Nuestra pasión son los blogs y generar contenido de calidad desde Venezuela. Conocemos los blogs de nuestro país desde su esqueleto. Queremos publicar anuncios realmente magnífcos al lado del mejor contenido generado por venezolanos en Internet.
Esta es una red publicitaria creada desde la pasión y el conocimiento profundo de los blogs como herramientas de publicación y comunicación. No somos una red tradicional. Nuestro enfoque principal es publicar a los mejores anunciantes de Venezuela en los mejores blogs del país. Permitiendo la creación de campañas innovadoras, ágiles y llenas de entusiasmo. Cada blog de nuestra red ha sido seleccionado por su gran calidad de artículos e información, cantidad de visitas, excelencia en el diseño e influencia. De hecho, aunque servimos más de 2 millones de impresiones al mes, anunciar en Veneblogs tiene que ver más con influencia que con números, permitiendote llegar a un target específico de venezolanos interesados en el cine, la tecnología, las nuevas tendencias y muy bien informado, que tienen muchas ganas de comprar productos de vanguardia.
Bueno, ya sabes dónde poner el anuncio de tu película de bajo presupuesto, ultraviolenta, gore y sexy que ningún medio tradicional se atreve a publicar. ¡Claro que en Veneblogs!
Ya en 1957, en la famosa entrevista que le hizo Pete Martin, Alfred Hitchcock hablaba de la libertad creativa que le permitía la televisión, impensable en el sistema de estudios de Hollywood. Y mucho ojo a la conclusión del viejo Hitch sobre la satisfacción de los espectadores, al final de su razonamiento:
Nunca he pensando que mis películas fueran productos fundamentalmente comerciales. No obstante, normalmente he tenido que enfrentarme a la firme insistencia por parte de los responsables de los estudios para los que he trabajado de que la historia terminase bien. En esta comunidad, si uno no concluye las películas con lo que se ha dado en llamar un final feliz, incurre en un pecado imperdonable, se convierte en lo que Hollywood llaman “un aguafiestas”. Si bien en círculos cinematográficos se niega acaloradamente que el espectador medio tenga una inteligencia equivalente a la de un quinceañero, y aunque toda una serie de personas del mundillo da por supuesto que la televisión es sólo para retrasados mentales, la verdad es que a los que hacemos películas para televisión se nos permite indistintamente terminar o no las historias con un final feliz. Así pues, a pesar de las quejas de algunos guionistas televisivos, disponemos de más libertad en la TV de la que se nos concede en el cine. Quizás esto sólo demuestre que la gente está dispuesta a aceptar un tipo de entretenimiento más maduro cuando no tiene que pagar por él. Puede que tenga la impresión de que cuando paga por ve runa película ha comprado el derecho a salir de ella sintiéndose satisfecha.
La serie pronto alcanzó un inusitado éxito, no sólo por las historias macabras, sino también por la personalidad arrogante y desdeñosa del anfitrión, Hitchcock mismo, quien no perdía oportunidad de ridiculizar a sus patrocinadores. Interrogado sobre el particular, responde:
Sospecho que a los patrocinadores les gusta que no me muestre obsequioso, aunque al principio les costara habituarse a ello y se sintieran ofendidos por algunos de mis comentarios menos respetuosos. Sin embargo, en cuanto se dieron cuenta, tras echar un vistazo a sus cifras de ventas, de la repercusión comercial de mi menosprecio, dejaron de cuestionar mis puyazos. Hay que reconocer que les costó lo suyo acostumbrarse. La tradición manda que el patrocinador sea el niño mimado de la casa. En semejante ambiente yo era una novedad.
Este martes 31 de agosto (2010) estaremos asistiendo —como espectadores, valga aclarar— al Nokia Talk, edición Venezuela. Se trata de “un encuentro colaborativo entre periodistas, blogueros, desarrolladores y activistas digitales”. Con anterioridad, el encuentro se ha realizado en Miami y Bogotá.
En (…) Caracas se presentará contenido de innovación que generará valor a los activistas digitales locales. Se mantendrá la dinámica colaborativa de las ediciones de Miami y Bogotá, donde los participantes pueden crear y debatir sobre los medios sociales en la región. Se tocarán temas como el crecimiento de la Plataforma Ovi, el desarrollo de aplicaciones y experiencias de mejores prácticas en la evolución de las redes sociales en el país.
La conferencia contará con la presencia de alrededor de 70 especialistas en la Web 2.0. Entre los presentadores de Nokia estarán Gastón Guarrochena, hablando acerca de la situación de los Servicios en América Latina; Saulo Passos, de Social Media y Jorge Lizarazu, de Ovi AppWizard.
Además estarán reconocidos blogueros y tuiteros venezolanos como Hugo Londoño del blog Con-Café, Guillermo Amador de El Modulor, el Chef Pocho Garcés, el compositor y cantante Víctor Escalona y los ingenieros creadores de @Hoyquehay en Twitter, hablando de iniciativas exitosas en redes sociales. También estará la periodista Mirelis Tovar contando sus experiencias de periodismo en Twitter.
Podrán seguir todas las incidencias del evento a través del hastag de Twitter, #NokiaTalk.
El detonante ha sido la exclusión de Un Lugar Lejano, de José Ramón Novoa, del proceso de selección. Un lugar… había participado el año pasado a pesar de que, según su director, no cumplía con algunas disposiciones de la Academia estadounidense relativas a la fecha de estreno. Novoa alega que debido a las irregularidades del año pasado, la exclusión de su película del proceso de este año es ilegítima y por tal motivo, elevará su protesta ante la academia estadounidense misma. En solidaridad con su marido, Elia Schneider retiró su película, Des-Autorizados.
Para Silva, en la elección de la película de Littin, fue determinante el aspecto generacional:
En Chile la candidata es escogida por un pequeño comité que lidera Andrés Wood (Machuca, La buena vida) y sus integrantes son de otra generación. Creen que el cine político tiene más oportunidades que el cine intimista. Perciben el cine de forma diferente, creen que filmes de mucha producción y estrellas deben ser la bandera del cine chileno… Se apresuraron en su decisión, no lo meditaron, no tomaron en cuenta el éxito de La Nana en EE UU.
Nuestra comisión actual está presidida por Ovalles y, con él, son doce sus integrantes: el director Alejandro Bellame (El tinte de la fama), las realizadoras Solveig Hoogesteijn (Maroa), Efterpi Charalambidis (Libertador Morales), Marilda Vera y Carmen L’Roche (Perros Corazones), la productora Irlanda Rincón, el sonidista Carlos Bolívar, el actor Rafael Ángel Gil, el guionista y script doctorFrank Baíz, el crítico Alfonso Molina, el periodista Robert Gómez y Claudia Nazoa.
Es un montón de dinero. El apoyo de una distribuidora poderosa, o un gran estudio, no es determinante a la hora de elegir una película para optar al Oscar a la mejor cinta extranjera. Pero cómo ayuda. Por esta razón, Secuestro Express —distribuida por Miramax— puede que fuera mejor candidata que 1888. O La Nana, a pesar de ser una cinta de bajo presupuesto, mucho mejor que Dawson Isla 10. Una vez conseguida la nominación, el respaldo económico es fundamental.
Sin embargo, la mayoría de las películas postuladas llega sin el respaldo de una distribuidora. Pero ocho o nueve de cada diez, lo consigue inmediatamente después de su postulación. Ese fue el caso de la venezolana El Tinte de la Fama, de Alejandro Bellame. Postulada en septiembre, a principios de octubre conseguía el apoyo de un agente de ventas.
¿Para qué sirve un Oscar (o cualquier otro premio cinematográfico internacional)?
Afiche de la película peruana La Teta Asustada
La de los años ochenta del siglo pasado fue una de las décadas más fructíferas del cine venezolano. La producción era constante y la respuesta del público fue entusiasta. Entre 1986 y 1987 se registró el pico máximo de producción y taquilla. Buena parte de ese éxito se le debe a un hecho que, si bien se trata de un hito de la historia de nuestro cine, por otro lado, se le suele mencionar tan sólo como una nota al margen, un mero accidente sin consecuencias en el devenir del cine venezolano. Nos referimos a la Cámara de Oro que recibió Oriana, ópera prima de Fina Torres, en Cannes, 1985. La verdad es que esa Cámara de Oro reforzó el vínculo entre el espectador venezolano y su público. Ese premio confirmó que nuestro cine podía apuntar más alto, más allá del mero cine de explotación de la violencia y la miseria y nuestro público respondió, entusiasmado.
Pero un premio internacional no sólo sirve para impulsar una cinematografía en el ámbito interno, sino también para darla a conocer en el externo, en el internacional. El circuito de festivales es, en esencia, un sistema snobista siempre buscando lo más in, lo más guay, lo último, lo máximo, lo más cartelúo. Una película premiada arrastra otros cintas de su misma nacionalidad. Y otros premios. Después del éxito de La Teta Asustada (Claudia Llosa) en Berlín y el Oscar, no hay festival que no incluya alguna película peruana en su selección. De repente, el cine peruano se ha puesto de moda…
Es por esto que una nominación al Oscar—o un premio internacional importante, en todo caso— beneficiaría al cine venezolano en conjunto. Nos beneficiaría a todos. Nuestros doce jurados en pugna están obligados a escoger no sólo la mejor película, sino la justa, la correcta, la que es —tienen de dónde, pues el 2010 no ha sido un mal año para nuestro cine. Esos doce jurados tienen la obligación de dejar a un lado prejuicios e intereses personales, deben hacer oídos sordos a polémicas insustanciales y concentrarse en su labor.
Daniela Alvarado y Juvel Vielma, en Taita Boves, de Luis Alberto Lamata
Después de un tropiezo inicial con los exhibidores, cuya secuencia pueden seguir en el diario El Universal (primera parte, segunda parte), finalmente llega hoy a las salas de cine de Venezuela ‘Taita’ Boves, de Luis Alberto Lamata.
Adaptación de la novela Boves El Urogallo, de Francisco Herrera Luque, el film retrata lo que acaso sea uno de los episodios más terribles de la historia venezolana: la revuelta encabezada por el caudillo asturiano José Tomás Boves contra las clases dirigentes venezolanas y la causa independentista.
Antiguo corsario, después de pelear un tiempo en el bando republicano, se pasa al bando realista. A pesar de sus orígenes, prefiere la compañía de esclavos, zambos y pardos y pronto, en el llano, logra reunir un magnífico ejército de lanceros que sería conocido como La Legión Infernal.
Arrasando con todo a su paso, cometiendo toda clase de atrocidades, según los historiadores, movidos por el odio hacia el blanco –realista o patriota, criollo o mantuano, no importa–, Boves y sus lanceros, llevan adelante una cruenta guerra de razas (“de colores”, según Bolívar) que precipita la caída de la Segunda República y obliga a los republicanos, con El Libertador a la cabeza, a evacuar la capital en el trágico episodio de la Emigración a Oriente.
Luis Alberto Lamata explica en una nota de prensa, el génesis de su película:
Boves, El Urogallo (1972) es una novela que me toca leerla cuando era adolescente y apenas acababa de salir publicada. Como siempre me interesó la historia, me acerqué rápido a ella. Recuerdo que a mi papá le había gustado mucho y en lo que vi que terminó, la comencé yo. La recuerdo como una lectura afiebrada; me la leí casi de un tirón y me apasionó porque por primera vez sentía que Venezuela saltaba en todas las páginas, que era una novela que retrataba –de una manera magistral- lo que es el país a través de sus personajes.
Esa es una de las novelas emblemáticas de nuestra literatura, sobre todo porque traía una visión muy a contracorriente del personaje de José Tomás Boves. Él ha sido siempre, no solamente el archirival de Bolívar, sino el gran villano de nuestra historia. A las generaciones anteriores a las nuestras, cuando querían hablarle del mal, asustarlos, les hablaban de Boves, Boves era el coco.
En algún momento, llega Herrera Luque y dice: mira sí, Boves fue terrible, Boves fue cruel pero vamos a tratar de comprenderlo y eso no significa justificarlo, sino comprender de dónde sale, qué pasaba en el país que hizo posible un Boves y que Boves se convirtiera en el primer gran caudillo popular que existió en Venezuela, al punto de lograr aglutinar a todo un pueblo en contra de la independencia bajo la bandera del rey de España.
Y eso lo hace contradictorio y singular, ¿por qué aquel pueblo se cobijaba bajo la bandera realista, que era la que había mantenido una sociedad injusta durante tantos siglos?, ¿por qué defenderla? (…)
Porque es lo que me interesa más de esta novela: hasta dónde una venganza personal se convierte en una especie de gran tsunami que termina barriendo un país completo. Cómo se van acumulando una serie de pequeñas venganzas hasta convertirse en algo inmanejable.
Es inevitable que eso toque la realidad actual; siento que vivimos en un país lleno de tensiones, que uno aspira se resuelvan de la mejor manera posible y esa es la pregunta que me hago: ¿hasta dónde llega tu venganza? ¿Hasta dónde vamos a llevar los odios políticos? ¿Hasta donde pueden llevarnos las diferencias? ¿Las vamos a manejar o no?
La misma nota de prensa añade algunos datos sobre la producción:
42 días de rodaje
27 actores recrearon la vida y entorno de Boves
Más de 1.000 extras se usaron en el rodaje
Entre 90 y 200 caballos se emplearon por día en la filmación de batallas
3 vientres y 1 bebé de silicona fueron necesarios para rodar el nacimiento del
ángel
El reparto del filme está integrado por Juvel Vielma como el “Taita Boves”, Daniela Alvarado, Gledys Ibarra, Luis Abreu, Alberto Alifa, Marcos Moreno, Antonio Delli, Héctor Manrique, Antonio Cuevas, Wilfredo Cisneros, Dimas González, Pedro Durán, Daniel Rodríguez, Verónica Osorio, Carmen Julia Álvarez, Lourdes Valera, Salvador Villegas, Vantroy Sánchez, Ernesto Montero, Basilio Álvarez e Indira Leal.
Desde ayer está en línea el trailer de 127 Hours, la nueva película de Danny Boyle (Trainspotting, 28 días después, Slumdog Millionaire).
Aron Ralston, una autorretrato, atrapado
Protagonizada por James Franco, el film está basando en la vida de un excursionista llamado Aron Ralston en el cañón Blue John, cerca de Moab, Utah, quien debió pasar una dura prueba cuando, en un percance, uno de sus brazos quedó atrapado bajo una enorme roca. No digo más. A pesar de ser un caso famoso, no quiero echarles a perder la película, por si acaso no lo conozcan o no hayan leído su libro.
El guión fue escrito por el mismo Boyle, conjuntamente con Simon Beaufoy. Anthony Dod Mantle firma la dirección fotográfica. Si se están preguntando con qué cámaras filmaron en tan estrechos recovecos o sobre el manubrio de una bicicleta montañera, la respuesta es simple: con la Canon Mark II 5D y con la extraordinaria SI-2K MINI.
Habana Eva, la cinta más reciente de la veterana realizadora venezolana Fina Torres, fue distinguida anoche con el Premio del Jurado en el Festival Latino de Los Ángeles. Entre tanto, Hermano, de Marcel Rasquin, ha ganado el premio del público. En el festival también participaba I Wanna Shine, cortometraje animado de Prakriti Maduro, protagonista de Habana Eva.
Habana Eva cuenta la historia de Eva, una joven costurera empleada en una fábrica estatal de ropa, que sueña con llegar a ser diseñadora de modas en la Cuba postfidelista, y que se enfrenta al dilema de continuar la relación con su novio cubano de toda la vida o iniciar una aventura con un acaudalado joven exiliado.
Hermano, por su parte, es una trágica historia fraternal enmarcada en el mundo deportivo venezolano, en una barriada de la ciudad. Fue la película encargada de abrir el festival y recibió una ovación al final de su presentación.
Ambas cintas se encuentran actualmente en cartelera en Venezuela, con excelentes registros de audiencia.
Vicente Ulive-Schnell es venezolano, escritor y cineasta, y reside en París. Ya ha visto Carlos, de Olivier Assayas, la biografía cinematográfica y televisiva (sí, seguimos con el tema de las teleseries) de Ilich Ramírez, mejor conocido internacionalmente como Carlos. A continuación, su reseña sobre el filme:
“Carlos” de Olivier Assayas: un “superfilm”, de guerrillero a mercenario
Una de las películas más esperadas en Francia este año es sin duda la cinta de Olivier Assayas, “Carlos”, que intenta dar vida a la historia del terrorista venezolano. Dirigida por el respetado y discreto cineasta galo que ha producido algunas joyas recientes como “Clean” (2004) y “Boarding Gate” (2007) y protagonizada por el venezolano Edgar Ramírez, “Carlos” fue precedida de una agresiva campaña publicitaria que seguramente dará los resultados esperados en taquilla.
Ahora bien, a pesar de todos los aspectos positivos que podemos encontrar en la película, el trabajo de Assayas peca de los mismos errores de muchos biopics recientes: la pérdida de la línea narrativa dentro de la vida de un personaje tan fascinante y contradictorio que el propio director parece querer filmar hasta el más mínimo detalle. Error de edición o cameraman gatillo alegre, “Carlos” se presenta como una serie de televisión y/o una película de 3 horas. Esto estaría bien si fuese la primera vez en años que se le ofrece al espectador esta propuesta, pero después del “Ché” de Soderberg, con sus dos partes y sus “proyecciones especiales” en ciertos teatros de las más de cinco horas seguidas, se hubiese esperado que Assayas pensara mejor cómo presentar su trabajo.
El propio Assayas describe el proyecto como un “superfilm”, una película que no se adscribe al formato televisivo o cinematográfico sino que “cuestiona las fronteras del cine” (revista Trois, mayo de 2010). “Carlos” nace de una apuesta de Canal+ de dar rienda libre al director, lo cual le permitió imponer criterios imposibles dentro del cine convencional: rodar sin una estrella de renombre, en lengua extranjera y de duración excesiva.
Entonces, después de haber aclarado esto, vale la pena hablar de los méritos y las limitaciones de la cinta. Todos estos son un subproducto de la escogencia de rodar un “superfilm” de la parte de Assayas. Resulta que la película se balancea entre la estética y la narrativa del telefilm y el cine, a veces de manera violenta y forzada. Para empezar, el etalonaje de los colores y la escogencia de una imagen lavada/sobreexpuesta parece responder a las necesidades del telefilm más que al cine, por lo cual el espectador acostumbrado al ambiente sombrío desarrollado por Assayas en “Clean” se sorprenderá. Sin embargo, cuando la película flexiona sus músculos de superproducción cinematográfica, como en todas las reproducciones de las ciudades y países de la época: Damasco, Beirut, Argelia, París, etc., el resultado es totalmente convincente. Decenas de extras, automóviles de la época, cigarrillos; Assayas trabajó meticulosamente todos los detalles, lo cual se erige en uno de los puntos más favorables de la película.
Sin duda, la revelación de la película y su aspecto más glorioso se resume en dos palabras: Edgar Ramírez. Impresionante. Brutal. Crudo y creíble
Es por esto que el trabajo decepciona cuando vira furiosamente hacia las técnicas del telefilm en medio de una puesta en escena magistral. ¿Tiene otra explicación el hecho de que todas, absolutamente todas las transiciones entre escena y escena, se realicen con fundido a negro? Y me permito una digresión personal: ¿Puede haber algo más aburrido y poco creativo que el fundido a negro, seguido de un fade-in en la próxima escena? Esto responde evidentemente a una necesidad televisual, un cariñito a Canal+ para que puedan insertar propagandas donde mejor les plazca. Sin embargo, cuando el espectador asiste al cine espera ver algo más que una serie proyectada en la gran pantalla.
Este va-et-viens entre televisión y cine resulta catastrófico en otras partes de la película, sobre todo en lo que respecta a las decisiones de edición y ritmo. Si bien es cierto que las series televisivas se caracterizan por una aceleración de la trama, un apogeo y una resolución que nos conducirá hacia el capítulo siguiente, hacer esto en una película varias veces, parece ser una idea malísima, si tomamos “Carlos” como referencia. La cinta empieza de manera explosiva, imponiendo un ritmo frenético que nos mantiene pegados al asiento, de hecho, no ha pasado ni media hora de largometraje y ya estamos siguiendo a Carlos en el famoso secuestro a la OPEP. Acá veremos asesinatos, sangre, acción… Y luego pasaremos dos horas y media viendo a Carlos filosofar sobre el imperialismo, beber y comer, todo a ritmo de caracol escargot francés.
Sin embargo, se puede creer que estamos siendo demasiado injustos o severos con la película. Es verdad: personalmente, la ocasión desperdiciada me duele más que la película mala desde el principio. Porque “Carlos” tenía todo para ser una película memorable. “Carlos” podía haber sido la película del año. Han sido las pequeñas cosas, la idea estrafalaria de hacer un “superfilm”, la edición de serie de televisión, las transiciones dignas de 24 con Kiefer Sutherland, lo que opaca los elementos más geniales de la cinta.
Sin duda, la revelación de la película y su aspecto más glorioso se resume en dos palabras: Edgar Ramírez. Impresionante. Brutal. Crudo y creíble. Si no fuera por el trabajo del venezolano, esta cinta iría directo a la sección straight-to-DVD, de películas sin distribución. No digo esto como apologista de Ramírez, soy de los que, después de haberlo visto en 3 o 4 películas, todavía no lo había visto actuar. Ya fuese con su interpretación “no puedo creer que esté en esta película” de la serie Bourne, su caricatura malandra-risible a lo DJ 13 en Domino, o el peor Cyrano en la historia de la obra, admito que el nombre de Ramírez no me inspiraba para nada confianza (ni hablamos de cuando se le ocurrió hacer Venezzia).
En cambio, en “Carlos”, Edgar Ramírez *es* la película. Aparte de un trabajo físico remarcable que lo lleva a engordar, adelgazar y cambiar de apariencia a lo largo de su interpretación, el venezolano convence, se muestra carismático y nos lleva de la mano en la transformación del personaje de un “guerrillero” a un vulgar mercenario.
Este último aspecto es el otro gran logro positivo del trabajo de Assayas. El director francés se esfuerza en interrogar el ethos de su protagonista y nos conduce a través de su “lucha” contra la opresión mundial que desemboca, predeciblemente, en el mercenariato a favor de los intereses más retrógrados del planeta. Assayas logra seguir a su personaje en esta transformación, en gran parte debido a un gran reparto que nutre el discurso revolucionario de la época.
Es por todo esto que es lamentable que las cuestionables escogencias técnicas y estéticas hayan perturbado la historia. No es exagerado decir que cualquiera que vea la película encontrará, fácilmente, 20 minutos de sobra que se hubiesen podido eliminar en la edición para darle más fuerza a la narración. Es una lástima que, si comparamos el trabajo de Assayas con la excelente “Mesrine” de Jean-François Richet del año pasado, podemos entender lo que “Carlos” hubiese debido ser. Rodada directamente para el cine, la doble película con Vincent Cassel a la cabeza sigue la vida real del enemigo público número uno de Francia, quien se escudaba en un discurso anarquista. “Mesrine” se destaca porque Richet intenta construir y resaltar la interpretación de Cassel. Assayas, en cambio, parece haber hecho todo lo posible por estorbar el excelente trabajo de Ramírez.
En fin, dado el desierto cinematográfico actual, “Carlos” es una película altamente recomendable, insisto, gracias a Edgar Ramírez. Pero igual que el terrorista venezolano pasó su vida pensando en lo que pudo haber logrado, la cinta de Assayas, buena ma non tropo, nos hace extrañar lo que la película hubiese podido ser al simplemente ponerse de acuerdo sobre qué filmar: un telefilm o una película.
Hace poco publiqué en Twitterun enlace a una curiosa nota publicada por The Guardian. En la pieza se hablaba del remake chino de Blood Simple, ópera prima de los hermanos Coen, que había sido realizado por el veterano realizador Zhang Yimou. Ambientada en la polvorienta provincia de Gansu en la antigua China feudal, el film fue aclamado en el pasado festival de Berlín y ha sido un éxito de público en China. Se titula A Woman, A Gun and a Noodle Shop.
Pero más allá de la curiosidad de ver un remake “al revés”, la nota del diario británico pone de relieve las implicaciones económicas del asunto. Con una población de casi dos millardos de habitantes y una economía capitalista en pleno florecimiento, existen no pocas probabilidades de que el gigante asiático desplace a Hollywood como la potencia cinematográfica mundial en un futuro no muy lejano. Más aún, apunta el artículo, cuando la economía estadounidense está técnicamente en bancarrota.
Blood Simple tampoco es el único remake de una película americana realizado para las vastas audiencias chinas. Se sabe que se está desarrollando una adaptación de la comedia romántica What Women Want, protagonizada por Gong Li y Andy Lau, por ejemplo. O allí está el caso de High School Musical: China. Por otra parte, China también podría convertirse en la fuerza financiera de muchas películas de un Hollywood moribundo. Allí está el ejemplo del remake de The Karate Kid, un proyecto de un estudio de Hollywood financiado por China Film Group Corporation, la empresa estatal cinematográfica china.
Si logras burlar las restricciones territoriales, en la página oficial de la serie podrás ver una versión en web cómic animado de la historia. De todas formas, mientras llega la serie a Venezuela, y si estás pensando en producir la gran cinta sobre zombies venezolana, será mejor que veas el siguiente video sobre la creación de una muerta-viviente llamada Bicycle Girl:
