, y registró en imágenes diversas excentricidades del comportamiento humano alrededor del mundo. Para colmo, decidió también inventar algunas de esas imágenes. Fue un visionario, tal vez.

La idea era ofrecer lo “nunca antes filmado” para generar en el público sensaciones muy fuertes. En cualquier extremo el espectador nunca sería trastocado, pues siempre se contaba con la seductora y eterna “protección” que tiene el cine (esto de apreciar cualquier atrocidad bajo el confort de saber previamente que lo hacemos en un “ambiente controlado”, en donde nada nos puede pasar). Al fin y al cabo de eso se trata la magia del cine, es posiblemente su bondad primaria.

Perro mundo: una indígena ha perdido a su hijo y amamanta a un cerdito. Es la ley de una tribu en Nueva Guinéa.

Perro mundo: una indígena ha perdido a su hijo y amamanta a un cerdito. Es la ley de una tribu en Nueva Guinea.

Pero, ¿cuál era el límite? Al parecer Mondo Cane estaba más cerca del divertimento descarnado que del “tratamiento Ludovico”. No pretendía mostrar para modificar alguna conducta; sino, simplemente, mostrar.

En el caso de Mondo Cane existía una variable que modificaba la variante: esto no se vendía como ficción, sino como un “trabajo periodístico”. Por ende, sorprenderse con imágenes que nos mueven hasta el último cimiento no podía ser una sensación fácilmente contrarrestada con la auto-terapia de la reiteración mental:

¡Debo calmarme! Es solo un documental… ¡Debo calmarme! Es solo un documental…

La terapia no funcionaría, sería un agravante en todo caso.

Es entonces cuando se podía dudar de la virtud del cine “preservado”, más bien esto coqueteaba con nuevas cualidades, ahora se trata de un género un tanto forajido y opresor; una película que permitía abrir la boca a la par de los ojos, u obligaba a cerrar estos incluso.

Estos realizadores italianos dieron en el clavo presentando dos horas de bizarre collage en un documental que pareciera licuado junto a una guía turística de destinos (en su mayoría, bastante terroríficos) a donde nadie quisiera ir. El resultado se tradujo en millones de dólares de taquilla alrededor del mundo, y además la responsabilidad de considerar a Mondo Cane la película “que inició todo” (Continúa…)

Mondo Cane | Trailer

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