CNAC y ANAC discuten nuevos baremos para estudios de proyectos

Nuevas convocatorias en el horizonte

Por estos días, el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía de Venezuela, conjuntamente con los dos gremios que agrupan a productores y autores del cine venezolano, Caveprol y ANAC respectivamente, se encuentra discutiendo una serie de cambios de la forma en la que se reciben y estudian los proyectos cinematográficos.

Para empezar, se está considerando la posibilidad de que las convocatorias de recepción de proyectos sea una sola, permanente, abierta todo el año. La idea es que más que concurso, sea además un proceso orientado al perfeccionamiento de los proyectos.

Por otro lado, se están estudiando y reformulando los baremos que rigen la evaluación de los proyectos. La correcta aplicación de los baremos actuales ha sido un punto álgido en alguna de las convocatorias pasadas. Ahora, nuevamente, se busca elaborar una serie de reglas, más o menos objetivas y comprobables para evaluar los proyectos.

He revisado someramente ambas propuestas y, a primera vista, me parece que los baremos propuestos por el CNAC están mejor formulados y se basan más en datos comprobables, como la cantidad de la obras del realizador, su participación en festivales internacionales, la cantidad de espectadores que han registrado sus producciones anteriores. Los contenidos, como el guión, son evaluados según criterios más globales y equitativos.

No puedo decir lo mismo de las propuestas de la ANAC, que dejan mucho campo abierto a criterios subjetivo y a procesos más o menos arbitrarios. Me explico. Los baremos de la ANAC le asignan un total de 8 puntos al reparto, pero no explica cuáles criterios se usarán para juzgar a los actores. ¿Por qué un actor es mejor que otro? ¿Pueden esos criterios aplicarse en una país sin industria cinematográfica y con un star system en pleno proceso de extinción dada la desaparición de las telenovelas de las pantallas chicas nacionales?

Algo similar ocurre con los criterios para juzgar los guiones: ¿es la estructura dramática más importante que los personajes? ¿Es la idea más importante que la estructura? Los baremos de la ANAC desconocen la noción básica de que un guión es un continuum indisoluble entre la idea, el los personajes, el conflicto y la trama o estructura dramática (la forma en la que se desarrollan los conflictos de los personajes y determinan su evolución). Que no puede haber un buen personaje ni un buen desarrollo argumental sin un buen conflicto. Que no se puede separar la historia de sus personajes. Que una cosa sin lo otro es simplemente una historia que no funciona.

Pero no me crean. Necesito estudiar los documentos con más detenimiento. En todo caso, cada propuesta tiene sus puntos fuertes y sus debilidades. Quizás lo mejor es que se formen sus propios criterios. Para ello, anexo al final de este artículo un archivo con las distintas propuestas. La discusión está abierta y pueden enviar sus observaciones a anacgerencia[arroba]gmail.com

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Hoy comienza Distrital, semana de cine mexicano y otros mundos

Distrital, cine mexicano y de otros mundos

Esta noche, con la premiere de Abel, de Gael García Bernal Diego Luna, se inicia Distrital, Semana de cine mexicano y otros mundos. Sí, estamos hablando de un evento que tendrá lugar entre hoy y el 6 de junio próximo en Ciudad de México. Ochenta y cinco películas que serán exhibidas en siete diferentes sedes de la capital mexicana y numerosas actividades paralelas, conforman el diverso menú del evento.

Nosotros estaremos asistiendo al festival, para participar en algunos de los eventos, así que la próxima semana esperen información de primera mano por esta vía.

A continuación, la información completa:

Este verano del 2010, del 27 de mayo al 06 de junio, inicia en la Ciudad de México la primera edición de DISTRITAL. Semana de cine mexicano y otros mundos, un nuevo festival que tiene el firme compromiso de ofrecer lo mejor del cine mexicano y las obras cinematográficas más relevantes del mundo para el público del Distrito Federal.

En su primera emisión, DISTRITAL se inaugurará con el estreno en México de ABEL de Diego Luna, dando inicio a la Semana de cine mexicano, compuesta por tres programas distintos: Perspectivas del cine mexicano, Cine mexicano contemporáneo y Plataforma digital; donde se exhibirán más de 25 títulos de realizadores mexicanos.
Para complementar esta celebración, DISTRITAL cuenta con cuatro programas internacionales: Meridianos, que presenta en el marco de la celebración de la Ciudad de México como Capital Iberoamericana de la Cultura 2010, 15 obras de lo mejor de las producciones recientes de Iberoamérica. Otros mundos, 12 películas internacionales de naturaleza independiente que serán invitadas de honor en las pantallas de nuestras sedes. Distrito X, dedica su programación a una selección de materiales audiovisuales experimentales.

Cuadrante contempla una selección de películas que se caracterizan por su relación con la música. Asimismo, DISTRITAL presenta la Retrospectiva del cineasta norteamericano George Kuchar, y finalmente, cierra su programación con la sección Cine al aire libre, que este año presenta 6 filmes provenientes del Festival Ópera Na tela de Brasil, donde se proyectarán por primera vez en México una serie de películas que conjugan la ópera con la cinematografía.

DISTRITAL, Semana de cine mexicano y otros mundos, es una coproducción de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal, encabezada por Elena Cepeda y la asociación civil Circo 2.12, con apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía, en una actividad que integra esfuerzos públicos y ciudadanos para dar a conocer las mejores propuestas cinematográficas nacionales y mundiales en la ciudad de México, que este año es Capital Iberoamericana de la Cultura.

Dentro de este marco, se llevará a cabo el primer Foro Iberoamericano de Cine Clubes Comunitarios, encuentro entre expertos en el tema provenientes de diferentes países. Promotores, distribuidores, instituciones y miembros de la Red de cineclubes comunitarios del DF, discutirán y analizarán la creación y desarrollo de cine clubes, los trabajos comunitarios en el ámbito de la proyección cinematográfica y su continuo crecimiento y necesaria promoción, además de las legislaciones cinematográficas en relación con otras regiones del mundo.

Además, se ofrecerán clases magistrales para jóvenes de distintas universidades, donde podrán retroalimentarse, a partir de la interacción con diversos directores y productores internacionales.

DISTRITAL busca promover la creación cinematográfica nacional, enriquecer la oferta cinematográfica de la ciudad y diversificar los espacios de exhibición de materiales audiovisuales.

Cabe mencionar que la imagen de esta primera edición, fue diseñada por alumnos de la licenciatura en Comunicación Visual de Centro de Diseño, Cine y Televisión.

PROGRAMACIÓN

  • Semana de Cine mexicano
  • Perspectivas del Cine Mexicano
  • Cine mexicano contemporáneo
  • Plataforma digital
  • Otros mundos Cine independiente mundial
  • Meridianos Cine Iberoamericano
  • Cuadrante Películas internacionales de cine y música.
  • Distrito X Videoarte y cine experimental
  • Retrospectiva dedicada al trabajo en cine de George Kuchar
  • Cine al aire libre Una selección de películas de ópera y cine, a partir de una alianza con el Festival Ópera Na – tela de Brasil.

Las sedes de proyección abarcarán las distintas delegaciones del Distrito Federal y serán:

  • Cineteca Nacional
  • Cinemark 222
  • Cinema Lumiere Reforma
  • Centro Cultural Universitario Tlatelolco
  • Escenaria, un nuevo cine de arte
  • Casa de Francia
  • Hotel Condesa DF

Actividades académicas

  • Centro de Capacitación Cinematográfica
  • Centro de cine y TV
  • Circuito Cultural:
  • Centro Cultural José Martí
  • Faro Oriente, Milpa Alta y Tláhuac

Cine al aire libre

  • Plaza San Juan en el Centro Histórico
  • Kiosco Morisco en Santa María la Ribera
  • Plaza de Santo Domingo
  • Plaza de la Conchita, Coyoacán
  • Centro de Tlalpan
  • Foro Quetzalcóatl en Xochimilco
  • El Primer Foro Iberoamericano de Cine Clubes Comunitarios, tendrá lugar en:
  • Museo de Arte Carrillo Gil

Juan de los Muertos, primera película cubana independiente sobre zombies

Primera sorpresa: una película cubana, independiente, que se sale del molde al que nos tiene acostumbrado el cine cubano.

Segunda sorpresa: una película cubana, independiente, de gran presupuesto (2 millones 700 mil dólares, aproximadamente).

Tercera sorpresa: una película, cubana, independiente, sobre zombies.

Cuarta sorpresa: que en uno de los teasers de esta película cubana de zombies, independiente y de gran presupuesto, aparezca Jorge Molina, “Molina”, un amigo, ex compañero de la escuela de cine donde estudió el redactor.

Juan de los Muertos es una coproducción cubana-española sobre una epidemia de zombies en la isla, en plena revolución. En un principio, los medios oficiales le echan la culpa a disidentes pagados por los Estados Unidos. Pero pronto se devela que las cosas no son tan simples como parece.

Esta vez, el héroe no es un barbado trajeado de verde oliva que entra a La Habana montado en un tanque; sino un bueno para nada, de esos que tanto merodean en los alrededores de los sitios turísticos de la isla, y que ve en la emergencia una oportunidad de oro para hacerse con algún dinero extra.

O con mucho dinero extra.

Juan decide que la mejor manera de enfrentar la situación es prosperar con ella. “Juan de los Muertos, matamos a sus seres queridos” es su slogan.

Con Camila, su hija; su amigo Lázaro y Vladi, hijo de Lázaro; Juan emprende la misión de ayudar a la gente a deshacerse de los peligrosos infectados por un módico precio.

Pero esta plaga parece incontrolable. La población ha quedado indefensa. La única solución que encuentran algunos es tirarse al mar para huir d ela isla , y a Juan no le queda más remedio que asumir la responsabilidad y ponerse en el papel de héroe, guiando sus seres queridos con la esperanza de sacarlos a salvo de la locura en que se ha convertido una Habana repleta de zombies hambrientos.

Escrita y dirigida por Alejandro Brugués, graduado en la EICTV y autor de Personal Belongings, recién acaba de ser presentada en el Marche de Cannes. —Tal parece que la EICTV dio mucho de qué hablar este año en Cannes, sobre todo después del triunfo de los hermanos Vega, también exalumnos de la escuela, en Un Certain Regard, con su ópera prima Octubre y con la participación de dos cortometrajistas eictvianos en sendas competencias.

Juan de los Muertos es una película de La Zanfoña Producciones, España; Producciones 5ta. Avenida (Cuba) en asociación con Latinofusión (México)

A propósito de ‘Carlos’, de Olivier Assayas: 35mm. Vs. Video Digital, un argumento filosófico metafísico

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Manohla Dargis, una de las encargadas de la crítica cinematográfica del New York Times se pregunta acerca de las consecuencias que tendrá para la narrativa cinematográfica la progresiva desaparición del material fílmico, como formato de adquisición de imágenes. Su interrogante surge después de ver la versión de cinco horas y media de la biografía de Carlos, dirigida por Olivier Assayas, en Cannes, “un trabajo fascinante sobre una brutal y poco interesante figura histórica”. Se refiere desde luego al terrorista venezolano Illich “Carlos” Ramírez.

La interrogante viene a colación por la calidad visual del filme. En principio supuso que podía haber sido filmada con una RED, al igual que la boiografía del Che de Soderbergh. Luego descubriría que, contrariamente a lo que había pensado, Carlos había sido rodada en 35mm, lo que resulta muy curioso pues se trata de una serie de TV.

No obstante, en lo que ya se está afianzando como una tendencia en la mayoría de los festivales del mundo, la película había sido proyectada en video de alta definición.

Para la mayoría de la gente, incluso para los críticos de cine, probablemente esto no parece ser una cuestión de especial urgencia. Pero sí lo es. en buena parte de su historia, el entretenimiento de la imagen en movimiento se ha creado con los procesos de celuloide de principio a fin. Se filma en película, se procesa y se edita utilizando técnicas de cine; y luego se imprime, que es como la mayoría de nosotros hemos visto películas hasta muy recientemente. En otras palabras, durante gran parte de su historia, el cine era el cine. La película impresa fue parte de las razones por las que amamos el cine. Y ahora que está desapareciendo tenemos que interrogarnos sobre lo que queda.

Dargis explica entonces que el costo de las copias en 35mm para la exhibición teatral se ha vuelto prohibitivo y que exhibidores y festivales se están decantando por la adquisición de imágenes y exhibición digital. Sin embargo, apunta, muchos exhibidores se cuidan de decirle al público que están pagando 12 dólares por ver lo que no es otra cosa que una copia Blu Ray de la película.

En The Virtual Life of Film, el teórico cineamtográfico D.N. Rodowick escribe: “Si bien la película desaparece, el cine permanece – al menos en las formas narrativas imaginadas por Hollywood desde 1915.” Al mismo tiempo, sin embargo, la desaparición de la película tiene para él su trascendencia y, como afirma, “ha tenido consecuencias estéticas profundas e históricas.”

Con el libro del filósofo Stanley Cavell A World Viewed como referencia, el Sr. Rodowick apunta que, debido a que la película crea una copia física del mundo, nos proporciona una imagen de un mundo pasado. Lo que importa, en última instancia, no es lo real de ese mundo perdido (o “espacio pasado”), sino su verosimilitud. Más bien, el Sr. Rodowick escribe que es “una cuestión metafísica de contacto con el mundo de la que nos han separado”

El Digital, por el contrario, sólo nos da los datos: unos y ceros.

A estas consideraciones filosóficas y metafísicas, quizás debamos añadir otras de índole económicas: en los Estados Unidos los precios de las entradas se han incrementado hasta rozar los 20 dólares por cabeza, debidos a los altos costos de distribución y exhibición. ¿Valdrá a la pena gastarse una pequeña fortuna en una salida al cine para ver una proyección equivalente en calidad a la del equipo en nuestra sala de estar?

Finalmente, se pregunta:

¿Qué significa esto para un largometraje como Carlos, que en algún punto de la línea se transformo en una película digital con poca densidad de la rica textura del material fílmico? Sinceramente no lo sé.

No obstante, la pregunta no respondida generó una interesante discusión en los comentarios de su artículo.

Tarata, memoria de un atentado

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El 16 de julio de 1992, alrededor de las nueve y cuarto de la noche, dos coches bombas cargados con una tonelada de explosivos, estallaron en la cuadra 2 de la calle Tarata, en pleno centro del barrio de Miraflores, una zona de clase media y media alta de Lima, Perú. El atentado fue parte de una campaña terrorista que llevó a cabo el grupo Sendero Luminoso y dejó 25 muertos, alrededor de 200 heridos y destruyó casi 200 casas, 400 negocios y 60 automóviles.

El monstruoso atentado constituye el evento centra de Tarara, coproducción peruana-venezolana que por estos días se exhibe en las salas de cine nacionales. Una de las películas más taquilleras del año pasados en Perú, Tarara está protagonizada por Gisela Valcárcel, Miguel Iza, Lorena Caravedo, Silvana Cañote y Ricardo Ota.

Según la nota de prensa de Amazonia Films:

Fabrizio Aguilar, estudió Ciencias de la Comunicación en la Comunicación en la Universidad de Lima y, paralelamente, actuación en el Club de Teatro de Lima. Desde 1994 trabaja como actor de cine, teatro y televisión. Su primera película Paloma de papel escrita y dirigida por él, se estrenó en el año 2003 logrando obtener un gran suceso en el público y crítica nacional e internacional. En el 2005 produce la película Un día sin sexo. Su segundo largometraje Tarata contó para su realización con los siguientes premios y fondos: Fond Sud (Francia), Visión Sud Est (Suiza), Cnac (Venezuela), Conacine (Perú), Fundación Carolina y Casa de las Américas (España).

Tarata se exhibe en El Unicentro El Marqués, en el Victoria Plaza y en la Cinemateca Nacional (Caracas, Venezuela).

Cannes 2010, palmarés: Weerasethakul, Bardem, Binoche, (lista de premios completa)

Binoche

Hace pocos instantes se dieron a conocer los filmes ganadores de la Palma de Oro en el Festival de Cannes, 2010. Lung Boonmee Raluek Chat del tailandés Apichatpong Weerasethakul se lleva el máximo honor, Des Hommes et des Dieux, de Wavier Beauvois ganó el Gran Prix; mientras que la francesa Juliette Binoche resultó distinguida como la mejor actriz femenina, por su trabajo en Copie Conforme de Abbas Kiarostami y el español Javier Bardem (Biutiful, de Alejandro González Iñárritu) y Elio Germano (La Nostra Vita, de Daniele Luchetti) compartieron el premio al mejor actor masculino.

Vale destacar que ayer se pudo conocer que el film peruano Octubre, de los hermanos Daniel y Diego Vega, realizado en coproducción con Francia y Venezuela, recibió el premio del jurado de Un Certain Regard.

  • Palme d’Or
: LUNG BOONMEE RALUEK CHAT, dirigida por Apichatpong WEERASETHAKUL
  • Grand Prix: 
DES HOMMES ET DES DIEUX, dirigida por Xavier BEAUVOIS
  • Premio a la mejor dirección: 
Mathieu AMALRIC Para TOURNÉE
  • Premio al mejor guión: 
LEE Chang-dong Para POETRY
  • Premio a la interpretación femenina: 
Juliette BINOCHE en COPIE CONFORME Dirigida por Abbas KIAROSTAMI
  • Premio a la interpretación masculina (Ex-aequo): 
Javier BARDEM en BIUTIFUL Dirigida por Alejandro GONZÁLEZ IÑÁRRITU, Elio GERMANO en LA NOSTRA VITA Dirigida por Daniele LUCHETTI
  • Premio del Jurado: 
UN HOMME QUI CRIE Dirigida por Mahamat-Saleh HAROUN

Cortometrajes

  • Palme d’or: CHIENNE D’HISTOIRE Dirigida por Serge AVÉDIKIAN
  • Premio del jurado: 
MICKY BADER Dirigida por Frida KEMPFF

Un Certain Regard

  • Premio Un Certain Regard: – Fundación Groupama Gan para el Cine
 HAHAHA Dirigida por HONG Sangsoo
  • Premio del Jurado – Un Certain Regard
: OCTUBRE Dirigida por Daniel VEGA, Diego VEGA
  • Premio de interpretación femenina Un Certain Regard: 
LOS LABIOS interpretado por Victoria RAPOSO, Eva BIANCO, Adela SANCHEZ
  • Caméra d’or: AÑO BISIESTO. Dirigida por Michael ROWE

Cinéfondation

  • Primer Premio: 
TAULUKAUPPIAAT. Dirigida por Juho KUOSMANEN
  • Segundo Premio: 
COUCOU-LES-NUAGES. Dirigida por Vincent CARDONA
  • Tercer Premio (Ex-aequo): 
HINKERORT ZORASUNE. Dirigida por Vatche BOULGHOURJIAN y JA VEC JESAM SVE ONO ŠTO ŽELIM DA IMAM, Dane KOMLJEN

Write the Future, estupendo comercial de González Iñárritu para Nike [Sudáfrica 2010]

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Antes de darse a conocer en todo el mundo con su ópera prima Amores Perros, Alejandro González Iñárritu se había curtido bien en el mundo de los comerciales y la publicidad. Era uno de los directores de publicidad mejor cotizados en México.

Esta breve introducción es simplemente para que aquellos que no lo sabían, no los coja por sorpresa Write the Future, la extraordinaria pieza publicitaria que el director ha rodado para Nike a propósito del inminente Mundial de Fútbol, Sudáfrica 2010.

En la versión de 3 minutos y medio que aquí les presentamos, verán unas cantas caras conocidas… O quizás ya las vieron, así que no tengo que contarles quiénes aparecen. Justo hace algunos días, González Iñárritu estrenó en Cannes 2010 su última cinta, Biutiful.

Nope, tal parece que Final Cut Pro seguirá siendo pro

Jobs le responde a William

Las noticias sobre un posible rediseño del Final Cut Pro para satisfacer las necesidades de consumidores no profesionales, causaron honda preocupación entre editores y postproductores de todo el mundo.

Y no era para menos.

William Zitser (@williamzitser), montador (y lector de BlogaCine) consultó a Steve Jobs, vía email, acerca de la veracidad de las informaciones publicadas por AppleInsider. La breve respuesta —como es su costumbre— del CEO de Apple fue:

Nope. No creas en todo lo que lees.

En la sección de comentarios del post de ayer, Daniel Cadavieco nos remitía a una información publicada por CNET, que recoge las declaraciones de Bill Evans, vocero de Apple, sobre el tema:

Final Cut Pro es la primera opción para los editores de vídeo profesional, y nunca hemos estado tan emocionados acerca de su futuro. La próxima versión de Final Cut va a ser impresionante, y a nuestros clientes profesionales les va a encantar.

De modo pues, que no hay que preocuparse…

… Por ahora.

¿Punto final para el Final Cut Pro?

¿Será la séptima, la última versión del Final Cut Pro con esta interfaz?

Lo sabía. Tarde o temprano tiene que ocurrir. Lo sospecho desde hace algún tiempo. Desde que Apple dejó de llamarse Apple Computer Inc. Desde que desapareció el nombre de Macintosh de la línea de computadoras. Desde que el iPod, y después el iPhone, se entronizaron como el alpha y omega de los productos de la compañía de la manzana.

Desde hace semanas circulan los rumores. Primero, una serie de despidos y renuncias en el departamento de desarrollo de interfaces de la línea de aplicaciones profesionales. Luego, los anuncios de reclutamiento de personal, de ingenieros y diseñadores, para cubrir las vacantes. La sospecha de repente se transformó en certidumbre cuando el mismísimo Steve Jobs lo confirmó todo vía email. Y anunció que la próxima versión del Final Cut Pro sería maravillosa.

Ayer, las piezas del rompecabezas comenzaron a encajar. Según Apple Insider, Randy Ubillos, desarrollador original de la aplicación, ha sido puesto al frente del equipo de desarrollo. Según la publicación electrónica, la idea es rediseñar la aplicación para satisfacer las necesidades de lo que en inglés llaman “prosumer”. Estamos hablando aquí que dejará de ser una aplicación avanzada para convertirse en una herramienta semiprofesional. Es decir, bajará a la categoría del Final Cut Express. Y quizás lo sustituya.

¿Acaso la desaparición de los puertos Firewire de casi toda la línea de computadoras no contituye un presagio de lo que está por venir?

Para más inri, valga un dato aterrador: Ubillos fue el autor del descuartizamiento del iMovie. ¿Se acuerdan? En sus manos, el venerable software de edición se convirtió en una horrible e inmanejable herramienta para catalogar videos y prepararlos para subirlos a Youtube. ¿Pasará lo mismo con el Final Cut Pro? ¿O será que acaso se convierta en la primera suite gestual de edición no lineal, construida a partir de la metáfora de una moviola virtual, para el iPad?

Por otra parte, la verdad es que la aplicación que dio inicio a la revolución digital al poner al alcance de todos la edición profesional de video comenzaba a quedarse rezagada. Actualmente estoy editando un encargo y he notado que se ha hecho más lenta, más pesada. Le ha salido panza y empieza a caérsele el cabello. Pronto necesitará lentes para leer. Tiene todo tipo de achaques, bugs desesperantes que hacen muy ingrata la tarea de editar.

Tan ingrato ha sido que desde hace días vengo leyendo sobre la nueva versión del Adobe Premiere Pro CS5, que corre sobre 64 bits (extrañamente, Final Cut Pro aún no), se integra perfectamente con el After Effects y, de paso, acepta en su timeline todo tipo de codecs. ¿Alguno de ustedes lo ha probado ya? ¿Qué opinan? ¿Están dispuestos a dar el salto sin traumas?

Revelando los secretos de la tribu

Un niño yanomami esculpe a un bien dotado Lizot

Semanas atrás, Tuki Jencquel, realizador venezlano me invitó a ver Secrets of the Tribe, de Jose Padilha. Como algunos recordarán, Secrets of the Tribe toma como punto de partida el libro Darkness in El Dorado: How Scientists and Journalists Devastated the Amazon, de Patrick Tierny, para elaborar un alucinante retrato de una tribu nunca estudiada: la tribu de los antropólogos. En especial de los antropólogos que han estudiado a nuestros yanomamis.

Jencquel llegó a la producción de una manera muy particular. Durante años había preparado un proyecto sobre los yanomamis —un tema, junto a de la antropología, que le interesaba desde su infancia— y, cuando estaba bien encaminado, supo la noticia de que el brasileño Jose Padilha, autor de Bus 174, se disponía a rodar un documental muy parecido al suyo. Desde Alemania, averiguó el teléfono de Padilha y lo llamó, para advertirle que él también tenía una película en marcha. Pero para su sorpresa, lejos de molestarse, Padilha le ofreció trabajo como director asistente. Y fue así como se sumó al equipo.

Good y su prometida, Yarima

El documental, producido por la BBC y cuyos derechos de transmisión han sido adquiridos por HBO, se vale de un estilo casi clínico, científico, antropológico pues, para presentar un grupo variopinto de estudiosos que parece sacado de una novela de Conrad. No en vano, el título de la larga denuncia de Tierny alude a la famosa novela de Conrad, The Heart of Darkness. Un grupo de científicos sociales locos que lo mismo habrían realizado experimentos poco ortodoxos con los indígenas de amazonas (Napoleon Chagnon), se casaron con alguna niña indígena y se la llevaron a vivir a los Estados Unidos (Kenneth Good, autor de Into the Heart), o se aprovechan de la situación para dar rienda suelta a supuestas inclinaciones pedófilas con los niños yanomamis (de lo que se acusa al lingüista Jacques Lizot, alumno dilecto de Claude Lévi-Strauss).

Pero el estilo clínico, en apariencia objetivo, del documental parece lograr el efecto contrario (o, acaso, el deseado): subrayar la locura que parece contagiar a todos los involucrados. Uno ve misioneras católicas que parecen justificar las prácticas de Lizot (bueno, después de todas las denuncias de pedofilia contra los santos varones de la iglesia, ¿quién puede escandalizarse?), y un espectáculo musical, realmente alucinante y terrorífico, kitsch en tecnicolor, ideado por Sting. Hay entrevistas con Charles Brewer-Carías (inserte su comentario aquí) y con Tierny, quien ciertamente, némesis de Chagnon al fin, parece compartir su delirio.

Quizás esta sensación de desmadre psicológico que transmiten toda cada una de las entrevistas a los involucrados, se derive del contrapunteo que Padilha establece el testimonio de sus “sujetos de estudio”, varios indígenas yanomamis. Que, para sorpresa de muchos antropólogo, resultan ser seres humanos, de carne y hueso, con miedos, prejuicios, necesidades. Vida propia, en fin. Finalizada la proyección, uno no puede dejar de cuestionar, no ya la ética del conducta individual de los antropólogo, o la de sus estudios; sino cuestionar la ética de toda la antropología como ciencia social.

Lizot y Chagnon

Cuando hace casi una década Tierny vino a Venezuela a promocionar su libro, escribí un reportaje para una revista venezolana. En esos días se hablaba de Constituyente y refundación de la patria. Alguna elección estaba cerca y una comisión parlamentaria de asuntos indígenas se apresuró a promover una investigación sobre las denuncias.

¿Y qué pasó? Nada.

¿No es trágico? ¿No es escandaloso? ¿Acaso no es triste?

Inside Job; Ferguson examina el sistema financiero criminal de los Estados Unidos

Wall Street, al paredón

Charles Ferguson es el autor del mejor documental sobre la guerra de Irak que se haya realizado hasta la fecha, No End in Sight; un escalofriante relato de la cadena de insensateces, chapucerías, mentiras, tergiversaciones y codicia que llevaron a Estados Unidos a involucrarse en un conflicto bélico cuyo final, como dice el título de documental, se pierde de vista.

Por estos días, Ferguson está presentando en Cannes su último trabajo, Inside Job. Esta vez, con idéntica acuciosidad, examina las causas y las consecuencias de la crisis financiera global, que por estos días hace temblar a la Comunidad Europea. Una crisis que, a su jucio, no es en absoluto, accidental:

Esta película procura ofrecer un retrato integral de un asunto extremadamente importante y actual: la peor crisis financiera desde la Depresión, que sigue amenazándonos a través de los problemas de endeudamiento que vive Europa y la inestabilidad financiera mundial. Era una crisis totalmente evitable; de hecho durante 40 años después de la Gran Depresión, los Estados Unidos no tuvo ni una sola crisis financiera. Sin embargo, la progresiva desregulación del sector financiero desde la década de los ochenta, ha dado paso a una industria cada vez más criminal, cuyas “innovaciones” han generado una sucesión de crisis financieras. Cada crisis ha sido peor que la anterior y sin embargo, gracias al creciente poder y riqueza de la industria, muy pocas personas han sido encarceladas en cada una de ellas. En el caso de esta crisis nadie ha sido encarcelado, a pesar del fraude que ha causado pérdidas de billones de dólares. Es mi esperanza que a través de esta película, en menos de dos horas, todos puedan comprender la naturaleza esencial y las causas fundamentales de este problema. También espero que después de verla, independientemente de la opinión política, los espectadores puedan estar y podamos estar todos de acuerdo en la importancia de restaurar la honestidad y la estabilidad a nuestro sistema financiero, y de exigir responsabilidad a aquellos que lo han destrozado.

En un entrevista que concediera a The Wall Stree Journal, Ferguson subraya el carácter criminal de la crisis:

Creo que el argumento (de la película) central es que la desregulación, que comenzó en la década de 1980, conduce a la aparición de lo que, sin exageración alguna, es una industria criminal. El sistema financiero estadounidense se ha convertido en una industria criminal, en particular la banca de inversión. Eso es verdad en dos sentidos: la forma tan literal en la que estas personas han violado la ley. En la película, citamos una lista de actividades criminales a gran escala por las que las principales instituciones financieras ya han sido condenadas. El segundo sentido es que se ha desarrollado una cultura de una banca de inversión sin restricciones, en las que la gente puede hacer lo que quiera.

La tesis secundaria de la película es que a medida que esta industria se ha vuelto más poderosa y rica, ha corrompido las instituciones y a las personas que deberían haberla contenido – obviamente el sistema político, el sistema regulador y, menos obvia pero igualmente importante, el mundo académico y la investigación de la disciplina económica.

Según una nota de prensa:

El retrato del Sr. Ferguson de la crisis dura aproximadamente 105 minutos. Narrada por el ganador del Oscar® Matt Damon, se rodó en exteriores en los Estados Unidos, Islandia, Inglaterra, Francia, Singapur, y China. “INSIDE JOB” ha sido producida conjuntamente con Sony Pictures Classics. Entre las muchas personalidades que aparecen en “INSIDE JOB” se encuentran líderes empresariales, funcionarios y académicos como Barney Frank, Charles Morris, Daniel Alpert, Dominique Strauss Kahn, Glenn Hubbard, Eliot Spitzer, George Soros, Christine LaGarde, Jeffrey Lane, Kenneth Rogoff, Lawrence McDonald, Martin Feldstein, Harvey Miller, y Michael Greenberger.

Charles Ferguson | Entrevista en Charlie Rose

Morral C3P0 desarmado y un bolso para dormir Tauntaun, para fanáticos de Star Wars

El morral C3P0

Un post más por hoy.

¿Pensaron lo mismo que yo al ver la foto del C3P0 desarmado en la espalda de Chewacca? Sí, por fin alguien dio el tan esperado paso y convirtió nuestros sueños en realidad, en forma de morral.

Cool, ¿no?

Lo mejor de todo es que el robot se puede volver a armar para esas noches de soledad dentro de tu sleeping bag Tauntaun.

Porque esa es otra.

Los mismos fabricantes del morral C3P0 han creado un bolso para dormir con la forma de aquel animal, todo tripas y asqueroso, donde Luke debe meterse para no morir congelado, en El Imperio Contraataca.

El sleeping trae un sable láser, incluso, para abrirlo y dejar al descubierto su repugnante y tibio interior.

Yo, de verdad, acompañaría el conjunto con la famosa almohada en forma de caballo degollado de El Padrino.

O, quizás, con algo más sexy y atrevido…

¿Qué tal una alfombra hecha de legítima piel de Wampa para retozar con tu Leia?

Lo vi en | Cinematical

Babies, un documental todo ternura

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Me disculpan la cursilería del título, pero es casi inevitable. Cada vez que veo el trailer que ilustra este artículo, no puedo dejar de pensar en una frase muy cursi que una vez leí en un anuncio: “un apocalipsis de ternura”. Babies es un documental de Thomas Balmès que sigue, simultáneamente, la vida de cuatros bebés en diferentes países del mundo. Los protagonistas son Ponijao, quien vive en una aldea de Namibia; Bayarjargal, de Mongolia; Mari, quien vive en Tokio y Hattie, quien crece en San Francisco.

El documental recoge su primer año de vida: desde su nacimiento hasta sus primeros pasos.

Un blog llamado Lowindustrial llamaba la atención sobre el análisis de la película publicado por Kid in Mind, una página dedicada a orientar a los padres sobre cintas aptas para sus hijos. Fuera de contexto, la reseña resulta, cuando menos, cómica y, a veces, inquietante:

  • Sexo/desnudez: senos descubiertos femeninos son vistos a lo largo de la película, en un contexto distinto al maternal y cultural. Las escenas incluyen amamantamiento de recién nacidos y bebés, una mujer compartiendo un baño con un bebé… Una mujer aparece completamente desnuda en una bañera. sostiene un bebé desnudo que le cubre los senos y cuando se pone de pie, puede apreciarse su torso descubierto brevemente.
  • Violencia/Gore: un bebé golpea repetidamente la cara de otro con una galleta, hasta provocarle el llanto. Un infante salta sobre otro y le muerde el hombro, causándole el llanto. Un bebé le pega a otro en la cara y en el torso con una bufanda hasta que lo hace llorar. El primero no se detiene y le sigue pegando.

Mi parte preferida es cuando la reseña se vuelve escatológica:

  • (En la película) puede verse el trasero desnudo de un infante cubierto de lo que parece materia fecal; una mujer levanta el niño y en el proceso, se embarra su pierna de materia fecal, que ella limpia con una mazorca. También puede apreciarse un chorro de orina saliendo de un bebé y aterrizando en una mesa…

Quizás, en el fondo, no les falte razón, habida cuenta de la secuencia tan violenta —puños, mordiscos, llantos, tirones de cabellos, codicia, envidia…— con que arranca el trailer…

:-)

Vía | Kottke

Cine venezolano independiente: SubHysteria en las salas de Venezuela

SubHysteria

A partir de hoy viernes 14 de mayo de 2010, SubHysteria, la ópera prima de Leonard Zelig, actor, productor y realizador venezolano afincado en New York, llega a las salas de cine de Venezuela.

Creo que a estas alturas, la película no necesita de una pormenorizada introducción. Sabemos que se trata de una cinta de modesto presupuesto (130 mil dólares, ínfimo si se compara con los millonarios presupuestos de Hollywood), poco menos de una cuarta parte del presupuesto regular de una película venezolana. Sabemos también que su parte de su trama y de su proceso de realización fueron improvisados, aunque sobre una línea argumental definida, ensayos planificados cuidadosamente y una que otra refilmación.

La trama transcurre en un vagón del metro de New York, en el que quedan atrapados un variopinto grupo de personajes. Como locación fue usado un simulador del metro ubicado en el edificio 14 de la sección de entrenamiento del FDNY o departamento de bomberos de Nueva York. Y todo esto lo sabemos gracias al pormenorizado registro del proceso que Zelig llevó en su blog a lo largo de la realización. Realización open source

Valga destacar que, así como para su financiamiento y realización, SubHysteria se valió de la Web 2.0, ahora que se ha llegado la hora de su estreno, la promoción se ha afincando fuertemente en técnicas de mercadeo viral en la red: desde proyecciones organizadas desde redes sociales, hasta intensa publicidad basada en el boca a boca. Particularmente, en Twitter, donde hoy pueden leer toneladas de comentarios y donde, seguramente, se leerán a partir de esta noche, toneladas más.

Lo dije hace algún tiempo. Pronostiqué entonces que veía un inminente cambio en el cine venezolano. Un cambio forzado por internet, el fenómeno de las redes sociales, el abaratamiento de los medios de producción, el mercadeo viral y el boca a boca. Quienes se empeñan en mantenerse al margen, comienzan a rezagarse.

SubHysteria | Teaser | Los 10 primeros minutos

Caníbales mexicanos llegan a Cannes 2010


Hoy arranca el Festival de Cannes de este año 2010 y de todas las cintas programadas, hay una en particular cuyo tema no sólo me mueve al entusiasmo, sino que además su tratamiento me resulta muy curioso.

Se trata de Somos lo que hay, ópera prima de Jorge Michel Grau y cuya trama se centra en la lucha desesperada de una familia por su supervivencia luego de que muere el padre, único proveedor de su alimentación. Visto así, no se diferencia mucho de unas cuantas películas mexicana, de corte social, que hemos visto antes.

Dice su sinopsis:

Una familia queda desamparada al morir su padre y líder; a partir de ese momento sus tres hijos y su viuda se enfrentan a una tempestad. Los cuatro tendrán que plantar cara a su peor pesadilla: conseguir alimento por sus propios medios. Continuar con sus ritos es vital, deben comer carne humana para sobrevivir. Ahora, por decreto, el mayor de los hermanos, un adolescente desubicado, tendrá que guiar a los suyos para conservar su tradición caníbal, sin saber que, en el intento, tendrá que sacrificar su propia vida.

Somos lo que hay se presenta en la Quincena de Realizadores, en Cannes.

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